FILMES PARA DOIDOS

VENOM (1981)

2012-01-30T04:35:00.000-08:00

Quando VENOM foi originalmente concebido, no começo da década de 1980, era o projeto dos sonhos de todo fã de cinema fantástico. Analise: o produtor norte-americano Martin Bregman (que fez filmaços como "Scarface" e "Um Dia de Cão") ia bancar a versão para o cinema de um best-seller do sul-africano Alan Scholefield sobre uma terrível cobra assassina, adaptado pelo roteirista Robert Carrington ("Um Clarão nas Trevas") e com direção de Tobe Hooper, que tinha acabado de dirigir "Pague Para Entrar, Reze Para Sair" para a Universal.

O filme seria rodado em Londres, com um elenco dos sonhos: nos papéis principais, o veterano Sterling Hayden ("O Grande Golpe") e grandes atores como Oliver Reed, Klaus Kinski, Sarah Miles ("Blow-Up - Depois Daquele Beijo") e Susan George, além de vários talentos do cinema inglês, como Nicol Williamson ("Excalibur").

Enfim, não tinha nada para dar errado, mas às vezes os deuses do cinema resolvem intervir e fazer com que projetos dos sonhos, como este, se transformem num verdadeiro pesadelo. E assim VENOM tornou-se mais conhecido pelo bafafá nos bastidores do que pelo resultado como filme em si.

Para resumir a história, o ator alemão Klaus Kinski - que, como se sabe, era um carrasco para todos os cineastas com quem trabalhou - odiou Hooper desde o primeiro dia das filmagens, e começou um motim com outros astros (principalmente Oliver Reed) para pedir a cabeça do diretor. Consta que, após dez dias de filmagens, Hooper teve um colapso nervoso e abandonou o projeto alegando "diferenças criativas", levando junto o seu diretor de fotografia.

A vaga foi preenchida às pressas por Piers Haggard, um inexpressivo diretor da TV inglesa que é mais conhecido por ser bisneto do aventureiro e escritor Henry Rider Haggard (autor de "As Minas do Rei Salomão") do que propriamente por seu trabalho como cineasta.

E quando parecia que a calma iria reinar, Kinski e Reed começaram a brigar entre eles, transformando as filmagens num inferno - o stress entre os dois atores fica bem claro em cada fotograma que dividem no filme.

Enfim, o clima era tão pesado que o diretor Haggard declarou que a única pessoa simpática no set era a própria cobra assassina!

Depois que VENOM milagrosamente ficou pronto, o estúdio errou no marketing. Ao invés de divulgá-lo como uma trama policial com uma pequena surpresa (o ataque de uma mortífera serpente mamba negra), os realizadores fizeram questão de salientar a presença do bicho desde o início, como se fosse um filme de horror sangrento e assustador. Em comparação, imagine se "Um Drink no Inferno", de Robert Rodriguez e Quentin Tarantino, tivesse sido divulgado desde o início como horror podreira com vampiros - o que não aconteceu.

(Os pôsteres de cinema de VENOM inclusive propagandeavam, exageradamente: "O mistério de 'Os Pássaros', o perigo de 'Psicose', o medo de 'A Profecia', o terror de 'Tubarão', e agora o máximo em suspense!".)

O resultado do "projeto dos sonhos" foi fiasco nas bilheterias e destruição sumária pela crítica, fazendo com que o filme ficasse esquecido durante anos no limbo de produções complicadas e filmes problemáticos. Só foi redescoberto quase 20 anos depois, quando ganhou certa aura cult exatamente pela quantidade de talentos envolvidos - muitos deles pagando o maior micão.

VENOM é muito mais história policial do que de horror, e envolve o sequestro do pequeno Philip Hopkins (Lance Holcomb), filho de um casal de milionários, por um grupo de violentos criminosos. A quadrilha é liderada por Jacques Müller (Kinski), associado ao motorista do casal, Dave (Reed), e à babá do garoto, Louise (Susan George).

Os criminosos aproveitam uma viagem dos pais de Philip para invadir a casa, depois de afastar de lá o avô do garoto - um explorador chamado Howard Anderson (Hayden), que fez muitos safáris na África.

As coisas começam a dar errado desde o começo: primeiro é o avô que volta para casa antes do tempo; depois Dave, com os nervos em frangalhos, atira com uma espingarda num policial, atraindo toda a polícia da cidade até o local.

Mas o pior ainda está por vir: devido a um erro da atrapalhada balconista de uma loja de animais, o pequeno Philip acabou de levar para casa uma caixa contendo uma mamba negra no lugar da inofensiva cobra doméstica que ele tinha ido buscar. E, conforme a médica especialista em toxicologia Marion Stowe (Sarah Miles) faz questão de ressaltar, a mamba negra é a serpente mais agressiva e venenosa do planeta!

Isso fica claro desde o primeiro ataque do bicho, quando a caixa em que ele estava preso é aberta por Philip: sobra para a pobre babá Louise, picada várias vezes, no pescoço e no rosto, pela furiosa serpente. O veneno age em minutos e ela morre sofrendo dores atrozes, numa cena impactante.

A partir daí, porém, VENOM vai ladeira abaixo. Afinal, como já escrevi lá em cima, trata-se de uma trama policial, e não uma história de horror. A cobra some, fugindo para os dutos de ventilação da casa, enquanto o filme gasta um tempão mostrando o cerco da polícia e as negociações do sequestradores para tentar sair da delicada situação.

Demora uns bons 40 minutos para a terrível mamba negra voltar a dar o ar de sua graça, e ela só ataca novamente perto do final (!!!), transformando o filme numa verdadeira agonia para quem esperava um horror sobre cobras assassinas.

Na verdade, VENOM não é tão ruim quanto a crítica da época considerou; o problema é justamente a questão da expectativa, pois a produção jamais deveria ter sido lançada como horror escabroso. Afinal, a presença da serpente venenosa é tratada como um aspecto secundário da história, e na maior parte do filme apenas vemos a dita cuja se arrastando pelos dutos de ar - embora sua presença seja temida pelos amedrontados personagens forçados a ficar presos dentro da casa com um dos bichos mais mortais da natureza!

Seria diferente, talvez, se fossem várias serpentes ao invés de uma só, ou mais vítimas para serem atacadas pela bicha. (SPOILER) Do jeito que está, o negócio até ficou bem moralista, pois apenas os três bandidos são atacados e mortos pela mamba negra, e nenhum dos bonzinhos chega a sequer correr perigo de vida. (FIM DO SPOILER)

Infelizmente, a trama do sequestro também é burocrática e mal-desenvolvida, pois os bandidos nunca parecem uma ameaça real aos personagens do garotinho e seu avô (ao contrário da terrível mamba negra), nem fazem grande coisa além de ficar brigando entre si e tagarelando com a polícia.

Sabendo disso - que a cobra aparece pouco e o foco é na trama policial -, dá para encontrar boas qualidades em VENOM. A principal delas é a forma como a serpente é tratada como uma ameaça real e terrível, e suas esporádicas aparições a aproximam de um vilão de slasher movie, geralmente dando o maior susto no espectador - como quando Dave vai servir-se de uísque e encontra a cobra na maior moleza dentro do barzinho!

Para quem morre de medo de cobras, como eu (que, na infância no interior, quase fui picado duas vezes por serpentes venenosas!), o filme é igualmente eficaz porque a mamba negra realmente parece uma criatura agressiva e perigosa.

O ataque a Susan George é chocante, violento e inesperado, e na maior parte das cenas uma cobra verdadeira foi utilizada, dando um ar ainda mais ameaçador à grande vilã (hoje provavelmente usariam CGI de quinta categoria).

Finalmente, o grande mérito dessa produção esquisita é sua insólita reunião de talentos. Quando vi o nome de Sterling Hayden nos créditos, pensei que ele faria apenas uma participação especial, considerando que já estava bem velhinho à época das filmagens.

Mas não, Hayden participa ativamente da trama e até tem uma cena de forte suspense em que é obrigado, por Jacques, a revistar um quarto escuro à procura da mamba negra. Este é o último filme do ator, que morreu em 1986.

Confesso que também é divertidíssimo ver astros do calibre de Klaus Kinski, Oliver Reed, Susan George e Sarah Miles sendo aterrorizados por uma cobra venenosa. Eu sempre disse que esses filmes com animais assassinos, gigantes ou em tamanho natural, são um porre, a não ser que os produtores coloquem gente conhecida para morrer.

É o caso aqui: quem diria que um dia veríamos um ator do calibre de Oliver Reed tomando uma picada de cobra no pinto!!!

Mas o mais legal é a presença de Klaus Kinski na bagaça. É possível observar, em cada cena do filme, a tensão existente entre ele e Reed - lembre-se que os dois brigaram o tempo todo durante as filmagens, e, para piorar, dividem diversas cenas!

Também é visível o desgosto do alemão maluco em participar do filme. Quando ele é atacado pela cobra, no final, quase dá para ler na expressão do ator algo do tipo: "Mas que diabos eu estou fazendo aqui?".

E sabe o que é mais engraçado? Para aparecer em VENOM, Kinski recusou um convite de um tal de Steven Spielberg para aparecer num filminho quase desconhecido chamado "Os Caçadores da Arca Perdida"! Acredite se quiser, mas o papel do nazista torturador (que ficou com Robert Lacey) tinha sido escrito especialmente para Kinski. Em sua autobiografia, o ator declarou que o roteiro era uma merda e que optou por enfrentar a serpente assassina porque o salário era melhor!!!

O resultado é essa doideira perdida entre gêneros, que ficaria bem melhor sem a meia hora de história policial no primeiro ato (as burocráticas cenas que mostram os tiras isolando a área e negociando com os vilões parecem coisa de telefilme, e tomam um tempão), e com mais ataques da safada da mamba negra, que é uma vilã de respeito.

Inclusive eu sempre achei que as cenas de ataque da cobra, bem gráficas e violentas, tinham sido filmadas por Hooper, com Haggard tapando os buracos ao filmar as cenas com os policiais. Mas o diretor substituto garante que todos os takes feitos por Tobe foram descartados, e que ele mesmo filmou tudo que está na tela. Como o próprio Hooper jamais se manifestou sobre o caso, teremos que ficar com a palavra do cineasta inglês...

O roteiro também desperdiça a presença de um especialista em répteis do zoológico chamado pela polícia para ajudar a capturar a cobra, interpretado por Michael Gough (o Alfred nos "Batman" de Tim Burton e Joel Schumacher). Apesar de ser baseado num sujeito real, David Ball, o personagem não alça maiores voos e é esquecido em poucos minutos, quando poderia ter rendido melhor caso conseguisse entrar na casa e participasse da caçada à cobra.

(Nos créditos finais, há uma mensagem de agradecimento ao verdadeiro Ball, que ajudou os produtores a manipular a cobra verdadeira usada durante as filmagens. Diz o texto: "Sem a sua habilidade e coragem no tratamento da mortal mamba negra, este filme jamais teria sido feito".)

Longe de ser um filmaço, VENOM diverte pelo inusitado (ver astros e estrelas conhecidos à mercê de uma cobra venenosa) e pelos esporádicos ataques da serpente, muito bem filmados. Cansa um pouco por enrolar mais do que deveria, e por mostrar a grande vilã menos do que poderia, mas eu sinceramente já vi coisas bem piores sendo laureadas pela crítica e pelo público.

Assim, dispa-se do preconceito e tente conferir o filme pelo que ele realmente é: uma produção tumultuada, problemática, que poderia ter sido muito melhor, mas engasgou no meio do caminho.

