HALLOWEEN (2018, EUA. Dir: David Gordon Green)
"Halloween", a obra-prima dirigida por John Carpenter em 1978, completou quatro décadas este ano, e a comemoração teve um sabor especial com o lançamento de um novo filme - vamos chamá-lo de "Halloween 2018" para não confundir. E não é uma sequência qualquer, nem um remake desastroso como aqueles do Rob Zombie: a proposta ambiciosa do diretor-roteirista David Gordon Green e seus corroteiristas foi de dar seguimento à história do filme original 40 anos depois, passando a borracha em todas as continuações feitas desde então. Não se trata de nenhuma inovação, já que "Halloween H20", que marcou os VINTE anos do original em 1998, já tinha apagado tudo depois de "Halloween 2" (1981). Mas é o tipo de projeto autoral, de fã para fã, que não se vê com frequência, e como tal merece respeito. Analisando como fã da série, tem coisas muito boas neste "Halloween 2018". E também coisas muito ruins. O grande ponto positivo é que os realizadores entenderam o filme original e tentaram emular o clima de medo e tensão do clássico do Carpenter (algo que o Rob Zombie, por exemplo, não passou nem perto de fazer). Em alguns momentos, o novo filme chega bem perto do clássico: ele também é lento na primeira metade, construindo a trama aos poucos, e o suspense criado pela IMINÊNCIA do ataque de Michael Myers é muito mais interessante que o ataque em si (vide a cena praticamente silenciosa num quarto cheio de manequins). E não pensem que o vilão está pra brincadeira: Michael mata até criança, algo considerado tabu e geralmente evitado nas produções de gênero, ainda mais quando financiadas por grandes estúdios. Gostei, também, da forma como o roteiro enfocou o trauma provocado pelo ataque original de Michael Myers em 1978 e como toda uma geração cresceu traumatizada por ele, especialmente a ex-babá Laurie Strode (interpretada mais uma vez por Jamie Lee Curtis, em seu quinto "Halloween", mostrando que envelheceu junto com a série). Pena que "Halloween 2018" não trabalhe tão bem esta ideia de uma Haddonfield traumatizada, permanentemente enlutada e amedrontada, quanto uma das continuações que "apagou" da cronologia, o "Halloween 4" de 1988, onde há até um pelotão de linchamento formado por pais que perderam filhos para o psicopata em filmes anteriores. Por ter decidido apagar todas as sequências, também é curioso que filme empreste ideias de quase todas elas: Michael entrando em casas para roubar facões (como no início de "Halloween 2"), Laurie Strode mais velha e traumatizada tentando proteger um filho do psicopata ("Halloween H20"), Laurie criando uma elaborada armadilha para tentar eliminar Michael de vez ("Halloween Ressurreição")... Até uma péssima reviravolta envolvendo o novo psiquiatra de Myers (a pior coisa do filme, disparado) lembra o pavoroso "Halloween 6", e as antológicas máscaras de "Halloween 3" fazem uma participação especial! Entre mortos e feridos, "Halloween 2018" garante seu lugarzinho de honra entre os melhores momentos da série (até porque é muito difícil ser pior que "Halloween 5", ou que os remakes do Rob Zombie), mas não traz nada exatamente novo, que já não tivesse sido visto nas outras sequências que os caras optaram por desconsiderar. E, ainda no lado negativo, a trama desperdiça o personagem do jornalista que está fazendo um especial sobre Michael (e que poderia funcionar melhor como elo de ligação entre o vilão e sua "final girl" preferida), e o núcleo adolescente é muito, mas muito chato (talvez o filme se beneficiasse de um foco maior nos adultos, considerando que a molecada não é o público-alvo do projeto). Mas sempre é uma delícia ver Michael Myers na tela grande, ainda mais com a trilha sonora original de John Carpenter tocando de maneira reverente, nos fazendo lembrar daquele pequeno grande filme de 1978 que revolucionou o gênero. Será que teremos um novo "Halloween" nos 50 anos do original, em 2028?
SEREI AMADO QUANDO MORRER (They'll Love Me When I'm Dead, 2018, EUA.
Dir: Morgan Neville)
Dir: Morgan Neville)
De todos os projetos que Orson Welles deixou inacabados ao morrer (o thriller "The Deep", com Jeanne Moreau; a tão sonhada adaptação de "Don Quixote" que o diretor foi filmando ao longo de décadas...), "The Other Side of the Wind" sempre foi considerado - junto com o "The Day the Clown Cried", de Jerry Lewis - uma espécie de Santo Graal por cinéfilos do mundo inteiro; a possível obra-prima nunca lançada que todo mundo sempre sonhou ver, mesmo sabendo que isso era impossível. Afinal, um falso documentário sobre um grande diretor de cinema (interpretado por um grande diretor de cinema verdadeiro, John Huston!) que cai em desgraça soa como uma autobiografia bem particular do próprio Welles. "The Other Side of the Wind" foi filmado ao longo dos anos 1970, com grandes dificuldades técnicas e financeiras, e de maneira obsessiva por um envelhecido e esquecido Orson, que acreditava ser esta a sua última chance de redenção artística. Infelizmente, por motivos absurdos que envolvem falta de grana, mortes, traições e até o sequestro dos negativos pelo Xá do Irã (!!!), este último filme de Welles permaneceu inacabado durante 40 anos, até ser recentemente resgatado e lançado pela Netflix (ironicamente, aquela plataforma de streaming que muitos cinéfilos adoram condenar). "Serei Amado Quando Morrer" é um documetário da própria Netflix que analisa todo o imbróglio, trazendo preciosas entrevistas com vários dos envolvidos no processo de filmagem de "The Other Side of the Wind" - e que infelizmente são identificados apenas no final, confundindo o espectador que não sabe quem são várias daquelas pessoas que estão falando e qual seu exato envolvimento no processo. Ao mesmo tempo, resume os últimos anos de vida de Orson Welles, quando, falido, fracassado e morando de favor na casa do amigo Peter Bogdanovich, ele ainda sonhava com um retorno em alto estilo. Trata-se de um documentário sobre a loucura do fazer cinema, para deixar qualquer cinéfilo com lágrimas nos olhos enquanto testemunha a genialidade, teimosia e paixão de um diretor que foi vítima da grandiosidade de seus sonhos e do próprio perfeccionismo. E também sobre como esta paixão contaminou as pessoas ao seu redor, tipo o já falecido diretor de fotografia Gary Graver, que trabalhou no projeto durante anos sem ganhar um centavo e acabou dirigindo pornôs para pagar as contas. Repleto de incríveis imagens dos bastidores de "The Other Side of the Wind", o documentário serviria, por si só, como um grande tributo ao lendário filme inacabado, caso este não estivesse sendo finalmente lançado. Neste aspecto, lembra outro documentário sobre uma obra-prima nunca finalizada e dirigida por um cineasta obsessivo - "O Inferno de Henri-Georges Clouzot", de 2009. Este e "Serei Amado Quando Morrer" deveriam ser exibidos em faculdades de cinema, para esta nova geração de cineastas mal-acostumados que choraminga por não conseguir verba de edital para fazer seu filme. Agora é esperar que a Netflix dê o mesmo tratamento para o tão sonhado "The Day the Clown Cried"...
MANDY (2018, EUA/Reino Unido/Bélgica. Dir: Panos Cosmatos)
Um dos filmes mais badalados de 2018 entre os fãs de cinema alternativo, "Mandy" também é uma daquelas experiências audiovisuais que dividem a humanidade entre "Amei" e "Odiei" sem meio-termo. E embora eu tenha enxergado várias qualidades no longa (assinado pelo filho do saudoso George Pan Cosmatos, diretor de "Stallone Cobra"), confesso que não consegui embarcar 100% na viagem lisérgica proposta. Muitos se referiram a "Mandy" usando a expressão "um filme grindhouse dirigido como se fosse cinema de arte", e isso não é exatamente uma novidade - vide "Thriller - A Cruel Picture", de Bo Arne Vibenius. Trata-se de uma história de vingança que se passa nos anos 1980 e tem duas metades bem distintas: na primeira, Nicolas Cage e sua namorada Andrea Riseborough têm um encontro fatal com uma seita de hippies assassinos estilo Charles Manson; na segunda, um Cage completamente descontrolado e atuando no nível mil de loucura fabrica um machado gigante para dar o troco nos bastardos. O diretor Panos Cosmatos faz o possível e o impossível para agradar tanto ao público "de arte" quanto a quem curte o cinema exploitation que o filme tenta emular. Considerando esta mistura, o resultado tanto é lindo e introspectivo - com fantástico uso de cores, cenários que lembram um sonho (ou pesadelo) e inserções de animações - quanto grosseiro, barulhento e apelativo, dando verdadeiros banhos de sangue no protagonista. Cosmatos Filho aproveita para levar o cine-podreira ao circuito de arte: Cage assiste ao maravilhoso filme trash "Criatura da Noite", de Don Dohler, na TV, e depois participa de um duelo de motosserras extremamente fálico, estilo "A minha é maior", que lembra muito uma cena parecida de "Fantasma 2", de Don Coscarelli. Mas homenagens e bizarrias à parte, sobra pouco para ver e quase nada de novo. Quando eu percebi que era "só isso", que a proposta era apenas sentar e ficar estupefato com a fotografia e a direção de arte enquanto acompanhava o extermínio sistemático dos vilões por um descontrolado Nicolas Cage, confesso que me senti um tanto enganado e entediado. Fãs do recente e famigerado Episódio 8 de "Twin Peaks - O Retorno", dirigido por David Lynch, vão amar de paixão; já quem espera um pouco de substância além do estilo provavelmente achará "Mandy" excruciante durante boa parte do tempo - mesmo com a generosa quantidade de sangue, violência explícita e canastrice do protagonista na segunda metade.
BUSCANDO... (Searching, 2018, EUA/Rússia. Dir: Aneesh Chaganty)
Primeiro longa de Aneesh Chaganty, "Buscando..." é uma bela surpresa: a narrativa inteira se passa na área de trabalho de um computador, onde o personagem principal (John Cho, da série besteirol "Harry & Kumar") abre vídeos, sites, e-mails, manda mensagens, dá telefonemas, etc. Neste mesmo espaço, o protagonista também interage com os outros personagens do filme através de diferentes ferramentas tecnológicas, sem nunca "sair" da área de trabalho do computador para a "vida real". Ao mesmo tempo em que isso exige uma criatividade tremenda do roteirista - para poder amarrar uma história inteira num "ambiente" aparentemente tão limitado quanto uma área de trabalho de computador -, "Buscando..." também comprova o quanto nossas vidas estão "virtuais", e podemos fazer praticamente tudo pelo computador e pela internet. Inclusive uma complicada investigação policial, no caso do filme: Cho interpreta um pai assombrado pelo misterioso desaparecimento da filha adolescente, e que, sem pistas, começa a revirar os arquivos do computador da garota, "interrogando" seus amigos via Facebook e Skype para tentar juntar as peças do que aconteceu com ela. Embora pareça inovador, já que a coisa toda é relativamente nova, "Buscando..." não inventou este formato (os anteriores "Open Windows" e "Unfriended" também se passavam integralmente ou quase numa tela de computador). Mas, dos longas citados, foi o que melhor aproveitou a fórmula até agora, e ainda leva o espectador a pensar em como sabemos pouco sobre as pessoas ao nosso redor "fora da internet". O ponto negativo (sempre tem um, né?) é a reviravolta final completamente desnecessária, que mais parece exigência de um cinemão comercial movido a absurdas revelações-surpresa e um grande "vilão de James Bond" sempre por trás de tudo. Tira um pouco do impacto da história, que poderia se concluir de outra maneira, mas de forma alguma compromete a interessante experiência narrativa que é "Buscando...". Boa sorte para quem tentar fazer algo parecido a partir de agora, pois me parece que o filme de Chaganty meio que esgotou o formato para sempre (ou por um bom tempo).
APÓSTOLO (Apostle, 2018, EUA/Reino Unido. Dir: Gareth Evans)
Existe um filmaço em algum lugar de "Apóstolo"; o problema é encontrá-lo por baixo de toneladas de gordura, pretensão e subtramas dispensáveis. Parece ser uma constante no trabalho do diretor Gareth Evans, que surgiu arrebentando com "Operação Invasão / The Raid" (2011, o melhor filme de ação desde "Fervura Máxima") e com o segmento "Safe Heaven", da fracassada antologia "VHS 2" (2013). Desde então, o jovem cineasta não apenas se acomodou numa zona de conforto entre estes dois trabalhos, como começou a se levar a sério demais. Peguemos "The Raid 2", por exemplo: embora tenha cenas de ação insanas, também é um filme inchado, cheio de personagens desnecessários, com quase três horas de duração que perdem feio para a simplicidade do original. Já "Apóstolo", seu longa seguinte, feito com a liberdade do selo "Uma produção original Netflix", mistura as cenas de ação de "The Raid" com o climão de "Safe Heaven", mas decepciona. A trama do sujeito que viaja até uma ilha para resgatar a irmã sequestrada por um perigoso culto começa lembrando "O Homem de Palha", mas não demora a se transformar numa bagunça completa e absurda - para uma ilha dominada por uma seita que impõe toque de recolher, é impressionante a quantidade de personagens zanzando à vontade DEPOIS do horário sem sofrer qualquer represália! A atmosfera de ameaça iminente e o interessante clima misterioso/assustador dos primeiros 20 a 30 minutos - que tratam principalmente de idolatria e fanatismo religioso - logo são sacrificados em prol da pancadaria, do corre-corre e de algumas cenas insanas de violência (uma delas envolvendo um elaborado dispositivo de tortura que arranca cérebros). No começo Evans deixa o espectador propositalmente no escuro, oferecendo múltiplas possibilidades para o que pode estar acontecendo na ilha (algumas delas Lovecraftianas). O problema é quando ele começa a tentar responder as perguntas que criou, e estica a história pelo menos uns 40 minutos além do necessário. Fiz força para gostar de "Apóstolo" e, como disse lá no início, existe um filmaço aqui em algum lugar, principalmente na metade inicial. Pena que seja o resultado seja todo torto e caótico, com vários elementos sendo jogados aleatoriamente na narrativa, na esperança de que funcionem todos juntos. Mas não funcionam. Melhor sorte em "The Raid 3".