Se for o caso, use o FF para passar o miolo chato envolvendo a operação policial, e divirta-se com uma vilã reptílica que dá um banho, em agressividade e ameaça, em todas as suas rivais gigantes desses filmes com cobras monstruosas, tipo "Boa Versus Python" e "King Cobra". Porque tamanho, definitivamente, não é documento!

PS 1: Há pelo menos mais dois filmes com terríveis mambas negras que vale a pena procurar. Um é "Jogo Fatal" (Mamba, 1988), sobre um marido perturbado que se vinga da ex-esposa trancando-a num apartamento na companhia da cobra venenosa; o outro, claro, é "Kill Bill Volume 2", de Quentin Tarantino, em que Michael Madsen tem um encontro nada agradável com uma mamba negra (em cena bem parecida com o ataque a Susan George em VENOM), enquanto Daryl Hannah sadicamente lê as propriedades mortais do veneno do réptil!

PS 2: Tobe Hooper foi despedido ou afastou-se de inúmeros outros projetos por "diferenças criativas" (que, segundo as más línguas, era a desculpa oficial para o seu notório vício em cocaína). Ele iria dirigir, por exemplo, "The Dark" e "A Volta dos Mortos-Vivos" (foi substituído, respectivamente, por George Bud Cardos e Dan O'Bannon); também iria dirigir o famoso filme do Homem-Aranha que seria produzido pela Cannon Films e algumas produções da Empire Pictures, mas nada disso saiu do papel.

Trailer de VENOM

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Venom (1981, Inglaterra)
Direção: Piers Haggard
Elenco: Klaus Kinski, Oliver Reed, Sterling Hayden,
Susan George, Sarah Miles, Nicol Williamson,
Lance Holcomb e Michael Gough.

"...e nossos filmes explodem como dinamite!"

2012-01-25T04:38:00.000-08:00

Se você frequentava videolocadoras (esse negócio hoje em extinção) entre o final dos anos 1980 e a metade da década de 90, certamente deve ter retirado, em algum momento de sua vida, pelo menos uma fita cuja capinha tinha uma moldura azul com estrelinhas brancas. E, antes do filme, viu a vinheta acima, que terminava com um sonoro "Somos a América Vídeo, e nossos filmes explodem como dinamite!".

A postagem de hoje, portanto, será sobre nostalgia e saudosismo. Eu aproveitei uns dias de "ócio criativo" no começo do ano para organizar minha abandonada coleção de VHS (sim, eu ainda tenho fitas) e escanear as capinhas mais antigas, acreditando que um dia isso ainda poderá se tornar um registro da memória da Era de Ouro das videolocadoras brasileiras.

(Em breve vou mandar todo o material para o excelente blog Museu do VHS, do meu amigo Bruno Martino, que semanalmente divulga capinhas das fitas brasileiras.)

Durante a enfadonha operação de tirar capinhas do estojo para escanear, fiquei viajando nessas capas de moldura azul com estrelinhas brancas da América Vídeo, e resolvi dividir algumas delas com vocês, nobres leitores e queridas leitoras. Elas estão em alta resolução (cliquem nas imagens para abri-las em tamanho grande), e podem ser usadas para criar capas de DVD customizadas.

A "atração principal" das fitas da distribuidora geralmente era precedida por uma inesquecível vinheta com cenas de vários filmes ao som da música "Winner Takes It All" (de "Falcão, O Campeão dos Campeões"), interpretada por Sammy Hagar.

Um narrador com voz gutural anunciava: "América Vídeo - Onde você encontra filmes com muita energia e alta tensão! Temos as melhores produções, as estrelas mais brilhantes e a coleção mais explosiva de filmes. Oferecemos o que há de mais sensacional e eletrizante, para que você estoure a boca do balão!".

A América Vídeo foi a principal responsável por lançar no país as produções da Cannon Films. Fundada em 1967, a Cannon foi comprada pelos irmãos israelenses Menahem Golan e Yoram Globus em 1979.

Usando bizarras estratégias de marketing, Golan e Globus praticamente dominaram a indústria do entretenimento de baixo orçamento da década de 80, produzindo aventuras baratas com Chuck Norris, Charles Bronson, Sylvester Stallone, Jean-Claude Van Damme e outros astros menos cotados daquele momento (como Michael Dudikoff e Robert Ginty).

Entre os "clássicos" da Cannon estão a trilogia "Braddock" (estrelada por Chuck Norris), a série "American Ninja", "Stallone Cobra", "Falcão, O Campeão dos Campeões", "Mestres do Universo" (a adaptação a toque de caixa do desenho "He-Man"), "Desejo de Matar 3", "As Minas do Rei Salomão", "O Último Americano Virgem", e muitos outros.

Entretanto, apesar de ser mais cohecida justamente por esses filmes rasteiros, os planos de Golan e Globus eram outros: eles pretendiam usar a grana obtida com as produções mais baratas e "populares" para financiar "filmes de arte" realizados por grandes diretores, sonhando com uma prateleira cheia de Oscars e o respeito da crítica especializada.

Assim, entre uma aventura de Chuck Norris e outra com Charles Bronson, a Cannon financiou e/ou distribuiu obras como "Amantes", de John Cassavetes; "O Ano do Dragão", de Michael Cimino, "Nenhum Passo em Falso", de John Frankenheimer; "Piratas", de Roman Polanski; "Rei Lear", de Jean-Luc Godard; "Otelo", de Franco Zeffirelli, e por aí vai.

Só que a prateleira cheia de Oscars ficou só no sonho, e todas essas produções "artísticas" da Cannon foram retumbantes fracassos de bilheteria. O caso do "Rei Lear" do Godard foi um dos mais engraçados: consta que Golan e Globus não entendiam bulhufas do que o francês estava fazendo, mas confiavam na "marca" Godard; já o diretor enrolou a dupla e fez qualquer coisa só para embolsar o salário no final. A maior parte da crítica não engoliu e taxou o filme de "piada de mau gosto".

O auge da consagração artística da Cannon Films seria o filme holandês "O Ataque", de Fons Rademakers, que ganhou o Oscar e o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro em 1987. Fora isso, nenhum dos projetos mais sérios da empresa deu maiores frutos, muito menos grana nas bilheterias.

Por volta desta época, a empresa tinha mais produções por ano do que dinheiro para bancá-las (lançou 43 filmes só em 1986!). E várias apostas equivocadas acabaram decretando a falência da produtora. Entre elas, o salário multimilionário (na época) para Stallone fazer o fracassado "Falcão"; o contrato para três filmes com o diretor Tobe Hooper - "Invasores de Marte", "Força Sinistra" e "O Massacre da Serra Elétrica 2", todos fracassos de bilheteria -, e a produção de "Superman 4" em 1987, cujo orçamento inicial de 36 milhões de dólares foi baixado para 17 milhões durante as filmagens.

Em 1988, Golan e Globus decretaram falência e cancelaram diversos projetos já anunciados, como "Mestres do Universo 2" e uma bastante comentada adaptação para o cinema de "Homem-Aranha", que seria dirigida primeiro por Joseph Zito, depois por Tobe Hooper e finalmente por Albert Pyun. Sobras dos figurinos e cenários dessas duas produções deram origem à aventura "Cyborg - O Dragão do Futuro", de Albert Pyun.

No Brasil, a América Vídeo não se limitou a distribuir apenas as produções da Cannon. Filmes baratos de ação e terror também saíram pelo selo, incluindo tralhas italianas como "Keruak - O Exterminador de Aço", de Sergio Martino, e "Escravas da Corrupção", de Bruno Mattei, além de várias obras da Full Moon, de Charles Band: "O Alien do Mal", "Dollman", "Brinquedos Diabólicos"...

Mas é óbvio que as capinhas azuis com estrelinhas brancas serão eternamente lembradas pelos filmes bagaceiros de ação e pancadaria. Alguns deles tão ruins que faziam o slogan da América Vídeo soar como ironia. "Nossos filmes explodem como dinamite"? Claro, são mesmo umas bombas!!!

PS: Para saber mais sobre a trajetória da Cannon Films, suas produções e seus projetos arquivados, não deixe de passar no excelente site (em inglês) The Cannon Films Archive.

REBELDES DA ACADEMIA (1980)

2012-01-21T05:21:00.000-08:00

(Esta resenha é dedicada ao Raphael Fernandes, editor responsável - ou seria irresponsável? - por publicar a revista Mad no Brasil atualmente, pela Editora Mythos)

Fazer comédia parece fácil, mas só parece. Se você não prestar muita atenção a aspectos como roteiro e timing das piadas, vai acabar com um daqueles filmes em que apenas os realizadores parecem estar se divertindo pra caramba. Tipo a maioria das "comédias" do Will Ferrel e do Jack Black, ou 99% da produção do gênero no Brasil pós-Retomada - ou alguém realmente vê alguma graça nos longas do Casseta & Planeta e na série "Se Eu Fosse Você"?

Se um dia alguém quiser escrever uma cartilha sobre o que NÃO se deve fazer na hora de produzir uma comédia, eu sugiro usar REBELDES DA ACADEMIA como exemplo prático, talvez até colocando o DVD do filme como brinde na cartilha, já que esta é uma das "comédias" menos engraçadas já feitas.

E sabe o que é mais irônico? É que ela foi produzida por uma das mais brilhantes revistas humorísticas do mundo, a Mad!!!

Tudo começou com o estrondoso sucesso da comédia "Clube dos Cafajestes" (1978), dirigida por John Landis. Nos Estados Unidos, o filme se chama "National Lampoon's Animal House", e a National Lampoon era uma outra revista de humor concorrente da Mad, bastante popular nos anos 70.

Ao contrário do que se pensa, a revista não teve grande envolvimento na produção, e o fato de seu nome aparecer no título era apenas uma jogada de marketing, algo do tipo "National Lampoon apresenta...". Vários outros filmes trariam o nome da revista no título a partir de então, como a série "Férias Frustradas", que no original era "National Lampoon's Vacation"

"Clube dos Cafajestes" custou 3 milhões de dólares e rendeu 141 milhões só nas bilheterias norte-americanas. Logo, outros estúdios resolveram produzir comédias "apadrinhadas" por revistas humorísticas para ver se o raio caía duas vezes no mesmo lugar.

Era questão de tempo para que a Mad entrasse na jogada. Fundada em 1952 e publicada ininterruptamente desde então nos Estados Unidos, a Mad era a mais bem-sucedida das revistas do gênero no país - fez bastante sucesso também no Brasil, onde chegou na década de 70, ao contrário da National Lampoon, que nunca deu as caras por aqui.

A Warner entrou em contato com Bill Gaines, editor norte-americano da revista, pedindo que "emprestasse" seu título para uma comédia nonsense, para tentar faturar em cima do sucesso de "Clube dos Cafajestes". Tinha tudo para dar certo. Mas não deu.

Escrito por dois sujeitos vindos da TV, Tom Patchett (criador do seriado "ALF, o Eteimoso") e Jay Tarses, REBELDES DA ACADEMIA conta a história de quatro garotos-problema enviados por suas famílias para a Academia Militar Sheldon R. Weinberg.

Eles são Chooch (Ralph Macchio, molecão e em sua estréia no cinema), o filho de um mafioso; Hash (Tommy Citera), um garoto árabe e cleptomaníaco; Ike (Wendell Brown), jovem negro filho de um tele-evangelista, e que está se relacionando com a madrasta, e Oliver (Hutch Parker), filho de um importante político que concorre à reeleição, e que resolve mandar o garoto para o quartel na expectativa de que ele pare de criar problemas que ameacem sua candidatura.

Na academia, o quarteto vai comer o pão que o diabo amassou nas mãos do Major Vaughn Liceman (Ron Leibman, de "Matadouro Cinco"), aquele típico comandante sádico, embora atrapalhado, que gosta de transformar a vida dos recrutas num inferno - espécie de embrião para o Comandante Harris da série "Loucademia de Polícia".

Antes de mais nada, esqueça que REBELDES DA ACADEMIA se passa numa academia militar. Diferente da já citada franquia "Loucademia de Polícia", em que a ambientação justificava as piadas com o modo de vida militar e o duro treinamento dos cadetes, aqui tanto faz o fato de a trama se passar num quartel, considerando que raríssimas vezes o roteiro se aproveita do cenário - a mesma trama poderia se passar numa faculdade de engenharia ou num campo de treinamento de terroristas do Al-Qaeda sem grandes modificações.

Acompanhe: ao invés de criar piadas sobre o rigor da rotina militar, a exemplo do que filmes como "Recrutas da Pesada" e "Loucademia de Combate" fariam alguns anos depois, REBELDES DA ACADEMIA prefere enfocar o conflito de um dos jovens (Oliver) com o Major Liceman, que inexplicavelmente se apaixona pela namorada do garoto, Candy (a gracinha Stacey Nelkin, de "Halloween 3"). Claro, numa daquelas forçadas de barra tremendas de roteiro ruim, Candy também foi enviada para uma escola militar feminina, e que fica a apenas alguns metros daquela que o namoradinho frequenta!

Só para dar uma ideia do nível geral das piadas, a academia também tem um professor gay de dança (Tom Poston) e uma professora gostosa (a Sra. Ringo Starr Barbara Bach, de "A Ilha dos Homens-Peixe") que leciona sobre armamentos usando expressões de duplo sentido que envergonhariam até a equipe de roteiristas do programa Zorra Total. Peraí: professor gay de dança e professora gostosa de armamentos numa academia militar??? Pois é...

Ah, quase esqueci de comentar que o diretor do local é o Comandante Causeway (Ian Wolfe, de "THX 1138"), um velhote que sempre solta um sonoro e fedorento peido toda vez que aparece em cena. Deu para sacar o nível das "piadas"? Nem colocando uma claque estilo Chaves alguém riria dessas coisas!

Além da dupla de roteiristas, um dos grandes culpados por esta catástrofe é o diretor Robert Downey, pai de um certo Robert Downey Jr. (o próprio Homem de Ferro). Downey Pai nunca foi um cineasta brilhante, mas em REBELDES DA ACADEMIA ele se superou: com sua mão pesada e falta de ritmo, o sujeito consegue estragar até as poucas piadas que PODERIAM ter ficado engraçadas!

Uma coisa que nem Downey Pai e nem os roteiristas Patchett e Tarses entenderam é que o humor da revista Mad era essencialmente visual e nonsense, e não tanto verbal. Infelizmente, não é o que se vê no filme, que abusa dos trocadilhos intraduzíveis (o nome "Hash", por exemplo, é uma gíria em inglês para maconha) e expressões de duplo sentido no nível do Pânico na TV.

Produções posteriores roteirizadas e dirigidas pelo trio Jim Abrahams e David e Jerry Zucker, como "Apertem os Cintos, O Piloto Sumiu", "Top Secret" e "Corra que a Polícia Vem Aí!", fazem este tipo de humor nonsense estilo revista Mad de maneira muito mais eficiente, tanto que seria mais fácil aceitar um "Mad Magazine Presents Top Secret" do que esta patuscada aqui...

Algumas raras piadas visuais em REBELDES DA ACADEMIA, só para dar uma ideia: a banda que canta num baile na academia (não pergunte...) é tão desafinada que quebra todos os vidros no recinto e até o próprio quadro do filme; as aparições do vilanesco Major Liceman são sempre precedidas de uma sonora ventania e pelos acordes de "Gimme Danger", de Iggy Pop & The Stooges; e o cachorro de Liceman também usa farda militar, num plágio descarado do cão do Sargento Tainha nos quadrinhos do Recruta Zero! Risadas amarelas ecoam pela sala de cinema ou da casa.

O Major Liceman também tem o irritante hábito de fazer os recrutas repetirem dezenas de vezes a mesma resposta gritando "Say it again! Say it again!", e isso deveria ser engraçado. Pelo menos na cabeça dos realizadores.

Talvez alguém possa considerar um ponto positivo o fato de o filme não ter medo de ser "politicamente incorreto". Há piadas bem fortes (para os padrões atuais) sobre negros, árabes e homossexuais, uma tirada envolvendo um aborto forçado e ainda a sugestão de um romance entre a professora gostosa e um dos garotos, Ike. Mas o mau gosto não salva o conjunto.

No roteiro, inclusive, a relação entre Ike e a professora era ainda mais erotizada, com direito a cenas de nudez (quando o garoto espiava a mulher tomando banho) e sexo. Mas essa subtrama foi cortada quando os produtores acharam que era pegar pesado demais!

Assim, REBELDES DA ACADEMIA é um daqueles exemplos constrangedores de comédia em que você ri mais da vergonha alheia, da falta de graça e do filme em si do que das piadas - até porque raríssimas piadas são realmente novas, chegando-se ao cúmulo de mostrar um homem travestido com roupas íntimas femininas como se fosse a coisa mais engraçada do mundo.

Enfim, o resultado é tão ruim, mas TÃO ruim, que um dos atores principais, Ron Leibman, exigiu que seu nome fosse retirado dos créditos, prevendo o fiasco que seria quando a bomba chegasse aos cinemas. Curiosamente, ele não fez a mesma coisa com o igualmente constrangedor "Rhinestone - Um Brilho na Noite", de Bob Clark!

Os próprios editores da Mad ficaram tão desencantados quando o filme estreou que publicaram um editorial na revista desculpando-se com seus leitores pelo fiasco da obra - e, diz a lenda, o editor Bill Gaines respondeu pessoalmente a cada carta enviada que reclamasse da qualidade do filme.

Além disso, Gaines pagou caro (30 mil dólares, à época) para eliminar toda e qualquer referência à revista no filme e no seu material de divulgação quando ele fosse lançado em VHS ou exibido na televisão.

Porque, originalmente, REBELDES DA ACADEMIA se chamava "Mad Magazine Presents Up the Academy", na linha de "National Lampoon's Animal House", mas acabou só "Up the Academy" no vídeo. As aparições do mascote da revista, Alfred E. Neuman (aquele garotinho sardento e banguela, que ganha vida com efeitos de maquiagem do mestre Rick Baker!), também foram retiradas da edição.

Em entrevista publicada em 1983, Bill Gaines tentou justificar a ruindade do filme. Segundo ele, a Warner enviou para a redação da revista um roteiro ruim para um filme que teria o nome "Mad apresenta" no título.

Gaines e sua equipe recusaram e o próprio time de redatores da revista escreveu um roteiro para o filme, mas dessa vez foram os produtores que não gostaram. No final, a Warner fez um remendão com ideias de um e de outro roteiro, mas sem acatar as várias sugestões feitas posteriormente pela equipe da Mad.

"Paguei 30 mil para a Warner tirar o nome da Mad das versões para o mercado doméstico, e foram 30 mil bem investidos!", declarou Gaines nesta entrevista. Demonstrando humildade, a Mad também publicou uma das suas populares sátiras de filmes com o próprio REBELDES DA ACADEMIA (veja abaixo), fazendo graça da ruindade da obra, e em apenas duas páginas (a sátira termina com uma troca de bilhetes entre os desenhistas e o editor, reclamando que o filme era péssimo demais até para ser satirizado!).

Como sempre acontece com produções tão ruins e problemáticas, REBELDES DA ACADEMIA ganhou um ar de "filme de culto", com débeis mentais promovendo sessões justamente para espinafrar a falta de graça do negócio.

Nos anos 1990, depois da morte do editor Gaines, a Warner colocou de volta todas as referências à Mad para exibições do filme na TV a cabo e no seu relançamento em DVD. O pobre Gaines deve estar se revirando no túmulo...

Agora, se há algo de bom em REBELDES DA ACADEMIA é a sua trilha sonora. Inclusive a trilha é tão boa que chega a ser ofensivo que tenha sido utilizada num filme tão ruim. Começa já com a ótima música dos créditos iniciais, "Kicking Up A Fuss", do Blow-Up (clique para ouvir), repetida até cansar ao longo do filme; tem o já citado The Stooges, mais "Night Theme" (Iggy Pop), "X Offender" e "One Way Or Another" (Blondie), "Yes Sir, No Sir" (The Kinks), "Street Hassle" (Lou Reed), "Bad Reputation" (Sammy Hagar), entre outras. Ou seja, a bagaça vale mais pela música do que por qualquer outra coisa!

Se a National Lampoon continua "apresentando" filmes até hoje (alguns tão ruins quanto REBELDES DA ACADEMIA, ou piores!), o pessoal da Mad aprendeu a lição e nunca mais emprestou seu nome para nenhuma outra presepada do gênero, embora tenham produzido o seriado televisivo "MADtv" (uma espécie de TV Pirata lá dos EUA) entre 1995 e 2009.

Para dar uma ideia de como o episódio maculou a imagem da revista, imagine um equivalente aqui no Brasil: "Chiclete com Banana Apresenta Muita Calma Nessa Hora", ou "Geraldão Apresenta Os Normais 2". Não é de cortar os pulsos?

Por tudo isso, torna-se irônica uma das imagens mais populares do mascote da Mad, Alfred Neuman, que é aquela em que ele se questiona: "Eu, me preocupar?". Bem, caro Neuman, no caso da ruindade de REBELDES DA ACADEMIA e do estrago que isso provocou na imagem da sua revista, eu me preocuparia sim. E muito!

"Say it again!"

"Say it again!"

"Say it again!!!"

PS: Um Robert Downey Jr. ainda moleque faz uma ponta como um dos garotos que joga futebol com a turma da academia lá pela metade do filme.

Trailer de REBELDES DA ACADEMIA

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Mad Magazine Presents Up the Academy (1980, EUA)
Direção: Robert Downey
Elenco: Ralph Macchio, Wendell Brown, Tommy Citera,
Hutch Parker, Ron Leibman, Barbara Bach, Ian Wolfe,
Tom Poston, Stacey Nelkin e Antonio Fargas.

ORGIA DA MORTE (1965)

2012-01-15T18:00:00.000-08:00

No começo dos anos 1960, o produtor de cinema búlgaro Stephen C. Apostolof resolveu tentar a sorte no mercado de cinema sexploitation de Hollywood. Foi quando seu amigo e diretor de fotografia William C. Thompson disse que conhecia alguém especializado em fazer filmes baratos e rápidos. Seu nome: Edward D. Wood Jr. Ou simplesmente Ed Wood.

Thompson, que tinha sido diretor de fotografia de quase todos os filmes de Wood (inclusive os famigerados "Plan 9 From Outer Space" e "Glen or Glenda?"), marcou um almoço para que Apostolof e Ed se conhecessem, num restaurante que costumava reunir a nata do cinema em Los Angeles. Imaginem a surpresa do búlgaro quando Wood apresentou-se vestindo suéter angorá, saia acima dos joelhos, peruca loira e bigode!