HOMEM-FORMIGA E A VESPA (Ant-Man and the Wasp, 2018, EUA. Dir: Peyton Reed)
Quando o filme do "Homem-Formiga" apareceu, gostei dele como um sopro de renovação num Universo Cinematográfico Marvel obcecado por megassagas interligadas: era uma história fechadinha, redonda, extremamente divertida e que funcionava sem ser necessário assistir outros dez filmes (embora tenha a "participação especial" de um dos heróis do núcleo do Capitão América). Me lembrou muito a pegada do primeiro "Homem de Ferro", aquele pequeno grande filme que deu início à invasão da editora de quadrinhos no cinema, e que ainda é um dos meus títulos preferidos da Marvel Studios. Pena que tudo que havia de bom e independente em "Homem-Formiga" desapareceu desta sua primeira sequência, "Homem-Formiga e a Vespa". Agora que o personagem foi definitivamente integrado ao "Grande Universo Marvel", a trama obriga o espectador a ver pelo menos outros dois filmes (as continuações de "Capitão América") para entender o que está acontecendo, e porque o protagonista Scott Lang (Paul Rudd sendo Paul Rudd) está cumprindo prisão domiciliar. Se o primeiro funcionava na sua simplicidade, esta continuação tenta abraçar o mundo: tem uma nova heroína, a Vespa; uma nova supervilã chamada Ghost, e AINDA a tentativa de resgatar a esposa do Dr. Pym (Michael Douglas), mentor do novo Homem-Formiga, do microcosmo onde ela ficou aprisionada. E mesmo com tanta coisa acontecendo, é assustador como o filme é desinteressante - a única parte que eu realmente acompanhei com interesse ao invés de ficar olhando para o relógio foram os malabarismos que o protagonista precisa fazer para convencer o FBI de que continua "preso" em casa, quando na verdade está por aí tentando salvar o mundo. O desinteresse é agravado pelo fato de o diretor apelar para constantes cenas de ação abusando do recurso "ficar pequeno/ficar gigante", sem muita criatividade e provocando bocejos após a primeira ou segunda lutinha. Nem mesmo a participação de atores conhecidos, como Lawrence Fishburne e Michelle Pfeiffer, torna "Homem-Formiga e a Vespa" mais atrativo, e praticamente todas as piadas erram o alvo - especialmente aquelas envolvendo a equipe de segurança dos amigos do herói, que parecem ter saído diretamente de uma comédia ruim do Adam Sandler. Em duas horas de projeção, a melhor cena é o gancho pós-créditos, diretamente ligado a "Vingadores: Guerra Infinita" - embora eu duvide que muita gente estará realmente preocupada com o destino do Homem-Formiga depois deste segundo filme...
Dir: Ron Howard)
Naquele que poderia ser o clímax de "Han Solo - Uma História Star Wars", o jovem Han Solo e seus amigos estão a bordo da Millenium Falcon e enfrentam uma violenta batalha contra o Império, ao mesmo tempo em que correm contra o tempo para viajar do ponto X ao ponto Y levando um material explosivo extremamente instável, que pode explodir junto com a nave e com os heróis a qualquer momento. É o tipo de cena tensa e repleta de suspense com a qual todo diretor sonha, não fosse por três pequenos problemas:
1. O espectador já sabe de antemão que ninguém vai explodir porque isso aqui é uma 'prequel' e Han Solo precisa estar vivo para envelhecer e participar da trilogia original;
2. Deveria ser uma cena de ação cascuda, mas foi filmada da maneira mais burocrática e sonolenta possível - no piloto automático, já que estamos falando de naves;
3. Ainda tem mais 50 minutos de filme pela frente.
Depois que "Rogue One" provou que é possível contar boas histórias sobre o universo de "Star Wars" que se passam ENTRE os filmes da série original, e sem a necessidade de reciclar seus personagens principais, "Han Solo" soa como um gigantesco caça-níqueis. Não sei de quem exatamente é a culpa por esta tragédia (os diretores originais Phil Lord e Chris Miller foram demitidos e o batedor de cartão Ron Howard entrou no lugar), mas "Han Solo" é aquele típico filme que você assiste com um olho na tela, outro olho no relógio. 50 bocejos depois, 30 pauses para ir ao banheiro ou fazer qualquer outra coisa, e inúmeros questionamentos de "Por que estou vendo isso mesmo?" depois, o filme termina sem qualquer tesão, tornando-se o pior momento da franquia desde os Episódios 1 a 3. Com um pouco de criatividade e alguém emocionalmente conectado ao projeto no controle, poderíamos ter aqui um vislumbre da história pregressa do jovem Han Solo, e de como ele se transformou num anti-herói que trafica drogas e atira primeiro nos inimigos, ao mesmo tempo em que tem um grande coração cheio de nobres intenções. Na prática, é um filme preguiçoso que simplesmente se dedica a mostrar, em imagens, tudo que já sabemos ou nunca tivemos curiosidade de saber (como Han ganhou o sobrenome Solo, como Han conheceu Chewbacca, como Han ganhou a Millenium Falcon do Lando num jogo de azar...), além de tudo que já ouvimos antes na série original (do surgimento de todo e qualquer bordão usado por Harrison Ford até a Corrida de Kessel, da qual ele fala com tanto orgulho a Luke e Obi Wan no "Star Wars" de 1977). A única coisa digna de nota - mas nem por isso vale suportar os intermináveis 135 minutos de martírio - é a impagável brincadeira com a polêmica do "Han atirou primeiro". (Tem, também, a participação especial de um personagem conhecido da série, mas como ele é do repertório dos Episódios 1 a 3, que são igualmente descartáveis, não faz a menor diferença.)
Se o livro "Ready Player One", de Ernest Cline, foi uma das coisas mais legais e divertidas que li este ano, como é que "Jogador Número Um", o filme de Steven Spielberg, foi sair tão ruim e errado? A dúvida fica ainda mais pertinente ao percebermos que o próprio Cline escreveu o roteiro (e estragou tudo que era divertido na fonte), e que Spielberg foi a principal referência do cinema blockbuster infanto-juvenil dos anos 1980, que por sua vez é a grande influência do próprio livro! Obviamente, o trailer já deixava transparecer que o clima de nostalgia e de citações espertas da obra literária seriam substituídas por visual de videogame e pancadaria na versão para o cinema. Dito e feito: a única coisa que ambos têm em comum é a "caça ao tesouro" num ambiente virtual e os nomes dos personagens; todo o resto - inclusive as motivações dos protagonistas - foi alterado para pior. Sei que são mídias diferentes, mas a adaptação para o cinema é tão insípida e desprovida de emoção que me pergunto como terá funcionado com o espectador que não conhece o livro - e, portanto, o 'background' por trás da trama e dos personagens. Isso porque em nenhum momento "Jogador Número Um", o filme, consegue passar a impressão de que os heróis estão correndo contra o tempo para encontrar as três chaves que lhes darão acesso ao cobiçado prêmio (sim, eles estão), e nem que enfrentam qualquer perigo, seja no ambiente virtual ou no mundo real. Spielberg higienizou tanto a parada que limou até a morte de um dos personagens principais, algo que dava um gás extra para seus companheiros seguirem em frente lá pela metade do livro. O mundo do futuro do Spielberg sequer parece tão terrível quanto o de Cline, onde as pessoas se refugiavam na realidade virtual para fugir dos horrores da "real", e nem fica claro o fato de que todo mundo se tornou "autoridade em cultura pop dos anos 1980" para poder ter mais chances de decifrar as pistas da caça ao tesouro. Já que estamos falando delas, "Jogador Número Um" arruinou todas as "provas" que os protagonistas precisam enfrentar para conseguir as tais chaves. Se no livro elas envolviam conhecimento de cultura pop e inteligência (ou a capacidade de virar jogos de Atari e citar frases de filmes de cor), na adaptação para o cinema tudo é trocado pela força bruta e pela correria. Nem mesmo as esporádicas referências a clássicos obscuros como "Beastmaster" e "As Aventuras de Buckaroo Banzai", e alguns poucos momentos bem bolados para adoradores de cinema e videogame (como a imersão no filme "O Iluminado", ou a homenagem ao jogo de Atari "Adventure"), salvam "Jogador Número Um" de ser um porre, excessivamente longo e com cenas de ação grandiosas que devem ter funcionado no Imax 3D, mas viram uma miniatura na tela da TV de casa e só provocam bocejos. Toda e qualquer mensagem importante do livro foi deletada em prol da ação e dos efeitos especiais. E enquanto a obra do Cline tinha um ar nostálgico de aventura dos anos 1980, com alguns dos personagens mais interessantes e "humanos" que aparecem em muito tempo, o filme do Spielberg é artificial, inexpressivo e vazio, disparando referências bem óbvias apenas para provocar sorrisinhos de quem sacar as citações. Melhor ficar com o livro.
Um dos thrillers mais perturbadores que vi nesses últimos tempos, e sem precisar apelar para cenas escabrosas de tortura, escatologia ou violência explícita - embora tenha uma cena bem sanguinolenta envolvendo uma jugular cortada. Conta a história de Cesar (Luis Tosar, incrível), um assustador sociopata que foge dos clichês do vilão de cinema de gênero: ele trabalha como porteiro de um edifício, onde compensa a mediocridade do seu dia-a-dia (e uma possível depressão severa) alimentando-se da tristeza alheia, fazendo tudo ao seu alcance para infernizar os inquilinos. Lembra do "Clube da Luta", quando o Edward Norton começa a frequentar grupos de doentes terminais porque aquilo torna a vida dele menos ruim? Então, por aí. Cesar fica obcecado por Clara, uma jovem que passa pela portaria sempre feliz e simpática, e resolve fazer tudo para destruir a vida dela. A relação complexa entre os dois não pode ser esmiuçada para não estragar as surpresas, mas é o que justifica o título do filme. "Enquanto Você Dorme" foi dirigido em 2011 por Jaume Balagueró, uma das cabeças por trás da série "REC". O ponto de partida lembra vagamente "O Encanador", um filmão do Peter Weir. Balagueró dispensa sutilezas para chocar o espectador, mas, reforçando, o faz sem abusar da violência ou da escatologia, como fariam cabeças-de-bagre tipo Rob Zombie e Eli Roth. Numa das cenas mais terríveis (e tristes) do filme, Cesar destrói o eterno otimismo de uma velha solteirona usando de falsa simpatia e mentiras cruéis, sem nunca alterar a voz ou parecer ofensivo. O final, então, é um autêntico soco no estômago. Se você ainda precisa de algum argumento para perder a fé na humanidade, assista este filme correndo! Até porque logo logo sai o inevitável remake hollywoodiano... PS: A exemplo do que o Hitchcock fez anteriormente na obra-prima "Frenesi" (1972), o safado do Balagueró nos faz torcer sem querer pelo escroto do vilão numa cena de inacreditável suspense!
Trabalho injustamente menos conhecido do diretor espanhol Álex de la Iglesia (que está lançando praticamente um filme por ano), "Minha Grande Noite" é uma comédia sensacional que, se houver justiça neste mundo, ainda vai virar cult movie. Álex reúne um colorido e divertido grupo de personagens excêntricos durante a gravação de um daqueles programas de TV de final de ano (tipo o infame "Réveillon do Faustão"). Estes programas não acontecem ao vivo, são gravados meses antes do verdadeiro fim de ano, então já rola um clima natural de falsidade porque vemos artistas e convidados festejando e brindando por um novo ano que nem começou ainda. No filme de Iglesia, o clima de falsidade fica ainda mais evidente porque as gravações já duram dias, há uma greve de funcionários da emissora querendo sangue do lado de fora do estúdio, e quem está dentro não pode sair sob pena de não conseguir voltar. Ganhando uma miséria e repetindo as mesmas ações o tempo inteiro, ninguém no estúdio se aguenta mais, mas todos precisam fingir que estão super-felizes no momento em que as câmeras começam a gravar. Rolou uma simpatia imediata pelo filme porque ele me lembrou um cruzamento de duas das minhas comédias preferidas de todos os tempos: "Get Crazy", do Allan Arkush, que também é sobre um show de final de ano que vira zorra total, e "Britannia Hospital / Hospital dos Malucos", do Lindsay Anderson, onde os personagens centrais também estão cercados por uma turba de grevistas enfurecidos que a polícia não consegue conter. Além de ser realmente muito engraçado (com direito a humor negro e piadas bem pesadas envolvendo fluidos corporais), "Minha Grande Noite" tem um dos grupos de personagens mais impagáveis já reunidos num único roteiro, um melhor e mais interessante do que o outro - com destaque para o ex-galã de novela Mario Casas interpretando um desses cantores fuleiros movidos a 'auto-tune', e que está no programa para cantar seu impagável hit "Bombero", acompanhado pelo empresário argentino especializado em livrá-lo dos processos de paternidade e assédio sexual de menores! Num toque de gênio, o elenco também traz um mítico cantor romântico espanhol da vida real chamado Raphael (um rival de Julio Iglesias, algo com o que o roteiro inclusive brinca) interpretando Alphonso, um arrogante e vilanesco astro veterano da música que, está na cara, é uma versão cinematográfica e exagerada do próprio Raphael! Para dar uma ideia do bom humor do artista em aceitar fazer piada com a própria persona, seria o equivalente a alguém fazer uma comédia dessas aqui no Brasil e colocar o Roberto Carlos no papel de um cantor cheia de frescuras e manias! Enfim, corram atrás de "Minha Grande Noite" e divirtam-se com este belíssimo filme, dificilmente vai sair comédia melhor e mais divertida por um bom tempo!