Foi dessa forma meio torta (e definitivamente engraçada) que Apostolof e Wood se conheceram e iniciaram uma bizarra parceria: o primeiro produzia e dirigia a preço de banana, o segundo escrevia roteiros escalafobéticos com temáticas cada vez mais absurdas. E o primeiro trabalho da dupla foi o inacreditável ORGIA DA MORTE - tradução brasileira infeliz para "Orgy of the Dead", ou "Orgia dos Mortos".

ORGIA DA MORTE pode ser definido como a mais porca desculpa da história do cinema para se fazer um longa-metragem. Também pode ser definido como um dos roteiros mais estúpidos e sem propósito já "escritos" por Wood, pior até do que o já célebre "Plan 9" (que pelo menos tinha algo próximo de uma narrativa, algo que não existe aqui).

Além disso, o projeto é uma das mais esdrúxulas reuniões de "talentos" (ou "desprovidos de..."), juntando num mesmo balaio strippers, o pseudo-médium Criswell (!!!) e dois manés com fantasias de carnaval de lobisomem e múmia! ]

E sabe o quê? Por tudo isso, o filme é divertidíssimo de tão tosco e sem-vergonha - mais um autêntico "Filme para Doidos" em sua mais pura essência!

Embora tenha sido dirigido e produzido por Apostolof (espertamente escondido atrás do pseudônimo "A.C. Stephen"), ORGIA DA MORTE é puro Ed Wood. Tudo que caracteriza o cinema do célebre cineasta aparece no filme: os erros grosseiros de continuidade (dia vira noite e depois vira dia novamente), o elenco habitual de Wood (Criswell e uma dublê de Vampira, recrutada quando a original pulou fora do projeto!) e os diálogos ridículos sendo declamados com empolgação shakesperiana pelos "atores".

É muito fácil e rápido falar sobre a "trama", porque, na verdade, ela não existe: a exemplo de "Plan 9" e "Night of the Ghouls", duas obras anteriores escritas e dirigidas por Wood, ORGIA DA MORTE começa com um close na fuça de Criswell, que "acorda" dentro de um caixão e levanta-se para o seu tradicional discurso sem pé nem cabeça (algo que José Mojica Marins copiaria posteriormente nas aberturas dos filmes do Zé do Caixão).

Visivelmente lendo textos escritos em cartazes ou cartões atrás da câmera (perceba os movimentos dos olhos, que ele nem tenta disfarçar), e com a maior cara de encachaçado, o ator-apresentador anuncia: "Eu sou Criswell. Durante anos, tenho dito coisas quase inacreditáveis, relatado o irreal e mostrado que ele é mais do que um fato. Agora vou contar uma história sem limites, tão surpreendente que alguns de vocês podem até desmaiar. Esta é a história de pessoas na hora do crepúsculo. Uma vez humanos, agora monstros, presos entre a vida e a morte. Monstros para sentir pena, monstros para desprezar. Uma noite de assombrações, que renascem das profundezas do mundo".

(E Wood é tão sem-vergonha que simplesmente reproduziu o mesmo discurso inicial do mesmo Criswell em um filme anterior, "Night of the Ghouls", cujo título inclusive é citado na última frase proferida pelo personagem!!!)

Corta para o carro do nosso casal de protagonistas, e você sabe que está vendo um legítimo filme de Ed Wood (embora ele não seja o diretor aqui) quando os planos gerais foram filmados à luz do dia e os planos médios dos atores na escuridão da noite!!!

Nossos "heróis" são o casal Bob (William Bates, no primeiro de seus dois filmes) e Shirley (Pat Barrington, que a partir de então se transformaria numa estrelinha do cinema sexploitation). Ele é um escritor de histórias de horror em busca de um velho cemitério onde pretende conseguir inspiração (não pergunte...); ela é uma ruivinha deliciosa, mas infelizmente chata e resmunguenta.

Antes que a ação comece, segue-se um diálogo hilário entre o casal:
- Visitar um cemitério numa noite como essa deve dar muitas ideias para uma boa história de horror.
- Mas tem tantas coisas boas para escrever, Bob.
- É claro que tem, e eu tentei todas elas. Peças de teatro, histórias de amor, westerns...
- Mas histórias de horror? Por que histórias de horror?
- Shirley, eu escrevi durante anos sem conseguir vender uma única palavra. Meus monstros me fizeram bem. Você acha que devo desistir deles para escrever sobre árvores, cachorros ou margaridas?

(Inclusive percebe-se algo de auto-biográfico no personagem de Bob, já que o próprio Ed Wood fez tudo isso - peças teatrais, romances, westerns... -, mas acabou mais lembrado pela sua "contribuição" ao cinema fantástico, escrevendo e dirigindo histórias de horror e ficção científica.)

Perto dali, num velho cemitério abandonado (que conveniente!), o Imperador das Trevas (Criswell, quem mais?) desperta do túmulo ao lado de sua amada/criada, a Princesa das Trevas (quanta inspiração, Wood!), vivida pela deliciosa Fawn Silver. Nos créditos, a moça aparece batizada como "Black Ghoul".

Pelo figurino e pelo estilo, o cinéfilo com um mínimo de conhecimento da obra de Wood vai perceber que o papel da moça foi escrito para Maila Nurmi, na época popular como a personagem Vampira, com a qual apresentava filmes de horror na TV. Vampira havia trabalhado com Ed em "Plan 9" e sabiamente pulou fora desse filme aqui, mas os produtores resolveram criar uma personagem semelhante para deixar bem claro que a intenção inicial era ter Vampira no elenco!

(Mais um adendo: sabe-se que Maila processou Cassandra Peterson anos depois, alegando que a personagem desta, a popular Elvira, era um plágio de Vampira. Ora, quem devia ter processado Cassandra era a pobre Fawn Silver, pois Elvira é uma cópia cuspida e escarrada da "Black Ghoul" de ORGIA DA MORTE, no traje, no penteado e até nos peitões!!!)

Voltando ao filme: de tempos em tempos, em noites de lua cheia, o Imperador das Trevas sai do túmulo para julgar as "almas condenadas" dos recém-falecidos, obrigadas a humilhar-se diante dele para sua diversão e satisfação.

No papel parece bonito; na prática, o que veremos pelos próximos 60 minutos são meninas entrando e saindo de um cenário fuleiro imitando cemitério para fazer shows de strip-tease (!!!); esporadicamente, cansado de ver peitos balançando, o Imperador das Trevas ordena que seus súditos torturem algumas delas, mas são cenas fuleiras e sem nenhum valor sádico ou masoquista.

Sim, e você leu corretamente: apenas "almas condenadas" de MENINAS são julgadas durante o filme e obrigadas a dançar e tirar a roupa diante do Imperador e da Princesa das Trevas. O personagem de Criswell justifica isso rispidamente - "E quem quer ver um homem dançar?" -, uma explicação com a qual eu concordo plenamente.

Quando o carro de Bob e Shirley capota na estrada (não havia dinheiro para filmar o desastre, então quem "capota" é a câmera, girando várias vezes para simular o acidente), eles são aprisionados pelas forças do mal e obrigados a acompanhar a dancinha das strippers até o restante do filme, quando a Princesa das Trevas pretende sacrificá-los para a sua própria diversão (aparentemente, ela não curte strip-teases como o seu mestre).

É impossível o leitor ter uma ideia da pobreza e do absurdo de ORGIA DA MORTE sem realmente ver o filme. O argumento não passa disso (casal aprisionado é obrigado a assistir terríveis shows de strip-tease de "almas condenadas" - todas elas gostosas e peitudas, claro!), e deve haver uns 20 ou 30 diálogos O FILME INTEIRO, com o restante da narrativa sendo preenchida pelas mulheres nuas dançando e sacudindo os peitos, ao som de uma trilha sonora que é impossível de definir, de tão "excêntrica"!!!

A obra se encaixa num subgênero do sexploitation conhecido como "nudie-cuties", ou simplesmente "nudies". Realizados antes da popularização dos pornôs softcore e (posteriormente) hardcore, os nudies limitavam-se a mostrar mulheres nuas, mas em tal quantidade que a história ficava em segundo, até terceiro plano - histórias que se passavam em campos nudistas, por exemplo, eram bem comuns e livraram o diretor ou roteirista de pensar numa justificativa para pelar a mulherada.

ORGIA DA MORTE é por aí: após filmar 10 minutinhos que servem apenas como desculpa narrativa, os realizadores devem ter percorrido todas as casas de "shows adultos" da região em busca de strippers que trabalhassem por miséria.

São 10 números de dança ao longo do filme, e as caracterizações das moças são simplesmente hilárias: elas aparecem vestidas como índias, espanholas, havaianas e lá pelas tantas aparece uma fantasiada de gatinho (!!!), que tira a roupa enquanto toma chicotadas de um dos servos do Imperador das Trevas!!!

Menos mal que todas as meninas são gostosas pra caramba, e se os showzinhos ficam no limite entre o cômico e o brochante, pelo menos a variedade de peitos (grandes, pequenos, firmes, caídos...) garante a atenção do público masculino.

A própria Pat Barrington aparece num segundo papel, com cabelo loiro, e, graças ao milagre da edição, dança diante dela mesma. Em cena chupinhada de "007 Contra Goldfinger", a dançarina é castigada por sua "ambição" (não pergunte...), sendo mergulhada num caldeirão com ouro derretido, de onde sai com o corpo todo dourado!

As outras delícias em cena são Mickey Jines, Barbara Nordin, Bunny Glaser, Nadejda Klein, Coleen O'Brien, Lorali Hart (aka Texas Starr), Rene De Beau, Stephanie Jones e Dene Starnes. A Princesa das Trevas Fawn Silver infelizmente não tira a roupa.

A "carreira" das moças não foi muito adiante (pelo menos fora das casas de strip-tease), mas duas viraram celebridades cult com o tempo: os peitões de Lorali/Texas Starr foram motivo de piada em dois filmes da série "Corra que a Polícia Vem Aí!" e motivo de punheta no pornô "Mature Women"; já a búlgara Nadejda continuou fazendo filmes, e em 2011 foi ressuscitada com um pequeno papel em "Mega Python vs. Gatoroid"!

Além de Criswell, da clone de Vampira, do casal de "mortais" e das strippers, ORGIA DA MORTE também conta com dois tosquíssimos monstros que aparecem como servos do Imperador das Trevas - um lobisomem e uma múmia.

Ambos funcionam como "alívio cômico", fazendo piadinhas e comentários sem graça entre as dancinhas, mas podiam até ficar de boca fechada, pois seu figurino pobretão já garante as risadas naturalmente - com destaque para o lobisomem que, em certo momento, levanta a cabeça e exibe ao espectador o pescoço limpinho do ator, onde o maquiador esqueceu de colar pêlos...

Na conclusão da "trama", a luz do sol chega para salvar Bob e Shirley de um triste destino. Os raios solares transformam todas as assombrações em esqueletos, e é curioso como Apostolof repete um erro grosseiro que Wood havia feito em "Plan 9": quando Criswell se dissolve, resta apenas um esqueleto com a capa que o personagem vestia, como se ele estivesse pelado por baixo da capa!!!

Outra referência a "Plan 9" é o fato de Criswell entrar em cena segurando a capa em frente ao rosto, como fazia o dublê de Bela Lugosi em "Plan 9" (lembre-se que ele precisava esconder o rosto por não ser nada parecido com o falecido ator!).