"O Feitiço do Tempo" encontra a Geração "Pânico" na divertida mistura de horror e comédia "A Morte Te Dá Parabéns", que, a exemplo dos excelentes "O Segredo da Cabana" e "The Final Girls / Terror nos Bastidores", usa elementos de fantasia para tirar onda dos clichês dos filmes slasher. A trama acompanha as desventuras de uma estudante cabeça-oca que descobre estar presa num bizarro "loop" temporal, que a faz acordar toda manhã no mesmo dia horrível em que foi assassinada por um psicopata mascarado. À medida que este dia se repete, ela tenta várias vezes evitar a própria morte, usando as "repetições" para acumular informações e experiência sobre o que virá pela frente (como Bill Murray fez antes em "O Feitiço do Tempo"), e também para investigar a identidade do assassino mascarado e tentar detê-lo antes que seja tarde. O resultado é uma grande bobagem que entretém mais do que assusta ou surpreende, já que - como já havia acontecido em "The Final Girls" - os níveis de violência e nudez tão tradicionais dos filmes slasher foram mantidos num mínimo aceitável para não ofender as novas gerações de espectadores. Não que estes elementos realmente façam falta aqui; confesso que o que mais estava me incomodando era o fato de a trama reciclar uma ideia já conhecida como se fosse algo original, sem ninguém nunca citar "O Feitiço do Tempo" para referir-se à situação da protagonista - ainda mais considerando que este filme já está imortalizado na cultura popular. Felizmente, o roteiro corrige isso nos minutos finais, inclusive brincando com a bobice da protagonista (que nem sabe quem é o Bill Murray!). Para quem também gosta de "O Feitiço do Tempo" e de filmes slasher, "A Morte Te Dá Parabéns" deve render pelo menos uma bela Sessão da Tarde, embora não traga absolutamente nada de novo ao conceito já tão bem abordado naquele inesquecível Dia da Marmota.
Em 2004, eu vi no cinema este pequeno filme chamado "Saw / Jogos Mortais" e saí da sala embasbacado. Primeiro porque ele conseguia se distanciar das cópias vagabundas de "Seven" que infestavam cinemas e videolocadoras no período, criando um "serial killer humanitário" deveras original; segundo porque o final-surpresa era uma cacetada na cabeça e realmente nos pegava de surpresa. E também era uma produção visivelmente barata, baseada mais em ideias do que em efeitos, realizada por pessoas que pareciam apaixonadas pelo projeto. Fiquei tão impressionado que comecei a acompanhar os trabalhos do roteirista, um ator chamado Leigh Whannell. Pois foi preciso esperar 14 anos (e mais dois "Jogos Mortais", e quatro "Insidious", e outras coisas que quase ninguém viu) para o sujeito me impressionar novamente. "Upgrade", thriller de ficção científica que o Whannell além de escrever dirigiu, é uma daquelas boas ideias tão difíceis de aparecer no cinema contemporâneo: uma trama que se passa num futuro próximo, mas não perde tempo (nem gasta dinheiro) mostrando muito deste futuro; pelo contrário, se desenvolve de maneira enxuta e vai direto ao que interessa. Não vou falar muito sobre a história para não estragar a experiência, mas basicamente é sobre um sujeito que fica tetraplégico e se oferece como cobaia para o implante de um novíssimo e revolucionário chip capaz de lhe devolver os movimentos - e também acessar o seu cérebro, e consequentemente controlar seus reflexos, para transformá-lo numa espécie de super-herói. Às vezes lembra um episódio esticado de "Black Mirror" (o que não é, de maneira alguma, demérito), e também aproveita ideias vindas diretamente do universo de William Gibson, como os bizarros implantes que transformam o ser humano em máquinas biológicas (as armas sob a pele do braço são geniais). "Upgrade" é apenas o segundo filme dirigido pelo roteirista (que antes assinou o terceiro "Insidious"), mas já comprova que Whannell aprendeu bastante com o amigo e parceirão James Wan: as cenas de ação são muito boas, e inesperadamente sanguinolentas em alguns momentos. Mas a cereja do bolo é mais um final-surpresa porrada, justo quando você estava reclamando do quão previsível parecia a conclusão. Não sei exatamente quanto "Upgrade" custou, mas dá para ver que este é um pequeno e brilhante filme que certamente custaria 50 porradilhões a mais nas mãos de um Spielberg ou de um Zack Snyder - que também filmariam uma hora a mais de cenas só para poder explorar o "mundo do futuro" em computação gráfica. Particularmente, prefiro o filme assim como está. E sigo de olho nos próximos projetos do Leigh Whannell, que está muito mais interessante do que o parceirão Wan.
Eu ainda era criança quando percebi esse carinha engraçado que aparecia em praticamente TODOS os filmes que eu gostava, sempre em pequenos - porém memoráveis - papéis. Em "O Exterminador do Futuro", era ele quem "vendia" as armas para o Schwarzenegger; em "A Noite dos Arrepios", era ele quem providenciava o lança-chamas para o Tom Atkins liquidar as sanguessugas do espaço sideral; em "Gremlins" ele era o velhinho rabugento que batizava, sem querer, as criaturas; em "Viagem ao Mundo dos Sonhos", era o piloto de helicóptero que via nos garotos protagonistas o menino que um dia ele foi, e assim por diante. Aquele carinha estava por toda parte e, só descobri tempos depois, se chamava Dick Miller. "That Guy Dick Miller" (Aquele Cara, Dick Miller) é um documentário excepcional que finalmente dá o devido protagonismo a este ator maravilhoso. Ele apareceu em tantos filmes que eu já nem lembrava que estava em alguns, e sua riquíssima trajetória como "coadjuvante" é contada sem poupar em emoção - como o triste fato de Dick continuar relegado a pequenas participações quando muitos jovens atores com quem contracenou nas produções de Roger Corman tornaram-se grandes astros (Jack Nicholson, por exemplo). Descobrimos que aquele cara, Dick Miller, não apenas apareceu em praticamente todo filme já feito, mas também roteirizou alguns (incluindo uma das piores comédias do Jerry Lewis!!!), e ainda foi um talentoso desenhista que talvez tenha desperdiçado uma lucrativa carreira como artista para fazer pontas em filmes vagabundos apenas pelo amor ao cinema! O mais interessante é que "That Guy Dick Miller" não se limita a ser um documentário sobre o ator, mas acaba narrando também a trajetória de várias pessoas com quem ele trabalhou mais diretamente, de Roger Corman a Joe Dante. Com toneladas de cenas de filmes e imagens de arquivo pertencentes ao próprio ator, além de entrevistas com tanta gente boa que não dá nem para enumerar (diretores e atores famosos, inclusive), o filme é obrigatório para todo e qualquer cinéfilo. E nos faz ficar com ainda mais raiva do Quentin Tarantino, que foi bunda-mole de cortar a participação de Miller como Monster Joe em "Pulp Fiction" (algo que o ator lamenta até hoje) quando havia tantas outras coisas sobrando para cortar naquele filme. O único problema do documentário é que depois dá a maior vontade de sair catando todos os filmes com Dick Miller para ver ou rever. E, como se sabe, são quase 200! Que pena que ninguém nunca fez um documentário parecido com o Wilson Grey, o "Dick Miller do cinema brasileiro", que também apareceu em todo filme nacional produzido entre os anos 1960-90!
O mais assustador do remake de "Desejo de Matar", dirigido por Eli Roth e estrelado por Bruce Willis, não é a violência e nem a apologia à "justiça pelas próprias mãos" num momento em que se discute, nos EUA e no mundo, a facilidade para obter e usar armas sem maiores consequências. O que realmente assusta é o quanto o filme é burocrático, esquemático, e não tem nada de novo para dizer mais de 40 anos depois do original. O roteiro de Joe Carnahan até tenta atualizar o tema ao colocar a internet na jogada, quando um vídeo mostrando o vigilante em ação cai no YouTube - mesma plataforma que o "herói" utiliza para descobrir informações preciosas em sua cruzada contra a bandidagem. E é claro que ele também se transforma em meme! Mas o grande pecado é desperdiçar um dos raros elementos interessantes da "modernização": ao mudar a profissão do protagonista Paul Kersey de arquiteto no original para médico agora, o "Desejo de Matar" do século 21 poderia ter criado um debate minimamente interessante sobre a pena de morte, já que o mesmo homem que se dedica arduamente a salvar vidas durante seu plantão (seja de policial, seja de bandido, como visto na ótima cena inicial) mais tarde irá tirá-las por conta própria nas horas de folga, aparentemente sem nenhum conflito de consciência. Isso é muito bem ilustrado numa montagem paralela em que Willis carrega uma pistola ao mesmo tempo em que o vemos extraindo a bala de um ferimento na mesa de cirurgia. Mas Roth, Carnahan e Willis não estão muito interessados nas implicações sérias das ações de um vigilante, pelo menos não tanto quanto Michael Winner lá nos anos 1970. O próprio Willis interpreta seu Paul Kersey como mais um herói de ação clichê, idêntico a vários que já fez, sem esboçar qualquer emoção minimamente humana ao matar ou torturar bandidos. Neste aspecto, o recente e bastante irregular "Sentença de Morte" (2007), de James Wan, é muito mais realista ao mostrar que quando o protagonista começa a dar o troco na mesma moeda, entra num caminho sem volta que o transformará para sempre, e não para melhor. Willis bem que poderia ter tentando emular seu famoso John McClane no primeiro "Duro de Matar" - um herói mais humano, que tentava evitar o confronto com os criminosos e tinha medo de morrer. Mas não: o "novo" Paul Kersey poderia muito bem ter sido interpretado por Chuck Norris ou Steven Seagal. A boa notícia é que a patrulha do politicamente correto não precisa boicotar o filme nem ficar de chiadeira pela "mensagem", pois ele é devidamente acéfalo para não gerar polêmicas como o original lá em 1974. Li um sem-número de bobagens, de pessoas que nem viram o filme, sobre como o remake seria uma "panfletagem da Era Trump", com "Willis mandando bala em negros e latinos". Curiosamente, a maioria absoluta dos criminosos abatidos por Kersey no remake - todos eles bandidos desumanos que atiram primeiro, para não deixar dúvida - são homens brancos. E o que resta é uma história rasa e vazia sobre justiça pelas próprias mãos, nem pior nem melhor do que as 300 outras cópias de "Desejo de Matar" produzidas desde o seu lançamento.
Existe um lance chamado "suspensão de descrença" (melhor no inglês, suspension of disbelief), que é basicamente até onde você pode forçar a amizade com o espectador sem que ele comece a se sentir um idiota. A paciência deste costuma ser bem elástica, mas é bom não abusar! Pois é justamente isso - abusar da suspensão de descrença até tomar o espectador por completo imbecil - que a francesa Coralie Fargeat faz em "Vingança", a incontável variação de um dos temas mais tradicionais do cinema de exploração dos anos 1970 - o "rape & revenge". Vejamos: estuprada, agredida e cercada por três brucutus no meio do nada, a italiana Matilda Lutz é empurrada para a morte de um precipício. Ela cai de uma altura de uns dez metros e acaba empalada pela barriga no tronco de uma árvore, mas não apenas sobrevive a uma queda que a teria matado instantaneamente (ou pelo menos quebrado sua espinha nuns três pontos diferentes), e a um ferimento que deveria ter arrebentado suas tripas, como ainda escapa da "situação desconfortável" INCENDIANDO a árvore em que se encontra espetada até que o tronco se parta e caia - correndo o risco de ser queimada viva no processo. Aí ela passa boa parte do resto do filme zanzando pelo meio do deserto, descalça, sem água nem comida, perdendo litros de sangue até ficar à beira da anemia, e com um toco de árvore ainda atravessado no peito e remoendo seus órgãos internos, mas de alguma maneira miraculosa consegue correr, lutar e ainda dar o troco nos infelizes que fizeram tudo isso com ela (e que estão descansados, armados e sem nenhum ferimento gravíssimo no peito)! Se houvesse uma explicação sobrenatural para a parada até seria mais fácil de engolir; afinal, foi exatamente o que fez um eficiente filme de 2013 chamado "Savaged", em que uma garota muda é violentada e possuída por um espírito indígena para se vingar dos agressores. Mas quando o máximo que a também roteirista Coralie consegue pensar é que a mocinha tomou peyote, uma droga alucinógena, para "esquecer a dor", começa a forçar a amizade além do suportável. Inquestionavelmente bem dirigido e fotografado, o filme tem pretensões artísticas que ficam até meio esquisitas num negócio que é apenas uma variação melhor filmada de produções tipo "A Vingança de Jennifer". "Vingança" (Jesus, até o TÍTULO é de uma falta de criatividade atroz!) consegue manter certo interesse apenas pelo banho de sangue orquestrado pela diretora, já que seus personagens parecem ter cinco vezes mais líquido vermelho no corpo do que os seres humanos normais - e Coralie faz questão de mostrar isso várias vezes. Exatamente como o "Mandy", resenhado mais acima, o filme é uma celebração do "estilo sobre conteúdo". Mas, por se levar excessivamente a sério, o resultado é esquisito e irregular, com uma trama que vai se transformando progressivamente em comédia involuntária. Antes tivesse assumido que era uma desde o início!
É preciso tirar o chapéu para um sujeito que tomou um das piores decisões da história do cinema (desistir do multimilionário contrato para interpretar James Bond em mais seis filmes para passar o resto da carreira interpretando pequenos papéis em ordinárias produções classe B) e, quando questionado se mudaria alguma parte da sua vida, responde com um "Absolutamente nada". "Becoming Bond", de Josh Greenbaum, é parte documentário, parte dramatização da vida do australiano George Lazenby, que nunca se formou no Ensino Médio, trabalhou como mecânico, vendedor de carros usados e modelo publicitário, e milagrosamente, sem nenhuma experiência com interpretação, foi o escolhido para substituir Sean Connery como James Bond na superprodução "007 A Serviço Secreto de Sua Majestade" (1969) - um papel cobiçado por todos os grandes atores da época. Mesmo tendo ganhado na loteria, ele chutou tudo para o alto por um pouquinho de convicção e integridade artística, e um tantinho de arrogância. O próprio e envelhecido Lazenby narra a história do início ao fim, e protagoniza pelo menos dois momentos muito bonitos e emocionantes: o já citado, quando diz que não se arrepende de nada e nem mesmo da cagada cometida, e quando vai às lágrimas ao lembrar do momento em que abandonou a mulher que amava. No restante do tempo, o ator Josh Lawson empresta seu corpo para interpretar o jovem Lazenby nas cenas dramatizadas - cujo foco, surpreendentemente, é na comédia. Lá e cá, aparecem fotos e imagens de arquivo do verdadeiro Lazenby quando jovem, que comprovam seu ar de arrogância (e completa falta de noção) durante o curto período em que foi superstar. Como toda narrativa dramatizada, "Becoming Bond" tem diversos momentos em que o espectador se pega duvidando da veracidade dos fatos. Também roteirista do filme, Greenbaum diverte-se com isso e, lá pela metade, questiona o velho Lazenby se ele realmente está falando a verdade. "Eu não lembraria disso se não fosse verdade", é a resposta do ex-Bond, o que permite que o filme inteiro seja a fantasia de um velho ator maluco. Mesmo assim (ou principalmente por causa disso), a história de vida de Lazenby é incrível e muito divertida, e "Becoming Bond" ainda coloca o único 007 estrelado por ele no seu devido lugar como um dos melhores da franquia. Só é uma pena que a história termine com George deixando de ser James Bond, sem abordar nadica de nada do restante da carreira dele como ator, que teve pelo menos dois momentos bem interessantes: como herói de ação porradeiro em "Stoner" e como vilão lutando com a roupa em chamas (de verdade!) na obra-prima "The Man From Hong-Kong" - dois puta filmes que veremos em breve aqui no FILMES PARA DOIDOS.
Adaptações boas de Stephen King para o cinema são coisa cada vez mais rara. Quem diria, então, que num mesmo ano (2017) sairiam dois belos filmes inspirados no trabalho do autor, e ambos produzidos pela Netflix? Quem deu a largada foi "Jogo Perigoso", ironicamente baseado num dos piores livros de Stephen King (no julgamento deste que vos escreve, claro). É uma daquelas histórias que explora uma única situação do começo ao fim, e que funciona muito melhor como filme de 90 minutos do que como livro de 300-e-poucas páginas: a pobre Carla Gugino fica presa algemada a uma cama, em uma casa de campo distante da civilização, após uma brincadeira sexual que dá errado. Enquanto o livro é prolixo e arrastado, centrado unicamente na protagonista solitária e suas "vozes internas", o filme felizmente escapa de virar monólogo dando uma forma humana a estas vozes, e criando uma interação bastante curiosa entre a vítima numa ridícula situação de vida ou morte e sua consciência. Mas o mais impressionante é que a adaptação não tenta suavizar os detalhes mais barra-pesada do trabalho de King, como o marido misógino que se excita com "simulação de estupro", ou todo o drama envolvendo um cachorro faminto que não demora a se deliciar com carne humana (uma autorreferência ao velho Cujo, talvez?). Até uma cena asquerosa de abuso sexual de criança é apresentada em incômodos detalhes, comprovando que ninguém estava para brincadeira. Foi o primeiro filme do diretor Mike Flanagan que vi, e a maneira como ele manipula o suspense e a tensão (principalmente os momentos envolvendo um copo de água, inteiro ou quebrado) me deixaram bastante curioso pelo seu trabalho. Porém nem tudo são flores: assim como o livro em que se inspira, "Jogo Perigoso" tem um ato final desnecessário e simplesmente horroroso (toda a parte no tribunal), e explora menos do que deveria uma possível ameaça real escondida na escuridão. Bem que os roteiristas (Flanagan foi um deles) poderiam ter sido menos reverentes a King e bolado todo um novo ato final por conta própria. Mas o que importa é que até ali a história é muito bem conduzida, comprovando que bons diretores (e escritores) conseguem tirar horror, medo e tensão de algo tão simples quanto uma protagonista imobilizada contra a vontade numa situação do tipo "seria cômico se não fosse trágico"...
Segunda adaptação decente de Stephen King produzida em 2017 pela Netflix, "1922" é inferior a "Jogo Perigoso", mas funciona bem melhor que muitas superproduções hollywoodianas baseadas em King. Isso comprova que o autor pode ter encontrado uma bela alternativa para ver seu trabalho chegando às telas, no meio do caminho entre a frieza das minisséries de TV (onde seus livros foram bastante populares nos anos 1990) e os frustrantes blockbusters, onde suas histórias acabam desfiguradas pelo excesso de gente palpitando. Dirigido pelo estreante Zak Hilditch, "1922" é tão reverente à sua fonte literária (uma novela de 150 páginas publicada no livro "Escuridão Total Sem Estrelas") que praticamente repete os diálogos palavra a palavra. Conta a história da cumplicidade de pai e filho matutos para sumir com a esposa/mãe e apossar-se da fazenda que ela pretende vender. Tanto filme quanto novela não escondem sua fonte de inspiração - uma reciclagem stephen-kinguiana de "Crime e Castigo" -, mas o diretor novato consegue dar conta do recado de maneira eficiente, apresentando sem muita enrolação a jornada para o inferno do pobre fazendeiro interpretado por Thomas Jane. Em comparação a "Jogo Perigoso", entretanto, Hilditch caiu numa armadilha impossível de escapar: por mais que a adaptação seja correta e fiel, o filme não consegue transpor para a tela a parte mais macabra da história original. Em sua encarnação literária, "1922" traz aquela que deve ser a descrição mais gráfica, brutal e chocante de um assassinato covarde que lembro de ter lido na vida. Seria impossível transpor tal carga de brutalidade para o cinema, a não ser que o diretor fizesse um 'snuff movie' e matasse a atriz de verdade, então o filme já sai perdendo por não conseguir mostrar ao espectador exatamente o quão horrível foi o crime perpetrado pelos seus protagonistas (e o porquê deste crime assombrá-los sem sossego desde então). Já para quem gosta de mais morbidez e putrefação nas suas narrativas, recomendo ler a novela "1922" como complemento, já que a narrativa de King traz algumas descrições bem perturbadoras sobre o estado de cadáveres antes e depois da putrefação - algo que também seria muito difícil traduzir em imagens...
Sempre defendi que o diretor Isaac Florentine representava o futuro do cinema de ação, que se tivesse mais dinheiro ele faria filmes melhores, que era injustiça o Michael Bay e o Marvel Studios torrarem milhões enquanto o coitado fazia seus lances à míngua, etc etc. Mas a verdade é que depois de dois filmes bem fraquinhos ("Ninja 2" e "Close Range"), e do novo "Assassinos Múltiplos", está ficando cada vez mais difícil defender o homem. "Assassinos Múltiplos" (Jesus, de onde tiraram este título em português???) parece ter uma produção melhorzinha do que a média dos filmes de Florentine, e um elenco cheio de caras conhecidas capitaneado por espanhóis (Antonio Banderas e Paz Vega), mais o Juiz Dredd Karl Urban e o veterano Robert Forster em participação especial de dez segundos. Mesmo assim, é um filme de ação trivial e formulaico, a enésima variação de "Desejo de Matar" lançada, ironicamente, às vésperas do remake oficial da bagaça (resenhado mais acima). Banderas interpreta um advogado que, da noite para o dia, vira exímio lutador para vingar o assassinato da mulher e da filha. Provavelmente por causa do astro, que de lutador não tem nada, o filme não traz nenhuma daquelas maravilhosas cenas de ação vistas em produções muito mais baratas do mesmo diretor (onde está Scott Adkins quando precisamos dele?). O maior problema do filme é o roteiro desconjuntado, que parece mais um "copia-cola" de diferentes argumentos do que uma história coesa. O fato de Banderas fazer voto de silêncio até encontrar os assassinos da família não serve para nada considerando que o sujeito narra O FILME INTEIRO em off. A personagem de Paz Vega cai de pára-quedas na trama para ser um gratuito interesse romântico para um 'latin lover' cinquentão. Há lutinhas randômicas apenas para nos lembrar que este deveria ser um filme de ação (inclusive uma espécie de "clube da luta" que também cai de pára-quedas na narrativa). E, para coroar a coisa toda, uma das "revelações-surpresa de identidade de vilão" mais caducas da história do cinema recente! Parece que, quando chegou o fim do filme, alguém lembrou que só faria sentido se tal personagem tivesse aparecido antes, aí filmaram rapidão um encontro entre Fulano e Banderas apenas para justificar a "surpresa" quando o bandidão é "desmascarado" no final - mas a maior parte do público certamente terá esquecido que ele existia até chegar ali! E agora, Florentine, qual vai ser a desculpa?
O primeiro longa de Matt Spicer é uma interessante mistura de comédia de humor negro com thriller - ora engraçada, ora assustadora, mas terrivelmente atual. Conta a história de Ingrid, uma jovem solitária que stalkeia um pouco além da conta os seus amigos virtuais para simular a vida feliz que não vive. Depois que a obsessão por uma "amiga virtual" acaba mal, ela se muda para Los Angeles e começa a invadir a vida de uma nova vítima - uma "digital influencer" fútil mas com milhares de seguidores, que está bombando no Instagram. Embora tenha ecos de "Mulher Solteira Procura", a trama me lembrou muito mais uma versão modernizada para a Geração Internet de um filme que eu (e só eu) gosto muito: "The Cable Guy", do Ben Stiller (no Brasil rebatizado... "O Pentelho"!). Para quem não lembra ou não viu, é uma comédia de humor negro lançada vinte anos atrás em que o pobre Matthew Broderick sofria com o assédio do stalker ao vivo, sem internet, interpretado por Jim Carrey. Se já houvessem redes sociais na época, "The Cable Guy" seria "Ingrid Vai para o Oeste" sem tirar nem pôr - Carrey passava os dias solitários vendo TV; Ingrid os ocupa rolando a telinha do celular e distribuindo likes sem sequer olhar para o quê ou para quem. O mais interessante da "atualização" da trama é que acaba representando muito melhor a sociedade dominada pela futilidade em que vivemos, onde a personagem principal basicamente troca todo o dinheiro que tem, e que precisa para sobreviver no "mundo real", pelos likes e emojis que acha que precisa para manter-se popular no "mundo virtual". E ainda faz coisas terríveis para poder manter o número crescente de seguidores. Por mais que o final seja extremamente condescendente com uma perigosa psicopata, ele também faz parte da crítica e da brincadeira: é a única conclusão que se espera neste universo de celebridades esdrúxulas e vazias que o filme retrata - este universo em que, cada vez mais, nós vivemos.