Acredito até que Wood escreveu o personagem do Imperador das Trevas pensando no já falecido Lugosi para o papel. Até porque Criswell veste uma capa originalmente usada por Lugosi em "Bud Abbott Lou Costello Meet Frankenstein" (1948).

De dancinha em dancinha, de peitos desnudos em peitos desnudos, surgem aqueles hilários diálogos que somente Ed Wood sabe escrever. Como Criswell questionando a presença de Bob e Shirley no cemitério: "Vivos onde apenas os mortos deveriam estar?". Ou esta acachapante conversa entre o casal amarrado e prestes a morrer:

Uma bela hora para discutir a relação

Nos créditos iniciais, Ed Wood aparece como autor do roteiro "baseado em seu livro 'Orgy of the Dead'"! E eu confesso que sempre fiquei me perguntando como poderia haver um livro disso, considerando que 80% do filme são meninas tirando a roupa.

Recentemente, descobri que "Orgy of the Dead", o livro, foi publicado na mesma época em que o filme chegou aos cinemas, numa espécie de "venda casada", e na verdade não é uma novelização da trama de ORGIA DA MORTE, mas sim uma coletânea de contos de Wood (incluindo os famosos "The Night the Banshee Cried" e "The Final Curtain").

No caso, os contos ocupam, no livro, o espaço que as dancinhas ocupam no filme. A primeira edição tinha prefácio assinado por Forrest J. Ackerman, como você pode ver na reprodução da capa ao lado (e eu definitivamente compraria um livro com essa capa e esse título!).

O diretor Apostolof trabalharia com roteiros de Wood em diversos outros filmes, progressivamente piores, como "Drop Out Wife" (1972) e "The Beach Bunnies" (1976).

Cada vez mais miserável, Ed entregou-se ao alcoolismo e fez um último trabalho como cineasta, o pornô "Necromania", em 1971. Ele morreu de ataque cardíaco em 1978; Apostolof faleceu recentemente, em 2005.

Alguns anos antes de falecer, Apostolof gravou uma entrevista falando sobre ORGIA DA MORTE, e explicou que seu sonho era fazer uma continuação contemporânea do filme (!!!), em que pretendia explicar detalhes do original, como a relação entre a múmia e o lobisomem (palavras do próprio diretor). A história se passaria no futuro, no ano 3000 (!!!), e teria menos shows de strip-tease e mais narrativa.

(In)Felizmente, ele morreu sem realizar seu sonho, mas deixou como legado esse impressionante trash movie, um daqueles filmes inacreditáveis e charmosos exatamente pela ruindade.

Considerando que quase não há história nem diálogos, eu recomendo exibições de ORGIA DA MORTE em telões ao fundo de shows de rock (as imagens casariam perfeitamente com um show da banda Damn Laser Vampires, por exemplo), ou em bares com temática de rock e cinema fantástico, como o (atualmente fechado) Astronete em São Paulo.

Mas uma qualidade do filme eu preciso ressaltar: mesmo com a ruindade generalizada em todos os departamentos, o uso de cores vivas nas cenas ("In shocking SEXICOLOR", anunciava o pôster de cinema) é impressionante, lembrando a fotografia nas obras de diretores italianos como Mario Bava e Dario Argento - especialmente o vermelho, sempre presente em detalhes do figurino ou da maquiagem das meninas, e no cabelo de Shirley.

Já o restante irá apetecer apenas aos fãs de sacanagem (embora as dancinhas de topless sejam bem inocentes para os padrões atuais) e de trash movies. Não sem motivo, outro notório diretor de tralhas esteve envolvido na produção: Ted V. Mikels (responsável por "The Astro-Zombies"!!!) assumiu o cargo de assistente de direção que pertencia a Ed Wood, quando Apostolof expulsou o roteirista do set por encher a cara durante as filmagens!

Por tudo isso, e já me estendi demais, ORGIA DA MORTE é um daqueles filmes cujo fascínio é difícil de explicar.

Você pode até odiar a si mesmo enquanto estiver assistindo essa porcaria, pode até acionar a tecla Fast Foward incontáveis vezes até os créditos finais começarem a subir, mas com certeza se pegará pensando nas imagens (e nas bobagens) nos dias seguintes, até surgir uma incrível vontade de rever, nem que seja para mostrar para os amigos, para eles rirem junto.

Portanto, prepare-se para ser hipnotizado por ORGIA DA MORTE você também - ou, no mínimo, curtir oitenta e poucos minutos de mulheres gostosas fazendo strip-tease sem a necessidade de gastar grana num puteiro!

UPDATE: Hugo Malavolta, leitor contumaz do FILMES PARA DOIDOS e enciclopédia viva sobre cinema mundial, acaba de enviar para o meu e-mail duas incríveis fotos dos bastidores das filmagens dessa tralha. Não sei de onde ele tirou, mas não duvidaria se Hugo tivesse participado das gravações em pessoa. A primeira mostra a gostosa da Pat Barrington sendo pintada de dourado para a cena chupada de "Goldfinger"; na segunda podemos ver o diretor de fotografia Robert Caramico em ação. Valeu, Malavolta!

Melhores momentos de ORGIA DA MORTE

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Orgy of the Dead (1965, EUA)
Direção: A.C. Stephen (aka Stephen C. Apostolof)
Elenco: Criswell, Fawn Silver, Pat Barrington,
William Bates, Mickey Jines, Bunny Glaser,
Nadejda Klein e Texas Starr (aka Lorali Hart).

* A quem interessar possa, esta foi a capinha (feia pra caralho!) do filme quando lançado em VHS no Brasil pela famigerada Continental, reconhecidamente uma das piores distribuidoras do país:

MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO (1983)

2012-01-10T06:39:00.000-08:00

É com MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO que começa o MITO Chuck Norris. Antes ele já tinha estrelado várias aventuras, algumas muito acima da média até. Mas você consegue ver Steven Seagal no lugar de Chuck como o Sean Kane de "Ajuste de Contas". Ou Jason Statham como o Josh Randall de "Golpe Mortal". Ou ainda um Clint Eastwood quarentão estrelando "Os Bons Se Vestem de Negro".

A partir de MCQUADE, entretanto, torna-se impossível separar astro e personagens: ele VIVE os heróis de maneira que fica impossível dissociá-los. Stallone jamais poderia ser Braddock; Schwarzenegger não convenceria como o Major McCoy, de "Comando Delta". Mas, principalmente, não consigo imaginar nenhum outro ator na pele do ranger barbudo, sujo e mal-encarado J.J. McQuade - talvez o melhor personagem de toda a carreira de Chucko.

O irônico é que este filme não foi desenvolvido pensando nele, mas sim como um projeto originalmente estrelado por Kris Kristofferson! Quando Kris pulou fora - para estrelar o interessante, mas muito inferior "Por Trás de um Assassinato" -, Norris entregou-se de corpo e alma ao papel. Como eu falei lá atrás, Chuck Norris É J.J. McQuade, e você simplesmente não engoliria um outro ator no papel (e espero que pensem bem nisso antes de sequer cogitarem um remake do filme).

MCQUADE também é, disparado, o grande trabalho dessa primeira fase da carreira do ator, que vim analisando na última semana. Eu sempre tive um carinho muito grande pela obra desde moleque, quando foi exibido no SBT, mas é revendo-o agora, como adulto, que percebo com mais clareza a qualidade do conjunto da obra.

(Só uma rápida interrupção: não é irônico que "Ajuste de Contas" e MCQUADE tenham sido tantas vezes exibidos pelo SBT, mas lançados em vídeo pela GLOBO Vídeo???)

Bem, para começo de conversa, este trabalho do Chucko também é um dos mais belos tributos ao western spaghetti já feitos, superior até à homenagem feita por Tarantino em "Kill Bill".

E isso fica muito evidente desde os créditos iniciais, que trazem imagens de rotoscopia e freeze frames de um lobo correndo pela planície (emulando as vinhetas animadas dos faroestes italianos, tipo "Por um Punhado de Dólares"), e nomes dos atores escritos com uma fonte típica de western, tudo sublinhado pela MA-RA-VI-LHO-SA trilha sonora do mestre italiano Francesco De Masi .

E se só os créditos iniciais já deixam qualquer fã de western spaghetti empolgado, espere só para ver a cena de abertura: vestido como um autêntico cowboy do século 19, o Texas Ranger McQuade observa, pela mira telescópica do seu rifle, a ação de um grupo de ladrões de cavalo na fronteira com o México, desde o momento em que eles organizam a "carga" até uma ação desastrada de um grupo de policiais, que são facilmente mortos ou subjugados pelos bandidos. Finalmente, nosso herói intervém e salva alguns dos homens da lei, explodindo carros com tiros de rifle, quebrando dentes a chutes e massacrando quase todos os bandidos com tiros de metralhadora.

Descontando alguns elementos evidentemente modernos, como as metralhadoras Uzi, os veículos motorizados e um helicóptero, parece que o que estamos vendo é um autêntico filme de faroeste, e o diretor Steve Carver demonstra ser um grande conhecedor do gênero ao usar closes nos olhos e no rosto dos personagens, e ações embaladas pela trilha sonora de Francesco De Masi. Simplesmente perfeito.

Embora tenha eliminado a quadrilha, prendido o chefão dos bandidos e salvado a vida dos policiais aprisionados, McQuade leva uma puta mijada do seu superior, que acha que o herói precisa ter uma imagem mais apresentável (em outras palavras, limpinha, perfumada e barbeada), agir mais burocraticamente e, pasmem, frequentar a igreja e formar família.

Claro que McQuade é aquele tipo de ranger que prefere defender a lei à moda antiga - ou seja, à bala -, e sempre agindo sozinho, por isso o apelido "lobo solitário". É um legítimo personagem de western italiano: fala pouco, está sempre barbudo e coberto de poeira, e raramente - para não dizer jamais - dá um sorriso. Para fazer jus ao apelido, prefere viver sozinho numa cabana bagunçada e suja, acompanhado apenas de um lobo de estimação, e onde passa o dia treinando tiro em alvos de madeira.

E vou além: J.J. McQuade é um personagem tipicamente Sam Peckinpah-esco. Afinal, um tema que permeia todos os trabalhos de Bloody Sam também tem bastante destaque aqui: o herói ultrapassado, símbolo de um passado recente, que recusa-se a viver no "presente" e prefere resolver as coisas à moda antiga.

Ora, McQuade é um autêntico dinossauro, daquele tipo que pensa ainda estar no Velho Oeste, onde qualquer dilema poderia ser resolvido à bala, sem as amarrar burocráticas da lei. Ele é um sujeito que vive fora do seu tempo, e a cena que sintetiza isso é aquela em que o ranger olha entre desconfiado e assustado quando um colega tenta "encontrar pistas" utilizando um computador!

A diferença é que se nos filmes de Peckinpah os heróis "ultrapassados" geralmente encontravam a morte diante da modernidade (como no final de "Meu Ódio Será Sua Herança", em que os pistoleiros tentam enfrentar a "moderna" metralhadora), aqui o ranger à moda antiga representa a única solução em tempos "modernos", mas ainda bárbaros sob o manto da "civilidade".

(Parece até que Peckinpah deu umas escapadinhas do set de "O Casal Osterman", filmado no mesmo ano, para trocar umas ideias com Steve Carver e sugerir-lhe algumas características para o herói McQuade...)

Mas, apesar de durão e casca-grossa, o "lobo solitário" tem uma ex-esposa (Sharon Farrell, de "Nasce um Monstro") e uma bela filha adolescente, Sally (a gracinha Dana Kimmell, que um ano antes enfrentou Jason em "Sexta-feira 13 - Parte 3").

Certa noite, Sally e seu namoradinho vão curtir um momento romântico no deserto e dão o azar de testemunhar o roubo de um carregamento de armas do Exército. Os bandidos são liderados pelo sádico Rawley Wilkes (David Carradine!), um campeão europeu de karatê que adora exibir suas habilidades - e dirige um veículo cuja placa diz "Karate"!!! Como o grupo não pode deixar testemunhas, o rapaz é metralhado e o carro em que Sally está é jogado de um penhasco.

A moça sobrevive por detalhes, e, ao descobrir o que fizeram com sua filha, McQuade fica furioso e começa a investigar quem são os responsáveis, ajudado/atrapalhado pelo policial Kayo (Robert Beltran), um dos homens da lei que ele salvou no começo do filme, e por um ranger veterano chamado Dakota (L.Q. Jones).

Lá pelas tantas, também entra em cena a belíssima nicaraguense Barbara Carrera, interpretando Lola Richardson, a amante de Wilkes, que acaba trocando de lado e passando para a cama de McQuade. Barbara era a grande "sex symbol latina" dos anos 1980 e uma musa da minha infância/adolescência - o equivalente, hoje, a Jennifer Lopez e Salma Hayek, mas muito mais linda, gostosa e talentosa.

A delícia protagoniza duas cenas fantásticas em MCQUADE, uma extremamente sensual e outra de muito mau gosto. A primeira é o rala-e-rola com o herói: ele é tão durão que se atraca com a moça no meio da lama mesmo! Já a cena de mau gosto acontece quando, após trocar um único beijo com McQuade, Lola assume o papel de esposa, enfurecendo o ranger ao fazer faxina em seu casebre, chegando ao cúmulo de jogar toda a sua comida gordurosa e cervejas no lixo, trocando-a por vegetais e vitaminas!!!

(No mesmo ano, Barbara Carrera enfrentaria outro grande herói, o James Bond interpretado por Sean Connery em "Nunca Mais Outra Vez", conquistando um lugar de honra na galeria das Bond Girls mais fogosas!)

Na conclusão, MCQUADE abandona um pouco o tom de western para virar uma aventura exagerada e barulhenta, como já havia acontecido antes em "Ajuste de Contas", o filme anterior que Carver dirigiu com Chuck Norris.

Aí McQuade, Kayo e um terceiro ajudante, o agente do FBI Jackson (Leon Isaac Kennedy), armam-se até os dentes com pistolas, metralhadoras e bazucas para enfrentar o exército de Wilkes numa "hacienda" mexicana. E tome granadas, tiros, explosões, mortos e feridos, num daqueles finais apoteóticos e exagerados que os filmes de ação dos anos 1980 adoravam mostrar. Claro que tudo evolui para uma luta final entre Norris e Carradine - depois que o vilão tenta deter o herói com um... tanque de guerra?!?.

Hoje pode até parecer difícil mensurar a importância desta luta final para os fãs do gênero daquele período, mas vale lembrar que não apenas Chuck Norris era um talentoso campeão de karatê, como Carradine era um hábil lutador de kung fu, arte marcial que começou a praticar depois de estrelar o popular seriado "Kung Fu", na década de 70.

Sendo assim, o combate Norris versus Carradine foi algo na linha de um "Marvel Vs. DC". E ambos deixaram os produtores de cabelos em pé ao protagonizar a cena em carne e osso, sem o auxílio de dublês - como Chuck já havia feito com Bruce Lee em "O Vôo do Dragão".

O resultado é uma daquelas lutas de cair o queixo, bem filmada, extremamente bem coreografada e, principalmente, intensa, como se os dois atores estivessem realmente querendo machucar um ao outro - consta que Chuck chegou a reclamar com Carradine sobre a força dos seus chutes "cenográficos"!

McQuade versus Bill!

A luta, claro, ganha contornos épicos graças à música do italiano De Masi (veja o vídeo acima e se emocione), lembrando aqueles climáticos duelos finais dos filmes de Sergio Leone. Inclusive muito da riqueza e da beleza de MCQUADE vem da trilha sonora. Por exemplo, o tema romântico de McQuade e Lola, com coro feminino lembrando muito o tema de Claudia Cardinale em "Era Uma Vez no Oeste", é de arrepiar de tão lindo!

(De Masi foi um dos grandes compositores de temas de western spaghetti, ao lado de Morricone e Bruno Nicolai. Entre seus trabalhos, estão as belíssimas trilhas de filmes como "Vou, Mato e Volto", "Arizona Colt" e "Sete Dólares para Matar").

"Lola and McQuade Theme"

É uma pena que Steve Carver não tenha dirigido mais filmes com Norris, já que foi responsável por dois dos melhores da carreira do astro. É uma pena, também, que não tenha realizado outros westerns contemporâneos como este, em que usa e abusa da paisagem árida e desértica da cidade texana de El Paso, na fronteira com o México.

Na verdade, Carver não assinou outros trabalhos expressivos depois de MCQUADE - o mais memorável é "O Rio da Morte", com Michael Dudikoff, que ele dirigiu para a Cannon Films em 1989. Seu último filme é de 1996. E, enquanto isso, patetas como Rob Cohen e Stephen Sommers continuam arrumando emprego...

Quentin Tarantino deve ter visto MCQUADE várias vezes. Afinal, seu grande tributo ao western e aos filmes de artes marciais, "Kill Bill", divide com este filme o fato de ter David Carradine como grande vilão e de mesclar o clima de faroeste com exibições de artes marciais. Principalmente, ambos têm uma cena em que o herói é enterrado vivo!

Aqui, o próprio Norris acaba sendo sepultado sob toneladas de terra no interior do seu jipe, depois de apanhar feito cachorro de Carradine. Mas, por ser Chuck Norris, nem se abala: abre uma cervejinha no interior da sua "cova", engata a primeira no jipe e sai com a maior facilidade de debaixo da terra, numa cena hilária de tão absurda!

(Numa outra cena de ação, McQuade também fica pendurado no capô de um carro em alta velocidade, em momento que lembra bastante o que acontece com Zoe Bell em "À Prova de Morte".)

Para fechar a conta, MCQUADE tem todas aquelas frases prontas que tornam as aventuras de Norris ainda mais divertidas. Como quando o herói encara um guarda-costas em quem já bateu duas vezes e apenas pergunta, com sua característica cara de buldogue: "Quer tentar uma terceira vez?".

Ou quando o ranger dá uma sova em vários capangas de Wilkes que estavam surrando seus amigos. O vilão aparece cínico e tenta minimizar o negócio: "Os rapazes estavam apenas se divertindo". Aí McQuade olha para o vilão, novamente com aquela cara de cachorro bravo, e questiona: "E você? Quer se divertir também?".

Resumindo: MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO é um excelente filme de ação não só para a época em que foi feito, mas principalmente em comparação com todas essas porcarias que se faz hoje. É só analisar a qualidade do filme, a beleza da fotografia e o casamento perfeito entre a música e as imagens para perceber que o negócio é trabalho de artesão, feito com amor por um cara apaixonado por western, e não só para embolsar o cheque no final das gravações.

Além disso, a luta entre Norris e Carradine é uma coisa de louco, sem os exageros, cabos de aço, câmeras tremidas, dublês evidentes e cortes rápidos do cinema de ação atual - são três minutos de pancadaria que valem por "Os Mercenários" inteirinho!

E McQuade, como eu escrevi lá no começo, pode muito bem ser o melhor e mais interessante personagem que Chuck Norris interpretou em seus mais de 30 anos de carreira. Tanto que nunca conseguiu se livrar dele, e entre 1993 e 2001 interpretou um outro homem da lei durão no seriado televisivo "Walker, Texas Ranger".

Diz a lenda que o ranger do seriado seria o próprio McQuade originalmente, mas a emissora que o produziu (CBS) não tinha os direitos sobre o personagem, e então criou um outro, Cordell Walker, como uma espécie de "versão envelhecida" de McQuade. As semelhanças entre um e outro são tão evidentes que os realizadores de MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO entraram com um processo contra os criadores do seriado, resolvido posteriormente com um acordo entre as partes.

Infelizmente, o ranger televisivo não passava de um "McQuade da terceira idade", como se o herói do filme tivesse resolvido entrar nos eixos depois de todas aquelas pressões do seu superior, inclusive optando por andar ajeitadinho e prender os bandidos dentro da lei ao invés de enchê-los de chumbo. Porque, sabe como é, não se fazem mais heróis como antigamente...

Assim, com a resenha desse filmaço, completo essa maravilhosa MARATONA CHUCK NORRIS. Foi ótimo revisitar algumas obras que eu tinha visto originalmente há muito tempo atrás (como "Ajuste de Contas" e "Comboio de Carga Pesada").

Acompanhe o calendário de atualizações para ler as resenhas que perdeu:
COMBOIO DE CARGA PESADA (Breaker! Breaker!, 1977)
OS BONS SE VESTEM DE NEGRO (Good Guys Wear Black, 1978)
FORÇA DESTRUIDORA (A Force of One, 1979)
OCTAGON (The Octagon, 1980)
AJUSTE DE CONTAS (An Eye for an Eye, 1981)
GOLPE MORTAL (Forced Vengeance, 1982)
MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO (Lone Wolf McQuade, 1983)

O que aconteceu depois desse seleto grupo de filmes é bem conhecido: Norris, já transformado em super-astro mundial, assinou um contrato com a Cannon Films e foi, durante quase uma década, o seu principal e mais lucrativo astro. E a partir de então estrelou uma longa série de sucessos: "Braddock - O Super Comando", "Código do Silêncio", "Invasão USA", "Comando Delta", e por aí vai.

Mas todos eles ficam para uma próxima Maratona, pois o excesso de testosterona desta fez com que minha barba crescesse dez vezes mais rápido e minha voz engrossasse. Além disso, passei a acreditar que todos os problemas do dia-a-dia podem ser resolvidos com Rondhouse Kicks. Maldito Chuck Norris!

E se é uma pena que Chucko tenha se aposentado em 2005 com um filme extremamente convencional e indigno do seu talento ("Resgate de Risco"), ao mesmo tempo será ótimo poder rever o cara-de-buldogue na tela grande no futuro "Os Mercenários 2", em que Stallone finalmente conseguiu reunir o dream team do cinema de ação (só faltou Steven Seagal).

Seu personagem se chamará Booker (homenagem/citação a "Os Bons Se Vestem de Negro", talvez?), e eu espero sinceramente que Stallone não cague fora da panela e dê ao velho Norris um papel à altura do seu mito. Porque, como eu já brinquei anteriormente por aí, com Chuck Norris no time, todos os outros "mercenários" tornam-se absolutamente dispensáveis!

PS: Quem tem olho vivo para enxergar um jovem Kane Hodder, posteriormente imortalizado como Jason Voorhees, "interpretando" um dos muitos bandidos que tomam porrada de McQuade?

Trailer de MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO

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Lone Wolf McQuade (1983, EUA)
Direção: Steve Carver
Elenco: Chuck Norris, David Carradine, Barbara Carrera,
Leon Isaac Kennedy, Dana Kimmell, R.G. Armstrong,
Robert Beltran, L.Q. Jones e Sharon Farrell.