"78 planos e 52 cortes que mudaram o cinema para sempre.""78/52", de Alexandre O. Philippe (diretor do ótimo "O Povo Contra George Lucas"), é mais um daqueles documentários essenciais para quem faz e para quem gosta de cinema. Sem nunca soar chato, pedante ou excessivamente técnico e acadêmico, o filme analisa obsessivamente, praticamente quadro a quadro, a famosa cena do assassinato no chuveiro de "Psicose" (1960), de Alfred Hitchcock, destrinchando-a como Norman Bates destrinchou Marion Crane a facadas neste momento icônico da história do cinema. Toneladas de imagens de arquivo e dezenas de entrevistas com pesquisadores e celebridades (Peter Bogdanovich, Jamie Lee Curtis, Bret Easton Ellis e o Oscarizado Guillermo del Toro entre elas) contextualizam "Psicose", a cena e o momento, além de oferecer novos ângulos e informações sobre uma das imagens mais conhecidas e vistas do século passado. Rolam até revelações surpreendentes, como quando um convidado analisa O QUADRO que Norman Bates usa para tapar o buraco na parede por onde espia Marion tomando banho; trata-se justamente de uma pintura famosa sobre voyeurismo e abuso! Eu revi a cena do chuveiro certamente algumas centenas de vezes, mas nunca tinha percebido - como explica outro entrevistado - a maneira como a histriônica (e antológica) música de Bernard Herrmann parece reproduzir o batimento cardíaco acelerado (e depois reduzido até finalmente parar) da vítima pega de surpresa enquanto toma banho, em outra colocação interessantíssima do documentário. Mas o momento mais emocionante, disparado, é a aparição, aos 79 anos, de Marli Renfro - a coelhinha da Playboy que foi dublê de corpo da atriz Janet Leigh (é ela quem aparece na cena a maior parte do tempo). Finalmente resgatada do esquecimento para os holofotes, já que Janet sempre foi considerada "a" estrela da cena, Marli explica que passou SETE DIAS seminua sendo "esfaqueada" no chuveiro para dar origem a um trecho com menos de 50 segundos de um filme que, na época, ninguém pensou que chegaria tão longe! Ou seja: "78/52" é uma análise única e fantástica sobre uma cena, um filme e um diretor não menos únicos e fantásticos!
Eu já estava suficientemente satisfeito com os altos e baixos da trilogia do Homem-Aranha pelo Sam Raimi para evitar qualquer nova versão do herói - até porque a vida é muito curta para acompanhar não um, mas dois 'reboots' de um troço que mal completou 15 anos. Mantive o boicote aos dois Aranhas do Marc Webb, já que a série foi cancelada e não faz mais o menor sentido, mas algo (talvez a participação em "Capitão América - Guerra Civil") me atraiu ao "novo Aranha" da Marvel. E confesso que me surpreendi. Lembrando as origens do personagem lá nos gibis dos anos 1960, "Homem-Aranha: De Volta ao Lar" trata muito mais dos percalços do adolescente Peter Parker no colegial do que dos seus heroísmos como Homem-Aranha (nesta nova "encarnação", o personagem é interpretado por Tom Holland). O clima de comédia juvenil é tão legal que, confesso, eu até ficava chateado quando começava alguma lutinha ou cena de ação para quebrar a narrativa - é como se o finado John Hughes fosse chamado para dirigir um filme de super-herói! Mais até do que os filmes do Raimi, e da maioria das produções do Marvel Studios, este novo filme preza a HUMANIDADE dos personagens aos seus feitos super-heroísticos (o extremo oposto de coisas tipo "Homem-Formiga e a Vespa", devidamente achincalhado mais para cima). Não só do herói nerd e de seus amigos do colégio cuja grande preocupação é o baile de formatura, mas também do vilão bem decente interpretado por Michael Keaton - que não é o típico malvadão louquinho para dominar o mundo, mas sim um pai de família preocupado em dar uma vida melhor à esposa e filha. A aventura também se beneficia bastante da relação pai-filho/mestre-aprendiz entre Peter Parker e Tony Stark. É o Homem de Ferro quem providencia um uniforme high-tech para o garoto melhorar suas habilidades, algo muito mais fácil de engolir do que um jovem pobre e nerd fabricar seu próprio uniforme, como acontecia nos quadrinhos e nos filmes anteriores. Só é uma pena que às vezes o filme exagere um pouco neste departamento: o novo uniforme das Indústrias Stark é dotado de mil apetrechos e de uma inteligência artificial que interage com Peter, fazendo com que ele pareça mais um "Homem de Ferro Jr." do que o herói solitário e "gente como a gente" que o leitor conhece dos gibis. Mas é um filme bem decente, e que ainda permite várias possibilidades para uma franquia que seja ao mesmo tempo divertida e bem diferente daquelas aventuras com o Tobey Maguire que todo mundo já conhece de cor. Como bônus, uma trilha sonora inspiradíssima, citações ao "Damage Control" (que, nos gibis da Marvel, é a empresa que reconstrói prédios e cidades depois de lutas entre super-heróis e supervilões) e uma cena final inesperada de rolar de rir, que lembra muito o desfecho do primeiro "Homem de Ferro".
Lembra quando as cinebiografias de figuras históricas eram unicamente sobre grandes exemplos de conduta, tipo a Madre Teresa? Pois é, eu também não tenho a menor saudade desses tempos! E entre 2017 e 2018 foram lançadas CINCO cinebiografias sobre personalidades, digamos, polêmicas - duas delas até participaram de premiações importantes, como o Oscar e o Globo de Ouro! O surpreendente "Eu, Tonya" foi uma das primeiras. Eu era adolescente quando rolou a lendária treta Tonya Harding x Nancy Kerrigan, vinte-e-poucos anos atrás. E, não sei porque, até pouco tempo atrás a imagem que guardava na retina do episódio era a de Tonya quebrando a perna da rival com um cano de chumbo. E pelo jeito não estou sozinho nessa: "Eu, Tonya" inclusive brinca com o fato de tal momento ter ficado imortalizado no imaginário popular sem nunca ter acontecido de fato! Um dos grandes trunfos do filme é fugir da "abordagem Supercine" da tragédia da semana, até porque já houve um telefilme sobre o episódio em 1994. Prefere abordar a dura vida de Tonya Harding (muito bem representada pela Arlequina Margot Robbie) sem nunca apresentá-la como "vilã", mas ao mesmo tempo sem vitimizá-la. É facinho chegar ao final do filme com sentimentos conflitantes pela patinadora, já que esta cinebiografia não deixa dúvidas de que Tonya não era exatamente um exemplo de simpatia ou de conduta, mas ao mesmo tempo também estava cercada de pessoas horríveis, da mãe dominadora ao marido imbecil que lhe sentava a porrada. O filme é narrado num estilo documental fajuto em que os atores volta-e-meia dão depoimentos diretamente para a câmera como se fossem as pessoas reais, o que nem sempre funciona (vide "Carandiru"), mas aqui também não atrapalha. E o roteiro foge da armadilha de mostrar a rival Nancy como a pobre vítima em contraponto a Tonya - acredite se quiser, o tempo em cena da intérprete de Nancy Kerrigan não chega a 60 segundos, sendo que ela teoricamente é a "boazinha" da história. Mas ok, o nome do filme não é "Eu, Nancy", ela que arrume sua própria cinebiografia! Sem fazer julgamentos e sem apelar para o dramalhão, contando ainda com algumas doses de humor negro e uma trilha sonora cheia de hits, "Eu, Tonya" é uma surpresa ainda maior quando se percebe que foi dirigido (e muito bem dirigido) por Craig Gillespie, o cara que fez aquele absolutamente asqueroso remake de "A Hora do Espanto". Liberto das convenções do cinema de horror contemporâneo movido a CGI, Gillespie entrega momentos memoráveis como o plano em que a câmera atravessa a casa vazia do marido de Tonya e sai rua afora; ou a belíssima montagem perto do final que compara a acrobacia mais linda e difícil que a patinadora conseguiu fazer em competição com uma luta de boxe. Méritos, ainda, para o responsável pelo elenco: no final aparecem imagens de arquivo dos verdadeiros protagonistas deste incrível drama da vida real, e o espectador pode constatar que os atores que os desempenharam até parecem clones. Pode constatar, também, que uma das falas mais ridículas do patético amigo gordo do marido de Tonya também aconteceu na vida real!
Se existe um culto a grandes diretores e grandes filmes, é justo que também exista um culto a quem passa longe disso: Ed Wood, as produções da Troma, a cópia turca de "Star Wars", etc. E se a vida de Ed Wood, supostamente "o pior diretor da história do cinema" (passa longe), já tinha dado origem a uma obra-prima dirigida por Tim Burton em 1994, nada mais justo que agora o mesmo seja feito com Tommy Wiseau - e, como honraria dupla, enquanto Wiseau ainda está vivo, ao contrário de Wood. Mas quem diabos é Tommy Wiseau? Na verdade, este é um completo mistério que nem mesmo "Artista do Desastre", o divertidíssimo novo filme que narra suas desventuras no mundo do cinema, tenta responder. Vindo sabe-se lá de onde, com um visual excêntrico, um sotaque curioso e uma conta bancária aparentemente inesgotável (até hoje não se sabe nada sobre qualquer uma destas questões), Wiseau escreveu, produziu, financiou, dirigiu e estrelou um mítico filme ruim chamado "The Room" (2003), que inscreveu-se imediatamente nos anais da história do cinema mundial como uma das maiores barbaridades já filmadas. Não demorou para a má fama transformar "The Room" em cult movie de toda uma geração, e o resto é história. Agora literalmente. Segunda cinebiografia de personalidade bizarra do ano, e tão premiada quanto "Eu, Tonya" (embora tenha sido boicotada no Oscar após polêmicas), "Artista do Desastre" traz James Franco como diretor e ator no papel de sua vida: ele não está apenas interpretando Tommy Wiseau, ele o ENCARNA em todos seus maneirismos já bastante conhecidos por qualquer um que tenha visto "The Room", inclusive as risadinhas algo forçadas. Seria muito fácil pegar tal personagem excêntrico e transformá-lo em piada para consumo de massa, tipo fizeram com o pobre Zé do Caixão naquela patética minissérie do Space. Felizmente, Franco faz como Tim Burton fez com Ed Wood e foge de transformar Wiseau no seu palhaço. Claro, há humor e o personagem é naturalmente engraçado na sua postura, excentricidade e completo desconhecimento da maneira de fazer cinema, mas "Artista do Desastre" é mais sobre o artista que Tommy acredita ser e seu idealismo de fazer, contra todas as adversidades e o ceticismo geral da própria equipe, um filme que acabou se transformando em lenda. É mais do que muito diretor bom consegue em vida fazendo filmes bons. E não é por acaso que Franco escalou o próprio irmão Dave Franco como Greg Sestero, o ator de primeira viagem que embarca de cabeça na loucura de Wiseau; afinal, a relação entre os dois beira os laços de sangue - embora alguns certamente queiram enxergar certo homossexualismo ali. O verdadeiro Sestero faz uma ponta, num filme que inclui gente famosa como Sharon Stone e Melanie Griffith em pequenas participações estilo "piscou, perdeu" - e, claro, o verdadeiro Wiseau, que aparece numa hilária cena pós-créditos contracenando diretamente com sua versão hollywoodiana. Não satisfeito em encarnar Tommy Wiseau de maneira quase mediúnica, James Franco ainda recriou diversas cenas icônicas de "The Room" em seus mínimos detalhes (e em toda a sua ruindade), o que dispensa o público em geral de conhecer "The Room" para divertir-se com "Artista do Desastre". Embora, obviamente, o prazer seja dobrado quando já se conhece a duvidosa obra-prima dirigida por Wiseau - confesso que fiquei surpreso ao descobrir de onde saiu a clássica frase "You're tearing me apart, Lisa" e seu gestual exagerado! Com um final emocionante, de deixar qualquer cinéfilo com os olhos marejados, o filme ainda comprova o respeito que os gringos têm pelos seus "artistas do desastre". Por aqui, infelizmente, nunca teremos um filme do mesmo calibre sobre Simião Martiniano (o "cineasta-camelô") ou Afonso Braza, que são a versão Terceiro Mundo de Tommy Wiseau e só recebem o desprezo e a chacota dos mesmos "especialistas" e "críticos" que agora babam ovo pelo filme do James Franco.
Terceira biografia de uma personalidade 'sui generis' lançada entre 2017 e 2018, "Professor Marston e as Mulheres-Maravilhas" é uma versão romanceada da vida de William Moulton Marston, o inventor do sistema que deu origem ao detector de mentiras E da super-heroína Mulher-Maravilha! Nos ultraconservadores Estados Unidos dos anos 1920-30, Marston viveu uma relação liberal com duas mulheres (que por sua vez também se relacionavam entre elas), e descobriu nas histórias em quadrinhos o veículo perfeito para transmitir às novas gerações não apenas ideais feministas, mas também algumas de suas fixações eróticas, como bondage e sadomasoquismo - não é por acaso que a "arma" da Mulher Maravilha é um laço, nem a quantidade de vezes que a personagem foi amarrada e torturada em suas primeiras aventuras! Escrito e dirigido por uma mulher, "Professor Marston e as Mulheres-Maravilhas" deu o pé-quente de sair no mesmo ano da primeira aventura blockbuster da super-heroína ("Mulher Maravilha", de Patty Jenkins), mas mesmo assim acabou passando em brancas nuvens. Tudo bem, o filme tem seus defeitos: começa devagar e melhora bastante da metade para o fim (quando começa a enfocar a relação de Marston com os quadrinhos); e há pelo menos uma cena constrangedora envolvendo aviões produzidos em CGI mequetrefe no nível comercial do Dollynho. Também poderia ter explorado melhor a histeria anti-gibis que varreu os Estados Unidos nos anos 1950. De qualquer maneira, a história de Marston e suas duas Mulheres-Maravilha (ou três, se contabilizarmos a personagem fictícia que ele criou) é tão incrível que o filme funciona apenas pela trajetória de vida do biografado, nem que seja para pesquisar melhor sobre ele depois (recomendo o livro "A História Secreta da Mulher-Maravilha", de Jill Lepore, para quem quiser saber mais sobre o tema). E um dos pontos altos do longa é a maneira como os elementos icônicos da Mulher Maravilha vão aparecendo na narrativa antes mesmo de a super-heroína ser criada, lembrando o divertido curta "George Lucas in Love" (1999), que romantizou o processo de criação da saga "Star Wars".