GOLPE MORTAL (1982)

2012-01-09T06:26:00.000-08:00

Quando GOLPE MORTAL chegou aos cinemas, Chuck Norris estava em plena escalada rumo ao posto de grande astro do cinema de ação: em poucos anos, já havia estrelado um grande sucesso de bilheteria ("Octagon"), um ótimo filme policial ("Ajuste de Contas") e até uma mistura de aventura com ficção científica e horror ("Fúria Silenciosa", em que enfrenta um pseudo-Michael Myers).

Não por acaso, esta aqui foi a sua produção mais caprichada até então, com uma major por trás (o filme foi produzido pela MGM) e um diretor que já havia trabalhado duas vezes com Clint Eastwood (James Fargo, de "Sem Medo da Morte" e "Doido para Brigar... Louco para Amar"). Funcionou, e no ano seguinte Norris estouraria de vez com "McQuade, O Lobo Solitário".

Infelizmente, GOLPE MORTAL acabou se tornando um capítulo meio obscuro na trajetória do astro, talvez por ter ficado "ensanduichado" bem no meio de dois puta filmes ("Fúria Silenciosa" e "McQuade").

Pura injustiça: é uma aventura boa pra caramba, e eu inclusive colocaria tranquilamente num Top 3 dessa primeira fase da filmografia de Chuck (logo abaixo dos dois já citados).

Antes de partirmos para a resenha, faça um intervalo de dois minutinhos, vá até o final do texto e assista o trailer do filme para pegar o espírito. Vai lá.

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E aí, já assistiu? Então vamos combinar: do "mapa de ferimentos do corpo" à profissão semelhante do herói, GOLPE MORTAL não parece ter sido a inspiração para "Matador de Aluguel", aquele filmaço de 1989 estrelado por Patrick Swayze como um leão-de-chácara bom de briga?

Eu achei as duas obras tão parecidas, em história e proposta, que o personagem de Chuck aqui bem que poderia ser o pai do personagem de Swayze em "Matador de Aluguel". Ambos têm profissões bem semelhantes, ambos têm um rígido código de honra, e ambos buscam evitar a briga até o último momento. Claro, ambos também são lutadores furiosos daquele tipo com o qual você não quer comprar briga...

Norris interpreta Josh Randall, um veterano do Vietnã que trabalha em Hong-Kong como segurança e "cobrador de dívidas de jogo" no cassino do pai adotivo oriental, Sam Paschal (David Opatoshu). O lugar é administrado pelo seu meio-irmão, David (Frank Michael Liu), que reprime violentamente caloteiros e ladrões.

O problema (sempre tem um) é que uma rede criminosa chamada Osiris está fazendo pressão para comprar o Lucky Dragon, o cassino da família Paschal. Todos os outros estabelecimentos de jogo da cidade já estão sob controle da organização, que quer construir uma nova Las Vegas em Hong-Kong, mas cobrando "proteção" dos proprietários de cassinos.

Obviamente, o velho Sam - que tem muito orgulho por ter começado seu negócio do zero - recusa-se a vender o cassino e fazer parte da mutreta. Até porque é um sujeito honrado (embora explore jogo ilegal e extorsão), e não quer saber de envolvimento com a bandidagem.

Na mesma noite, Sam e David são assassinados numa emboscada, e Josh descobre que um empresário inescrupuloso ligado à Osiris e ao ramo de cassinos, o almofadinha Stan Raimondi (Michael Cavanaugh), colocou sua cabeça a prêmio.

Agora, ele precisa lutar para sobreviver nas perigosas ruas de Hong-Kong, e também proteger a única sobrevivente do clã Paschal, Joy (Camila Griggs), herdeira do Lucky Dragon por direito, e portanto na mira dos vilões.

Sobra também para a sua própria namorada, a gostosona Claire (Mary Louise Weller), que corre risco de vida apenas por estar ligada ao herói (e em filmes nunca é seguro namorar com Chuck Norris ou Charles Bronson, como todos sabemos...).

Lançado em VHS no Brasil pela Video Arte como GOLPE MORTAL, mas exibido na TV com uma tradução literal e bem mais apropriada do título original ("Vingança Forçada"), este trabalho da primeira fase da carreira de Chuck Norris é obrigatório para quem gosta de filmes de ação descerebrados, principalmente porque o astro mantém (e leva adiante) aquele tom fanfarrão e brincalhão que começou a demonstrar em "Ajuste de Contas".

Novamente com seu característico bigodão, e usando chapéu de cowboy 24 horas por dia - apesar de estar em Hong-Kong, e mesmo quando veste smoking!!! -, Norris está perfeito como Josh Randall, personagem por quem o espectador simpatiza desde a sua primeira aparição em cena.

Isso acontece quando vemos Randall cobrando uma dívida de jogo nos Estados Unidos. O caloteiro recusa-se a pagar, dizendo que "dívidas de jogo são ilegais", mas o herói responde: "Bem, eu não sou advogado". Um guarda-costas do sujeito tenta intervir, e primeiro Randall tenta contê-lo "na boa"; quando o grandalhão passa dos limites, é chegada a hora de dar um corretivo à la Chuck Norris, o que inclui muitos sopapos e chutes giratórios. Desnecessário dizer que o caloteiro opta por pagar a dívida depois de ver seu segurança ser moído na pancada...

Por sinal, desde esta primeira cena o filme já dá o tom do personagem: Randall sempre fica puto quando os inimigos aprontam com seu chapéu (o que acontece com bastante frequência), e um close do seu punho cerrado é a senha para o início da pancadaria, quando ele percebe que não conseguirá resolver a situação só na conversa.

Josh Randall também é um dos personagem mais "humanos" que Norris interpretou em toda a sua filmografia. Se nas aventuras anteriores ele fez indestrutíveis mestres do karatê, policiais durões e veteranos do Vietnã, Randall é um personagem mais verossímil, que, embora bom de briga, tenta escapar do confronto sempre que possível e tem medo por si mesmo e pelas pessoas ao seu redor (algo que não acontece, por exemplo, em "Octagon").

Randall também apanha muito, algo difícil de ver nos filmes de Norris (geralmente ele bloqueia os golpes dos inimigos, ou então bate primeiro). Diretor e roteirista parecem querer mostrar a todo momento que o herói é de carne e osso, desde o exame médico em que ele revela o corpo cheio de cicatrizes até a luta em que Randall sangra aos borbotões a cada golpe que leva (outra coisa difícil de acontecer nas aventuras do astro).

Entretanto, embora mais "frágil", o personagem não deixa de fazer gracinhas e piadinhas a todo momento, um lado fanfarrão que Norris começou a explorar em "Ajuste de Contas". Numa cena hilária, Randall percebe que está sendo seguido por um brutamontes. Para evitar o confronto direto, ele belisca a bunda de uma bela garota à sua frente e diz que o culpado foi o sujeito no seu encalço. Dito e feito: a moça parte para cima do bandido e Randall tem tempo para contra-atacar!

E tem um momento à la "Os Caçadores da Arca Perdida" em que um rapaz armado de nunchaku cruza o caminho do herói fazendo malabarismos, como se fosse o guerreiro mais fodão de Hong-Kong. Pois Chucko simplesmente saca seu revólver e o sujeito sai correndo apavorado!

Finalmente, também tem uma cena em que o herói está no cassino quando o sujeito com quem ele joga dados (guarda-costas do vilão Raimondi) dá um tapa na cara de uma garota que puxou conversa. Sem titubear, nosso herói devolve um tapa na cara do sujeito mal-educado, e ainda pergunta: "Não foi legal, não é?".

O protagonista narra o filme em primeira pessoa, mas nada a ver com aquela narração afetada e redundante de "Octagon". Pelo contrário, a narração em off em GOLPE MORTAL permite até que o herói faça mais algumas piadinhas, como "Nunca entregue uma arma à sua namorada", após quase ser morto por um tiro disparado acidentalmente por Claire.

Mas vale destacar que, embora seja um sujeito brincalhão e divertido durante a maior parte do tempo, Randall também sabe ser fodão quando necessário - até ameaça queimar vivo o amante de um dos vilões para obter informações sobre quem são as pessoas à sua caça.

Na conclusão, depois que os bandidos forçam a barra para cima dos seus amigos, o herói resolve partir para a guerra literalmente, inclusive vestindo seu velho uniforme dos tempos do exército para atacar Raimondi e sua turma, num final eletrizante.

Curioso é que o roteiro - redondinho e bem bolado - foi escrito por um sujeito chamado Franklin Thompson, que não teve outras oportunidades no mundo do cinema (pelo contrário, só trabalhou em um telefilme e em episódios de dois seriados!). Enquanto isso, malas como Akiva Goldsman ganham Oscars...

Claro que não há nada de shakesperiano em GOLPE MORTAL, uma típica aventura de Chuck Norris, que, como tal, mostra o herói tentando evitar os problemas até que os bandidos começam a ameaçar sua família e amigos.

Tem até um amigo veterano do Vietnã (Bob Minor, de "Comando Para Matar") que aparece brevemente só para morrer. Outros detalhes da trama repetidos das aventuras anteriores do ator são a família adotiva de origem oriental (como em "Octagon") e um empresário almofadinha como grande vilão (como em "Ajuste de Contas"); mas, ao contrário de Christopher Lee no outro filme, aqui o bandidão luta, e até faz Norris suar para conseguir vencê-lo!

E tem também um capanga gigantesco do vilão que dará muita dor de cabeça a Randall, na mesma linha do Professor Toru Tanaka em "Ajuste de Contas". Ele é interpretado por Seiji Sakaguchi, campeão japonês de luta livre que mede impressionantes 1,96m de altura!

O combate final entre Seiji e Chuck é memorável: ao som da ótima trilha composta por William Goldstein, que dá um tom épico ao confronto, os dois parecem se matar de verdade, arrebentando móveis, portas e janelas como se fossem de papel.

Digno de registro: o grandalhão é um dos raros oponentes a tirar MUITO sangue de Norris numa luta cinematográfica, e seu destino gorezento lembra o desfecho do vilão de "Ghost - Do Outro Lado da Vida".

E os clichês acabam ficando em segundo plano graças à direção eficiente e estilosa de Fargo. Ele nunca deixa o ritmo cair (e nem o espectador pensar muito), aproveitando bem as locações em Hong-Kong - principalmente quando Randall, Claire e Joy precisam fugir dos homens de Raimondi por umas vielas apertadas e superlotadas de pessoas, onde o perigo pode estar em cada esquina.

Estilosos também são os créditos iniciais do filme, que mostram apenas as silhuetas de Chuck Norris lutando, em câmera lenta, com um adversário anônimo em frente a um grande letreiro luminoso de cor vermelha. Infelizmente, a mesma cena é repetida mais tarde no filme, em velocidade normal, tirando parte do seu impacto (e tornando questionável sua utilização anteriormente).

Se GOLPE MORTAL tem menos atores conhecidos do que outras obras do astro, pelo menos marca a estréia no cinema do ator chinês Tony Leung, em pequena participação. Nos anos seguintes, Leung se transformaria num grande astro, aparecendo em filmaços como "Fervura Máxima", "Herói", "Conflitos Internos" e "Amor à Flor da Pele".

Também se repete aquele clima familiar de outros trabalhos de Chuck, com participações de seu irmão Aaron Norris (como coordenador dos dublês), de seu filho Mike (numa ponta) e de Richard Norton. Ele foi dublê do astro e faz uma ponta, em que aparece com cabelo e bigode bem semelhantes a Norris, já que o substituía nas cenas mais delicadas.

Mas se há alguém que merece destaque em GOLPE MORTAL além do astro é seu par romântico, a gata Mary Louise Weller, provavelmente uma das mais lindas atrizes a contracenar com Chuck em toda a sua filmografia.