"Esses foram alguns dos melhores dias que eu já ignorei."
"Fútil e Inútil" é uma dramatização da vida de Doug (Douglas) Kenney. O nome não deve dizer nada para os novinhos e nem para a maioria dos brasileiros, mas ele foi um dos cérebros por trás da revista humorística norte-americana National Lampoon, que fazia um humor ácido e adulto que não poupava nada nem ninguém (veja a resenha do documentário "Drunk Stoned Brilliant Dead - The Story of the National Lampoon" mais para baixo). Kenney também participou, como corroteirista, de duas das maiores comédias de todos os tempos, "Animal House" e "Caddyshack" (estupidamente rebatizadas "Clube dos Cajafestes" e "Clube dos Pilantras" aqui no Brasil). Uma espécie de perdedor que se deu bem, Kenney (interpretado por Will Forte no filme) era feio e desengonçado, por isso usou o humor para se destacar desde os tempos de colégio. Com um diploma na mão e sem saber o que fazer da vida, convenceu o amigo Henry Beard a fundar uma revista de humor na década de 1970, a National Lampoon, que notabilizou-se por reunir os grandes humoristas da sua geração, como Chevy Chase, John Belushi e Bill Murray (que depois sairiam para integrar o elenco do programa "Saturday Night Live"). Porém, como todo cara engraçadão, Doug era uma figura complexa, de baixa auto-estima, que não sabia aceitar críticas e viveu uma vida de excessos (excesso de cinismo, de drogas e de mulheres). Logo, uma vida curta - é até irônico que o filme seja narrado por um envelhecido Douglas Kenney, o que renderá uma bela piada na conclusão. Esta cinebiografia de David Wain não faz concessões e mete o dedo na ferida, mesmo quando mostra celebridades da época que continuam vivas (tipo Chevy Chase, aqui representado como um exímio cheirador), ao mesmo tempo em que impressiona pela quantidade de piadas e trocadilhos por minuto. Assim, "Fútil e Inútil" funciona em dois níveis: tanto quanto drama, quanto como comédia. E tem ainda a incrível e divertidíssima recriação dos bastidores das filmagens dos clássicos "Animal House" e "Caddyshack", confirmando inclusive que este último foi movido a cocaína. Como grande fã de ambos os filmes, eu queria até ter visto mais dessa parte da vida de Kenney, mas obviamente o foco da cinebiografia é no autor (o título original vem de uma frase antológica de "Animal House", para quem não pegou a citação). E embora "Fútil e Inútil" funcione melhor para quem conhece um pouco dos bastidores da National Lampoon ou dos dois filmes que Kenney corroteirizou, sua discussão sobre os limites do humor continua bastante atual e relevante.
De Michael Myers a Jason Voorhees e de Hannibal Lecter à recente reinvenção do Leatherface, o cinema de horror gosta de nos lembrar que os monstros já foram, em algum momento, crianças e adolescentes - talvez para ressaltar que os monstros da vida real, como Hitler, também já foram "inocentes", e até o serial killer canibal Jeffrey Dahmer foi à escola quando novo. Pois eis que "Meu Amigo Dahmer" é a quinta cinebiografia bizarra recente sobre uma figura excêntrica e/ou execrável, comprovando que está rolando alguma conjunção astral bizarra no mundo das cinebiografias. Baseado numa graphic novel, o filme de Marc Meyers retrata a adolescência do jovem Jeffrey Dahmer e seus dias como o moleque esquisitão que ou sofre bullying ou é solenemente ignorado na escola. Pelo menos até descobrir que seu "talento natural" para fazer bizarrices, tipo fingir espasmos epiléticos em público para assustar as pessoas, lhe rende um inesperado fã-clube e o mais perto que ele já teve de "amigos" - embora seu círculo de adoradores esteja mais interessado em rir dele do que COM ELE. Ex-galã mirim de produções da Disney, Ross Lynch está perfeito como jovem Dahmer, num drama bastante atual sobre como nós convenientemente optamos por ignorar os "monstros" reais, sem tentar entender a maldade que existe neles até ser tarde demais. Um dos pontos questionáveis do filme é usar de certo vitimismo em relação ao sujeito que crescerá para se tornar um dos mais bárbaros assassinos da crônica policial contemporânea. Talvez até por isso, mais de uma vez o espectador se pega "torcendo" pelo jovem Dahmer - especialmente na cena do baile de formatura, que é de uma tristeza tremenda -, quem sabe fantasiando que, se algumas coisas tivessem acontecido de forma diferente ao longo do caminho, o final da história pudesse ser outro. Mas confesso que, pelo título, eu esperava que o filme fosse mais focado nos rapazes "normais" que acabam se envolvendo por acidente com o esquisitão que senta no fundo da sala do que no próprio Dahmer. Seria um ponto de vista completamente diferente, talvez mais curioso e interessante do que (re)vermos um futuro serial killer surgindo no seio de uma família disfuncional e demonstrando tendências de matar e eviscerar animais antes de partir para as vítimas humanas - porque este filme eu já vi, e várias vezes.
Basta eu reclamar do ritmo de qualquer coisa "alternativa" recente, seja a soporífera terceira temporada de "Twin Peaks" ou o chatíssimo "A Ghost Story", que logo aparece algum espertinho sentenciando: "Ainnn, tu que não gosta de filme lento...". Claro, como se "Era Uma Vez no Oeste", que não é exatamente conhecido por sua agilidade, não fosse meu filme predileto, e como se Sergio Leone, conhecido por esticar duelos por dez minutos (mas sem ser CHATO), não fosse um dos meus diretores preferidos. Ou, mais importante ainda, como se GOSTAR DE FILME LENTO justificasse a necessidade de ver alguém varrer o chão ou comer uma torta num plano sem cortes de cinco minutos. Uma bela prova recente de que você pode ser lento, silencioso e introspectivo sem ser chato é "Ao Cair da Noite", um thriller dirigido pelo (até agora) desconhecido Trey Edward Shults. O filme acompanha o dia-a-dia de uma família que vive isolada numa casa de campo após uma epidemia mortal ter aparentemente dizimado a humanidade. Eles adotaram uma rotina dura e repleta de regras para conseguir sobreviver até então, mas a chegada de uma outra família ao local acaba gerando um clima de medo e paranóia crescentes. Um diretor cabeça-de-bagre iria deitar e rolar com o mesmo argumento, enchendo a narrativa de tiros, gritarias, correrias e efeitos sonoros ensurdecedores, além daqueles famosos sustos "tcham!" quando alguém ou alguma coisa surge por trás do protagonista de repente. O novato Shults, por outro lado, descarta todas essas ferramentas fáceis e opta pelo ritmo "devagar quase parando". Mas seu filme nunca fica chato porque a história e a abordagem são interessantíssimas, e - principalmente - porque coisas estão acontecendo a todo momento e ninguém precisa ficar varrendo chão ou comendo torta por cinco minutos para matar tempo. É até muito válido que o filme opte por uma narrativa lenta, pois assim o diretor consegue enfatizar a situação dramática e a sensação de isolamento daquelas pessoas - o silêncio quase opressor da floresta que rodeia a casa é muito mais assustador que os efeitos sonoros ensurdecedores supracitados. Não que Shults não cometa lá seus deslizes, como um excesso de pesadelos barulhentos do personagem principal (não precisava), ou não saber exatamente quando terminar o filme (podia ter terminado um pouco antes, ou mostrar um pouco mais além daquela última cena). Mas está valendo, ainda mais depois que alguém ou alguns me recomendaram passar longe de "Ao Cair da Noite" porque supostamente não acontecia nada o filme inteiro. Para quem gostou e principalmente para quem não gostou, fica a dica: o thriller argentino "Fase 7" (2010), de Nicolás Goldbart, usa uma situação parecida (moradores de um prédio de Buenos Aires são colocados em quarentena durante uma epidemia mortal), mas prefere o humor negro à narrativa lenta. É como se fosse outra abordagem da mesma história, num dos melhores filmes de gênero argentinos desses últimos tempos.
O que pode dar errado quando você tem o malucão Nicolas Cage interpretando... um malucão? Primeira direção solo do Brian Taylor (que, junto com Mark Neveldine, dirigiu os retardados e divertidíssimos "Adrenalina" 1 e 2 com Jason Statham), "Mom and Dad" tem um ponto de partida genial: um fenômeno nunca explicado transforma pais e mães em assassinos homicidas cujo único alvo é seus próprios filhos. Quando Nicolas Cage e Selma Blair, um casal de pais na crise da meia-idade, é afetado pelo distúrbio, seus dois filhos (ele de 7 anos, ela adolescente) precisam se esconder pela casa e montar armadilhas estilo "Esqueceram de Mim" para tentar refrear a fúria assassina dos progenitores. Se Cage um dia foi um bom ator (nos tempos de "Despedida em Las Vegas" por exemplo, e lá se vão vinte anos), há muito ligou o "Foda-se" e nem se esforça mais para fingir que interpreta qualquer coisa. Em "Mom and Dad" ele encontra o veículo ideal para destilar sua maluquice, berrando, choramingando e até latindo como um cachorro-louco enquanto persegue uma vítima - parece que andou frequentando a Escola Tommy Wiseau de Atuação, e que este é o laboratório para sua performance ainda mais afetada em "Mandy" (resenha lá em cima). Pena que "Mom and Dad" fique aquém do argumento e da presença de um dos diretores de "Adrenalina". A violência é muito branda, a câmera poucas vezes mostra o genocídio de crianças e adolescentes que seria fundamental para que uma história do tipo funcionasse, e a montagem "moderninha", que vai e volta no tempo, não serve para nada além de soar como patética tentativa de tornar o filme mais "descolado". Acaba que o filme diverte quem estiver com a expectativa baixa, mas podia ser muito, muito melhor. Cage está engraçadíssimo, a pequena participação de um envelhecido Lance Henriksen é um dos pontos altos do filme junto com os criativos créditos iniciais (emulando produções dos anos 1970), e a bizarra cena em que uma mãe tenta matar o bebê logo após o parto dá uma ideia de como a mesma história poderia ter sido melhor desenvolvida. Do jeito que está, soa como um desperdício de esforços e de um bom ponto de partida - mais um daqueles filmes que o espectador esquece meia hora depois de ver.
DRUNK STONED BRILLIANT DEAD - THE STORY OF THE NATIONAL LAMPOON (2015, EUA/Reino Unido. Dir: Douglas Tirola)
Um dos grandes lapsos na minha formação em humor é nunca ter lido um único exemplar da revista norte-americana National Lampoon's. Mas cresci acompanhando o trabalho de caras que trabalharam ou colaboraram com a revista - tanto humoristas como Chevy Chase, Bill Murray e John Belushi quanto os filmes escritos e/ou dirigidos pelo staff da revista ("Animal House", "Férias Frustradas", "Caddyshack"). Sem essas pessoas e estes filmes, eu provavelmente seria hoje um adulto sério (argh!). "Drunk Stoned Brilliant Dead", documentário de 2015 que conta a história da revista, é uma bela maneira de conhecer melhor todas estas cabeças pensantes (?) por trás do humor anárquico que definiu toda uma geração. Fazendo piada com tudo e com todos, a National Lampoon's não ia durar um minuto no mundo de hoje (ou pelo menos precisaria de um belo time de advogados). E isso torna o documentário ainda melhor, porque ele traz alguns ótimos exemplos do melhor (ou, para alguns, pior) produzido pelos dementes que editavam a revista - incluindo a sátira da Playboy com as modelos se fingindo de mortas, o "Álbum do Bebê Vietnamita" (que trazia espaços para colocar o primeiro curativo e a primeira foto do funeral da criança!), e inacreditáveis gozações com políticos, celebridades e pessoas de todas as orientações sexuais, raças e credos. O diretor Douglas Tirola conseguiu entrevistar praticamente todo mundo que fez parte da época de ouro da Lampoon's na revista e no cinema (1970-80) e continua vivo, incluindo celebridades como Chevy Chase e Kevin Bacon (Bill Murray é uma ausência sentida, mas todo o resto da turma aparece!). É um belíssimo complemento para a recente cinebiografia "A Futile and Stupid Gesture" (veja mais acima), sobre o gênio por trás da revista Douglas Kenney - e dá para constatar que muitas das maluquices mostradas naquele filme aconteceram de verdade! Como cereja do bolo, "Drunk Stoned Brilliant Dead" traz ainda incríveis imagens de arquivo, tanto fotos quanto vídeos e gravações em áudio, onde alguns dos mestres forjados pela National Lampoon's que já se foram (Kenney, John Belushi, Michael O'Donoghue, Harold Ramis, Gilda Radner) podem ser revistos no auge da maluquice e da criatividade. Especialmente recomendado para quem quiser uma amostra do melhor do humor daquele período, nem que seja para constatar como este humor inspirou praticamente todo mundo que veio depois (incluindo as revistas brasileiras Chiclete com Banana, Casseta Popular e Planeta Diário), ou como estamos mal-servidos de "humoristas" hoje. Agora, se você é daqueles que acham que "deve haver limite no humor", recomendo passar longe - do documentário e também deste blog.
51 comentários:
Retornei ao blog por acaso, que bom ver que as postagens voltaram. Muito filme bom (ou ruim, dependendo do contexto) descobri por causa de tuas resenhas.
Continue firme, a internet precisa de bom material, não só memes de Guaraná Dolly e sósias do Vin Diesel.
Ótima postagem dessas resenha dos filmes recentes que você assistiu só faltou escrever o sobre á continuação desnecessária de "Pacific Rim 2 -Circulo de Fogo 2 ".
Halloween 2018 - cansei de assistir essa franquia ,pois só fez as pessoas gastarem dinheiro á toa vendo os outros filmes ou ate mesmo alugando pior ignorando os outros filmes já feito e nesse fazendo easter -eggs desnecessários pois os outros filmes eles apagaram da franquia e pra que colocar isso no tela do cinema .é para o paspalho que pagou o filme falar "olha lá ! um referencia do Halloween 2 e assim por diante nesse filme " .Halloween morreu para mim no filme " Halloween - A Ressurreição" e esse filme assim como os do Rob Zombie eu não assisti nem DVD pagando sua locação ou de graça na TV,afinal ! não critico de cinema para ver tudo .
Esse dois da Marvel Studio que você resenhou bem para mim são dois lixos não vejo mais filmes de heróis desde do horroroso "Homem de Ferro 3 " desde deste filme esse filmes de heróis morreu pra mim e HQ também de heróis não leio mais ,tudo oque eu tinha em matéria de gibi disso já vendi ha muitos anos eu só tenho o gibi do "Spectreman" completo da Bloch - Editores ha que eu não desfaço nunca.
Esse filme do Han Solo é outra droga deste franquia que também já cheio o saco e agora comprado pela Disney ficou mais chato .. eu era muito fã de Star Wars ,hoje já não sou mais e esse filmes depois Lucas ter vendido os diretos para Disney eu não assisti nenhum e jamais vou assistir outro filme dessa franquia caça niqueis de Hollywood . JOGADOR NUMERO UM é um lixo eu assisti esse filme em DVD em casa junto com á minha irmã ela a cada minuto do filme ela torcia para o filme acabar logo e eu também,pois o tédio era grande.. filme chato ,superficial .
Eu gosto muito do George Lazenby deve ser legal esse documentário sobre á vida desse ator que também foi rejeitado pelo o grande publico quer na época que acompanhava os filmes de James Bond através do eterno interprete o ator Sean Connery que eternizou e era difícil para o publico aceitar outro ator que não fosse Connery no papel do agente britânco e tentaram Lazenby e filme foi um fracasso , apesar que ao meu ver é uma grande aventura e também tem um ótimo ator interpretando Blofeld de maneira gloriosa o eterno detetive "Kojak " o saudoso Telly Savalas mas fazer o que o publico não aceitou ele (Lanzenby) e Connery voltou com filme lançado em 1971 " 007 -Os Diamantes são Eternos " eu assisti um filme dele que ele interpreta o famoso agente britânico novamente um um ponta mas não mencionado 007 ou James Bond ele no filme é mencionado com JB no placa veiculo que esta dirigindo um Austin Martin por sinal ajudando Napoleão Solo á fugir de grupo de bandidos o filme em si é " A Volta do Agente da U.N.C.L.E -15 Anos Depois " lançado em VHS pela V M W Vídeo e passou na TV Aberta pela á CNT e Rede TV! foi nessa duas emissora em que assisti esse filme e depois esse filme nunca mais passou na TV Aberta.
National Lampoon eu nunca li á revista de deles nem sei se era publicada aqui no Brasil á unica revista que li nessa época dentre 1979 ate o final década de 90 era Revista Mad da Editora Vecchi que faliu em 1982 e depois a partir de 1985 ela voltou á ser publicada pela editora Editora Record,Pancada da Editora abril e Crazy da Editora Saverio Fittipaldi .o Olha! O tipo de leitura que eu lia ,nessa época .. e eu nem tinha 10 anos ainda e só lia conteúdo bom (ha,ha,ha...) .Esses filmes da National Lampoon mencionados nesse documentário "Clube dos Cafajestes e Clube dos Pilantras " são fantásticos assim com "Ferias Frustradas " com o próprio Chevy Chase que também é da National Lampoon.
Bem esperamos mais resenhas como essa no futuro e analisados de forma brilhante com um texto rápido,leve e bem humorado e explicativos dos filmes analisado em si por nosso mestre do mundo dos filmes esquecidos e empoeirados do vasto cinema ,um abraço de Spektro 72.
Não coube espaço para escrever na mensagem anterior sobre "Desejo de Matar " do Bruce Willis ,eu assisti o filme em DVD achei um filme fraco como todos os remakes que já foi desnecessário faze-lo , o filme de 1974 com Charles Bronson dá um pau nessa versão sem coragem ..enfim !filme fraco não merece estar na pratilheira de um bom cinéfilo .Um Abraço de Spektro 72.
Legal essas críticas, o do Alex de La Iglesia é bem legal mesmo e tem no Netflix.
Fiquei curioso para ver os documentários do Dick Miller e da National Lampoon,
viu esses nos torrents da vida?
Cara, como é bom rever o retorno dessas pequenas críticas de filmes desse ano e ver que o estilo Guerra de esculhambar não mudou em 4 anos de ausência....Vida longa ao filme para doidos!
Que bom que o "filmeparadoidos" está de volta!!! Saudades de alguém escrever na internet, recheada de youtubers...e como sempre, comentarios recheados de humor e brilhantismo.
Muito obrigado. Muito obrigado.
Eu acertei,sabia que seria a volta das resenhas curtas hahaha...
Sobre o filme "Ao Cair da Noite": talvez seja um dos filmes pós apocalípticos mais realistas já feitos. Numa situação real a tendência seria as pessoas se isolarem em grupos pequenos e evitarem contatos com outros grupos, o que inclui não sair na porrada e tiro por qualquer besteira.
Quem critica o filme é porque está mal acostumado com visões fantasiosas de fim da civilização no estilo Mad Max.
Muito bom que seu blog voltou, Felipe!
Já pensou em reunir seus textos e auto-publicar tudo num livro, como os do Kindle? Acho que o pessoal compraria, eu pelo menos iria.
Abraços.
Sobre o filme Disaster Artist. É verdade, os americanos respeitam muito o cinema em todas as suas vertentes e seus realizadores. Até mesmo o diretor italiano Claudio Fragoso é mais famoso na América do que na Itália, por causa do filme Troll 2.
Muito bom ver que seu blog voltou, sempre acompanhei suas críticas e artigos no Boca do Inferno. Como você vê a possibilidade de rolar um Halloween 2, depois desse último?
Felipe, ainda bem que este blog voltou, sou seu fã desde a época em que você escrevia para o Boca do Inferno.
Sempre tive vontade de perguntar para você qual a sua opinião sobre o Red Letter Media. Este é o canal do Youtube mais alinhado com os filmes que você costuma resenhar. O Jay Bauman, que também é cineasta, tem um gosto bem similar ao seu para o cinema e não sei se é coincidência, mas me parece, por estas resenhas que você fez, que você curte os caras também - antes de você citar o filme do Dick Miller aqui eu havia visto no canal dos caras.
Valeu, Felipe! Continue com o excelente trabalho.
Respondendo a alguns comentários...
RODOLFO POLINO - Já pensei em resgatar (parte d)o material do Filmes para Doidos, reescrever/adaptar e publicar. Infelizmente, o momento editorial do Brasil não é dos melhores faz algum tempo, e deve piorar. Se for para lançar livro apenas pelo prazer de lançar fico com o blog, quero algo que seja feito com um mínimo de cuidado e tenha alguma distribuição. Por isso seguimos virtuais...
JEFF PRATA - Não acho que o "Halloween 2018" deixe qualquer margem para continuação, a não ser que façam mais uma sequência direta do primeiro ou do segundo filme, o que seria uma grande bobagem. Veremos o que os 50 anos do clássico nos reservam para 2028.
NOVELLI - Não acompanho nenhum canal de YouTube. Gosto de ler e escrever, por isso jamais faria um "vlogger" e nem tenho a menor paciência para assistir o dos outros.
Concordo, em partes, com o Novelli. No Youtube você tem chances de explicar algumas coisas que é mais complicado em texto. Mas o tempo que o Google pagava alguma coisa já pa$$ou (você tem que ter uma visualização absurda para ganhar alguma coisa). Infelizmente já virou Facebook também, eles conseguiram criar um mercado monetizando com as tretas dos outros, fazendo vídeo de réplica, tréplica e os usuais idiotas se matando nos comentários.
Uma seleção de textos do blog formatado pro Kindle também não dá dinheiro, mas ajuda a divulgar seu nome para grandes empresas como Abril, Folha, Companhia das Letras, ops... deixa para lá.
Felipe, que tal um post off-topic sobre o que você fez quando o blog hibernava? Aposto que seria fácil e bem legal. Você ainda tá naquele cinema?
Realmente, os canais de Youtube de cinema são coisas pavorosas (basta ver o Jovem Nerd, Omelete, Cinema com Rapadura, et. caterva., aqui no Brasil), mas os caras do RLM são um ponto fora da curva. Pra você ter uma ideia, os caras já fizeram reviews de vários filmes bagaceiros que eu conheci graças a você, Felipe - tipo o Deadly Prey e o Shakma. Enfim, acho que vale a pena você dar uma conferida, sou mega fã deste canal também e descobri várias preciosidades seguindo os caras (coisas como o documentário Electric Boogaloo, sobre os filmes da Cannon Pictures).
Quanto ao comentário do Rodolfo Polino, vou dizer que seria um dos inscritos de um canal que o Felipe fizesse, embora ache meio inviável aqui no Brasil. Esse tipo de conteúdo que a gente curte é coisa bem de nicho aqui em terras tupiniquins, o Felipe gastaria muito tempo pra fazer um conteúdo bacana e não sei dizer se teria um público pra fazer a coisa ficar viável.
PS: valeu pela dica do "Mientras Muertes" e do "Mi Gran Noche", gostei muito de ambos os filmes. Sou fã do cinema espanhol desde a primeira vez que assisti o "Tesis" do Amenábar.
PS2: o link do vídeo do Red Letter Media com o review do filme Deadly Prey
https://www.youtube.com/watch?v=mbWTthXfdBc
Agora sim tenho com que me ocupar nas horas de folga lendo essas resenhas nem tão curtas assim.
Que bom que esse blog voltou!
Saudade do filmes para doidos, bom ter voltado. Mas você desativou o antigo? Se sim, posta as resenhas antigas, eu me divertia lendo tbm, por favor
Beyond the Dark Rainbow também do George Panos Cosmatos é outra viagenzona lisérgica do tipo ame ou odeie
Mais uma vez,Muito obrigado por trazer o Filmes Para Doidos de volta,à todo vapor!!!
Me interessei por estes filmes sobre o National Lampoon,Drunk Stoned Brilliant Dead e Fútil e Inútil.
Se você nunca teve a oportunidade de ler um exemplar desta revista,SEUS PROBLEMAS ACABARAM!!! é só vir até o seguinte link:
https://undergroundcomixblog.wordpress.com/2018/03/16/national-lampoon/
Para ler,você só precisa apenas de um app que leia arquivos nos formatos .Cbz,.Cbr,.Rar ou .Zip,como o CDisplay ou o GonVisor,entre outros.
DYEL, na verdade eu já tenho duas décadas de National Lampoon (as duas décadas que interessam) em PDF nos meus arquivos, o que falta é tempo para ler mesmo! hehehe.
Opa, finalmente mais alguém que gosta de The Cable Guy! É uma pena que ele não recebeu a devida atenção como os outros filmes do Jim Carrey, porque a proposta do filme era muito interessante.
A propósito, bem-vindo de volta ao mundo dos blogs.
Raphael do filme do Iglesia era constantemente gozado pela sua homosexualidade por Dr. Chapatin e Professor Girafales nos seriados do Chesperito dos anos 70.
Porra cara, "homossexualismo" não, né?! Por favor!
Puta que pariu, caralhooo!
Que saudades eu estava dessas resenhas curtinhas. Já assisti a filmes excelentes por conta do blog, muitos desses filmes que nunca assistiria pois nem os vlogs menores dão atenção!
Espero encontrar novas pérolas graças ao site!
Espero que continue pelo menos bimestralmente!
Curti tuas resenhas mesmo não sendo tão curtas assim. AHAHAHA bom, desses o que mais gostei foi Jogador n1. Excelente filme! Tinha escutado muitos elogios e depois de ver devo de dizer que realmente essa animação é excelente e muito criativa. O filme é uma viagem cheia de diversão, emoção e aventura, como todos os filmes do steven spielberg . Filme maravilhoso em todos os aspectos. Tem uma grande animação e uma trilha sonora muito bem elaborada. É um filme feito para crianças, mas seguramente vai agradar aos adultos.
Caros Críticos de Cinema: Comparar filmes ruins com videogames está arruinando sua credibilidade.
Comparando filme aos videogames e entoando que os jogos são "superficiais e estúpidos" e aqueles que gostam de videogames não se importam com o fato de que um filme pode faltar em substância.
Tais observações geralmente são feitas por alguém com pouco conhecimento do que é realmente gostar de jogar videogames.
Você já jogou "The Last Of Us" ou qualquer um dos jogos episódicos "The Walking Dead"? Ambas são experiências convincentes que fazem o gênero de zumbis superexpostas melhor do que muitos filmes zumbis por ai.
O fato de você ter comparado "Jogador Número 1" aos videogames é um insulto aos videogames.
O que muitos de vocês não parecem reconhecer é que um videogame pode, na verdade, armazenar mais substância e emoção em três horas do que um filme.
Um jogo como "Brothers: A Tale Of Two Sons" é uma experiência emocionante e emocional com uma trama profunda que, mesmo com apenas três a quatro horas de jogo, deixou mais impacto em mim do que em qualquer filme que eu vimos este ano. E eu não sou o único.
Mas você parece pensar que todos os videogames são como "Call Of Duty" shoot-ups e machismo ou "Killzone" aliens e "Halo" space marines e geralmente não têm essa conexão emocional com o espectador/jogador. Mesmo em muitos desses grandes jogos, as conexões emocionais, o enredo e a experiência geral vão além do clichê e o agarram de maneiras que um filme simplesmente não consegue.
Quando um filme tem efeitos especiais ruins, isso não o torna como um videogame
O problema com sua análise e analogia é que existem alguns jogos incrivelmente artísticos por aí que não parecem ou não parecem videogames - e se eles são ruins ou não, não é o ponto. Jogos ruins ainda podem estar ótimos. "Braid", "Limbo" ou "Killer 7" são exemplos excelentes de direção de arte em um videogame.
Eles são apenas alguns dos muitos títulos vibrantes e imersivos que existem "em algum lugar entre a imaginação e o mundo real". "Braid", na verdade, parece uma pintura em movimento.
Circulando de volta ao jogo "Brothers: A Tale Of Two Sons", minha esposa me viu jogar durante as três horas. Ela estava completamente encantada. Ela não é de forma alguma um "jogador hardcore". Ela gosta de jogos de quebra-cabeça e cozinhar em seu smartphone. Mas ela desenvolveu uma conexão com a história dos irmãos, da mesma maneira que ela poderia ter com um filme de Harry Potter. Ela participou da solução dos quebra-cabeças do jogo e me ajudou - como o controlador dos personagens principais - a levar a história ao final de seu coração.
"Zack Snyder - que também filmariam uma hora a mais de cenas só para poder explorar o "mundo do futuro" - A única coisa que Zack Snyder fez de errado foi tentar tratar os fãs de quadrinhos como adultos evoluídos e pensantes. Se ele soubesse que todas essas pessoas queriam era cartuns de ação ao vivo com atores e atrizes que pudessem fantasiar sobre transar, tenho certeza de que ele teria seguido em frente.
Ele acredita genuinamente que os super-heróis são uma mitologia moderna. E todos os "fãs de filmes de histórias em quadrinhos" querem uma versão de ação ao vivo de suas figuras de ação lutando.
Para muitos, os super-heróis não devem ser levados a sério e são exclusivamente para crianças. É uma visão muito estranha, considerando seres sobre-humanos têm sido fundamentais para as religiões, mitos e lendas desde o início dos tempos. Os quadrinhos apenas adicionaram trajes coloridos.
A lista das principais histórias em quadrinhos/graphic novels são quase todas histórias sombrias e sérias... Então, por que os filmes de quadrinhos tem que ser supostamente "divertidos"?
Estou chocado com tamanha lavagem cerebral. Como as pessoas podem não ver os filmes de quadrinhos mais "escuros" e mais maduros foram tratados como merda de cachorro por críticos e sites de blogs e foram rotulados como um erro? Mas se um filme é "divertido", ele é celebrado e recebe críticas e atenção.
É uma agenda total. Como poderia um gênero de filmes ter uma exigência tão absurda de ser leve e divertido, que é tipicamente o único critério para o filme ser considerado bom e valer a pena? É revoltante, essa é a onda de preconceito da mídia que não é contestada.
As pessoas realmente não vêem o preconceito com críticas de super-heróis depois de todo esse tempo? Se a palavra diversão não for mencionada ou iluminada, simplesmente significa que o filme é uma droga. E eu ainda vejo comentários de pessoas dizendo que cada filme não tem que ser sombrio, se não eles são considerados ruins
"Alegre, divertido". O único critério para um bom filme de super herói. Por quanto tempo os frequentadores de filmes de ovelhas continuarão caindo por essa tentativa óbvia e preconceituosa de críticos e blogueiros de transformar todo esse gênero em uma linha inútil e repetitiva de porcaria cômica?
heróis são ícones e lendas. Eles são mais do que apenas outra piada.
fãs falsos que não conseguem lidar com coisas sérias. Eles querem diversão divertida e um bom final feliz. Basicamente, eles estão presos em 1978 e se recusam a viver em 2019
Anônimo. Uma coisa é uma coisa e outra coisa é...
Os super-heróis são produtos comerciais inicialmente voltados para crianças e jovens. Nos anos 80, houve um período muito especial, em que se tentou levar alguns heróis para uma temática mais adulta. Mas convenhamos que quanto mais se leva uma criação infantil para temática adulta a coisa vai desgrigolando. Tanto que o sucesso da Image na fase atual são quadrinhos já pensados para um público mais maduro.
Agora os heróis são a onda mainstream do momento. E feitos pensando na criançada/pirralhada de hoje. Ou seja, o filme é um veículo para se vender camisetas, brinquedos, videogames, o que mais der para vender.
Vingadores é feito pra molecada que tem 12 anos hoje. O filme é assistível? É, mas não foi feito para "velhos" que nem nós que vimos o Superman de 78. Aceita que dói menos!
Rodolfo Polino sim a razão é Marvel e público em geral, basicamente
As pessoas não podem lidar com filmes sérios nos dias de hoje. Olhe para o Aquaman fodão e sério dos anos 90 de Peter David, virou um retardado que faz piadas de xixi nos cinemas.
Mas o Aquaman é uma versão (aliás muito bem $ucedida) do clássico com a versão que Peter David fez nos anos 90.
O problema não é só Marvel. Super-herói hoje são os filmes de brucutu que víamos nos anos 80. Desde o ano 2000 com primeiro X-Men eles vem fazendo mais e mais dinheiro, sem sinal de degaste no futuro próximo.
O problema é cinema tá uma bolha que vai estourar em breve. Filmes cada vez mais caros, "recordes" de bilheteria todo dia. Mas cada vez menos opção, estúdios médios e grandes se enfraquecendo (a Fox como a gente conhecia morreu). Cinemark ainda aguenta, mas vc vai num Playarte, todas as sessões só passam o blockbuster da vez.
Na próxima década vai ser a guerra dos streamings: Netflix, Disney, Amazon, Apple, ATT/Warner. Desculpa, Globo, que ninguém vai querer pagar pra ver vc. Pessoal vai começar a perder a paciência de querer ver coisa no cinema, se três meses depois vai estar no streaming que assina.
Faltou falar dos fãs-listas. O pessoal que cresceu lendo quadrinho e hj é "jornalista" desses sites chapa-branca e se vende por causa de um ingresso e um poster. Mas fica pra próxima :D
Rodolfo Polino prefiro o Aquaman dos quadrinhos e do Bruce Tim no desenho da Liga da Justiça dos anos 2000.
Graças ao mickey mouse e seus filmes amigáveis para crianças, estamos de volta aos tempos em que filmes como Batman e Robin foram feitos... Não há filmes mais sérios, porque eles são 'personagens infantis'...
Se a indústria de gibis contasse apenas crianças, morreria há muito tempo.
As histórias em quadrinhos e seus personagens e histórias nem sempre são leves e divertidas. E as melhores histórias são as
mais sombrias.
o conteúdo dos videogames é tão diversificado e eclético quanto qualquer meio que você possa imaginar. Nem todos os jogos são Call of Duty, como nem todo cinema é Scarface, e nem todo romance é Psicopata Americano. O jogo pode levar o jogador a maravilhosas aventuras e jornadas pessoais, e esse é um ponto fundamental - eles são sempre pessoais. Nenhum outro meio pode chegar perto disso.
O homem virou moleque. Eu gosto do novo homem aranha, mas dizer que esses filmes são melhores que do Sam Raimi é vacilo. Para mim é prova que não conhecem bem o Homem Aranha. Na realidade vejo mais caça níquel da Marvel, que de fato uma preocupação com natureza do personagem. Reclama que Tobey Maguire é chorão. Fazem isso esquecendo que o personagem é forjado de um trajetória trágica como vários super-heróis. O cara sente culpa pela perda do tio graças ao egoísmo e arrogância dele. Isso não foi e nem vai ser mostrado pelo visto nesse novo filme. Nos filmes do Raimi vemos ele correndo atrás da vida e não buscando ser POPULAR. Ele sofre para conseguir o seu ganha pão. Ele não é um filho de papai como Harry Osborn que tem o papai para bancar os caprichos e vontades dele. Várias vezes nas histórias vemos isso, ele engolindo sapo do patrão ou do J.J Jameson. Esse Homem Aranha é moleque tem pouco, para ser repassado para nova geração de mimados. Esse moleque não tem lição alguma ou peso algum como o original. COM GRANDES PODERES VÊM GRANDES RESPONSABILIDADES.
COM GRANDES PODERES VÊM GRANDES RESPONSABILIDADES. Mas o importante na Marvel é vender vários bonequinhos de vários uniformes para as criancinhas. Nesse novo filme tem pelo menos três uniformes diferentes. CAÇA NÍQUEL. : https://www.youtube.com/watch?v=bT9giQ2oRRA
Esse novo "Homem" Aranha "nerd" é tão fã de ser SUPER POPULAR e fazer parte dos Vingadores. Tanto que Homem de Ferro sabe quem ele é Nick Fury também. O colega dele que não é Harry Osborn sabe. Tia sabe e nova "Mary Jane" que virou "ativista" sabe. Por que ele ainda usa uma máscara? Não esquecendo o Abutre sabe também a identidade "secreta". Até o Happy Hogan e o Mistério sabem? Sério. Qual o sentido dessa porra usar máscara se até os super vilões sabem sua identidade? : https://www.youtube.com/watch?v=p5UOdYeMGCE
Vamos fazer um filme do Batman fora de Gotham City. Fazer um filme do Homem Aranha fora da Nova Iorque. Mudar as personalidades de vários personagens. Se isso fosse Game of Thrones o povo tava espumando de raiva igual a cachorro. : https://www.youtube.com/watch?v=jM7Eou4bV-Q
Não vou reclamar da Tia May Parker novinha, mas que o Homem Aranha ralava para trabalhar, isso sempre teve nas histórias o coitado não tinha dinheiro para o lanche. Nós pobres nos identificamos com esse personagem. : https://www.youtube.com/watch?v=NC49LFyYXgA
E ai tenho que ler corno da Internet esnobando, esses filmes do Sam Raimi. Vão se foder não são reais fãs desse personagem. O aranha de vocês ainda é muito moleque aranha. Não é homem ou maturo ainda. : https://www.youtube.com/watch?v=kCd6HLNW3MQ
O sufixo “ismo” é usado para indicar patologias, bem como doutrinas e ideologias. Portanto o uso de tal prefixo no termo “homossexual”, tornando-se “homossexualismo”, considera as homossexuais pessoas portadoras de patologias, distúrbios de natureza psíquica.
Até o ano 1990, a Organização Mundial de Saúde considerava a homossexualidade como doença e por isso, entre a lista de doenças mentais da mesma, estava o “homossexualismo”.
Foi graças a pesquisas e questionamentos de pesquisadores da área sexual que se pode retirar o “homossexualismo” da lista de doenças mentais. Mas por qual motivo foi retirado o termo? Os pesquisadores perceberam, por intermédios de pesquisas e testes de métodos terapêuticos, que não há teorias que provem a origem da homossexualidade; assim como não há teorias que provem a origem da heterossexualidade. Ora, uma vez que não se pode provar a origem de uma prática e nem “a cura da mesma”, tal prática não pode ser considerada oriunda de distúrbios mentais.
Se fosse possível um método terapêutico que “curasse a homossexualidade”, nesta linha de pensar, este mesmo método deveria ser usado para “curar a heterossexualidade”.
Uma vez que as relações homossexuais deixaram de ser consideradas oriundas de causas patológicas, importava-se a retirada do sufixo “ismo” da palavra. Por isso, não sendo um homossexual uma pessoa doente, não podemos usar o termo “homossexualismo”.
Atualmente, embora tem-se prós e contras no que diz respeito ao uso do termo “homossexualidade” para remeter às pessoas que se relacionam com o mesmo sexo, homossexualidade é o termo mais utilizado e aceito.
É importante conhecer os termos e suas origens, pois os mesmos podem dar continuidade ao preconceito quando mal usados. Fora o preconceito! Fora a homofobia! Não somos diferentes, não somos anormais!
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