Mary Louise infelizmente não aparece tanto na trama, mas tem um belíssimo par de peitos que é de parar o trânsito. Aqui eles só aparecem de relance, mas foram exibidos em toda a sua glória na comédia "Clube dos Cafajestes", onde a moça interpretou Mandy Pepperidge (dá uma olhada na imagem aí embaixo, taradão!).

É uma pena que a moça tenha abandonado o cinema ainda lá atrás, na metade dos anos 1980, para investir na criação de cavalos, privando-nos do seu talento dramático (e da sua comissão de frente). Esta aventura com Chuck Norris acabou sendo um de seus últimos trabalhos.

GOLPE MORTAL também é um dos últimos filmes em que Norris prefere resolver os conflitos no karatê, e não com armas de fogo. A partir do ano seguinte, em "McQuade", ele já apareceria exterminando bandidos com revólveres, rifles, metralhadoras e até bazucas, o que se repetiria nas séries "Braddock" e "Comando Delta".

Claro, em todos estes filmes ele continuou distribuido seus chutes giratórios e sopapos. Mas sua trajetória como "indestrutível mestre das artes marciais que usa os punhos e pernas como armas" terminou por aqui. Afinal, os tempos eram outros, graças a produções como "Rambo" e o posterior "Comando Para Matar"...

Mais um motivo para redescobrir GOLPE MORTAL, que merece inclusive uma Sessão Dupla com "Matador de Aluguel" - dois filmaços que dão um laço na maioria dos filmes de ação recentes que eu assisti!

PS: "Bem-vindo à Selva" (2003), de Peter Berg, traz The Rock na pele de um personagem "cobrador de dívidas" bem parecido com Josh Randall. Não sei se é plágio ou homenagem, mas o filme não chega aos pés desse aqui, mesmo tendo Christopher Walken como vilão e trama ambientada no Brasil.

Trailer de GOLPE MORTAL

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Forced Vengeance (1982, EUA)
Direção: James Fargo
Elenco: Chuck Norris, Mary Louise Weller, Camila Griggs,
Michael Cavanaugh, David Opatoshu, Seiji Sakaguchi,
Frank Michael Liu e Bob Minor.

AJUSTE DE CONTAS (1981)

2012-01-08T03:45:00.000-08:00

Se os primeiros quatro filmes que traziam o karateka barbudão como protagonista variam do ruim ao bonzinho (com muita generosidade), não se pode reclamar dos quatro seguintes, que antecederam a bem-sucedida "fase Cannon Films" do astro. AJUSTE DE CONTAS (1981), "Fúria Silenciosa" (1982, sobre o qual falaremos num futuro próximo), "Golpe Mortal" (1982) e "McQuade, O Lobo Solitário" (1983) continuam uns filmaços até hoje, e dão de laço em muita produção recente.

Comecemos com AJUSTE DE CONTAS, título que o filme recebeu ao ser lançado em VHS pela Globo Vídeo, mas quem era moleque nos anos 1980 certamente vai lembrar de tê-lo visto no SBT com uma tradução literal do nome original, "Olho por Olho".

Como posteriormente muitos outros filmes ganharam o mesmo título "Olho por Olho" no Brasil (tipo "Steele Justice", com o Martin Kove, e aquele filme de vingança dirigido por John Schlesinger, com Sally Field e Kiefer Shuterland), é até bom usarmos o nome dos tempos da Globo Vídeo para diferenciar.

Na minha resenha de "Os Bons Se Vestem de Negro", eu citei uma frase dita por Chuck numa entrevista, confessando que em seus primeiros filmes tentava copiar o modelo de cinema de ação realizado por Clint Eastwood na época.

Pois depois de interpretar veteranos do Vietnã e karatekas nos seus quatro trabalhos anteriores, em AJUSTE DE CONTAS ele tem a sua primeira oportunidade de interpretar um policial durão e implacável à la Dirty Harry - um papel que ele levaria à perfeição num dos melhores filmes da sua carreira, "Código do Silêncio", de 1985.

Mas o mais curioso desse belo policial é o fato de vermos Chuck Norris enfrentando... Drácula?!? Exato: o grande vilão, acredite se quiser, é interpretado por Christopher Lee, que alguns anos antes também tinha dado dores de cabeça a James Bond em "007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro".

Quem diria: o cara que foi Drácula, Scaramanga, Saruman, Conde Dooku e uma infinidade de outros vilões fodões também já tomou uns cascudos de Chuck Norris...

(Engraçado é que a trama tenta fazer mistério, revelando apenas no final que o personagem de Lee é o sujeito por trás de tudo. Até parece que ninguém desconfiava! Eu vi o filme pela primeira vez na TV, quando moleque, com minha mãe do lado. Só ao ver o nome do ator nos créditos iniciais, ela disse algo assim: "Christopher Lee? Esse cara fazia o Drácula, aposto que é ele o bandido!".)

Em AJUSTE DE CONTAS, Chucko interpreta Sean Kane, um policial da Narcóticos de San Francisco (sim, o astro voltou à cidade depois do patético "Massacre em San Francisco"!), que atua disfarçado para desbaratar uma quadrilha de traficantes. Dessa vez o ator raspou seu tradicional bigodão e atua de cara limpa, como nos tempos de "Comboio de Carga Pesada".

Durante uma missão arriscada, ele e o parceiro Dave (Terry Kiser, de "Um Morto Muito Louco") caem numa emboscada armada por um informante corrupto. Tiros voam para todos os lados, carros explodem, e o pobre parceiro morre horrivelmente, queimado vivo, sem que Sean possa fazer algo para salvá-lo.

Furioso ao descobrir que a justiça está de mãos amarradas, nosso herói surta, mata um suspeito após um "interrogatório" na base da pancada e toma a maior mijada do seu superior. Aí, entrega o distintivo (claro!) e sai numa vendeta pessoal contra os traficantes.

Vendeta esta que se torna ainda mais pessoal quando os mesmos sujeitos matam brutalmente uma outra amiga sua, a repórter Linda Chan (Rosalind Chao, de "O Grande Lutador"), que era esposa de Dave. A moça estava justamente preparando uma reportagem sobre a conexão entre os traficantes de San Francisco e as Tríades de Hong Kong e Bangkok.

Para fazer frente aos perigosos inimigos, que parecem estar por toda parte, Sean é obrigado a unir forças com o pai da finada Linda, um velhote especialista em artes marciais interpretado pelo lendário Mako (de "Conan, o Bárbaro", "Resposta Armada" e tantos outros filmes legais). Seu personagem, James Chan, funciona como um eficiente alívio cômico, sempre resmungando de todas as atitudes do herói.

Eventualmente, Sean também se envolverá com a bela Heather (Maggie Cooper, em seu único trabalho fora da TV), uma amiga da jornalista assassinada. Juntos, eles descobrirão que o responsável por tudo é o próprio patrão de Linda, o magnata da imprensa Morgan Canfield (Christopher Lee, quem mais?), que usa de sua posição e de sua influência para dominar o tráfico de entorpecentes na cidade.

AJUSTE DE CONTAS pode não trazer nada de tão novo na trama, principalmente em comparação aos filmes anteriores (e até posteriores) de Norris: ele mais uma vez interpreta um sujeito legal forçado a reagir com chutes giratórios quando os bandidos começam a matar seus conhecidos.

A diferença para seus trabalhos até então é que este funciona que é uma beleza, ao contrário dos quatro anteriores, que ou têm ação de menos ou roteiro ruim demais.

Por coincidência, esta é a primeira colaboração do astro com dois sujeitos que seriam responsáveis pelos melhores filmes da sua carreira. O primeiro é o roteirista James Bruner, que co-escreveu AJUSTE DE CONTAS ao lado de William Gray ("Projeto Filadélfia"). Este aqui foi o primeiro roteiro de Bruner, e depois ele escreveu outros cinco sucessos de Chuck (entre eles, "Braddock", "Invasão USA" e "Comando Delta"!).

O outro parceirão é o diretor Steve Carver, um eficiente cineasta saído da "Escola Roger Corman de Produção de Filmes Baratos". Para Corman, ele dirigiu filmes como "Big Bad Mama" (1974) e "Capone, o Gângster" (1975, com um jovem Sylvester Stallone no elenco). Com Chuck, ele fez depois "McQuade, O Lobo Solitário", outro dos grandes trabalhos da carreira do astro.

E como vários dos primeiros filmes de Norris, este também tem um elenco impressionante, cheio de caras conhecidas. Além de todos os já citados (Lee, Kiser, Mako), também aparecem Richard Roundtree (o Shaft original!) como o superior casca-grossa do herói; Matt Clark ("Candyman 2") como um policial corrupto, e o monstruoso Professor Toru Tanaka como, claro, um monstruoso capanga do vilão.

O falecido Tanaka inclusive rouba a cena toda vez que aparece, e se você ainda não ligou o nome à pessoa, pense no gigantesco Subzero, um dos lutadores que enfrenta Schwarzenegger no ótimo "O Sobrevivente".

Em AJUSTE DE CONTAS, Tanaka protagoniza pelo menos duas cenas antológicas: quando persegue Rosalind Chao numa estação de metrô destruindo tudo que aparece pela frente, inclusive um Fusca (!!!), e o duelo final, primeiro contra Mako, depois contra Norris. O violentíssimo confronto entre o herói e Tanaka, embora rápido, pode ser incluído tranquilamente entre os melhores momentos de toda a carreira de Chuck.

Por sua vez, Norris está muito bem como policial durão. Se nos seus filmes anteriores ainda faltava definir um estilo, e os realizadores sempre levavam sua persona muito a sério, aqui ele adota pela primeira vez aquele jeito fanfarrão que levaria pelo resto da sua carreira.

Ok, na primeira meia hora de AJUSTE DE CONTAS, Chuck ainda está copiando a fórmula Eastwood-Dirty Harry, interpretando um policial durão e implacável. A cena inicial, da emboscada num beco escuro durante uma chuva que não pára, é muito boa e poderia estar em qualquer filme do Dirty Harry. Sua furiosa retaliação contra os bandidos depois da morte do parceiro também.

Mas aí o filme tem um ponto de virada, a partir do encontro do herói com Mako, e o policial durão e mais realista se transforma numa espécie de herói absurdo de história em quadrinhos. Só para dar uma ideia: ele vive numa casa à beira-mar que é uma verdadeira fortaleza, acompanhado apenas de um cachorro com quem conversa como se fosse gente (!!!).

E ainda faz todo tipo de palhaçada, como colocar um travesseiro debaixo da cabeça de um bandido depois de nocauteá-lo, ou ameaçar quebrar uma caríssima antiguidade enquanto interroga seu proprietário! Norris continuaria investindo nesse tipo de personagem a partir daqui, atingindo o ápice do cartunesco com o herói Matt Hunter, de "Invasão USA".

O exagero e o inverossímil se estendem à trama. O roteiro de Bruner e Gray começa emulando os policiais sérios da década anterior (tipo as aventuras de Dirty Harry, que eu não parei de citar), mas vai ficando progressivamente mais absurdo à medida que o tempo passa.

Quando Norris vai encontrar Mako, por exemplo, bandidos pipocam de todos os lados e até um helicóptero aparece disparando rajadas de metralhadora. Na conclusão explosiva, a dupla de heróis invade a fortaleza dos vilões distribuindo golpes de karatê, sendo seguida por policiais da Swat, que colaboram na "limpeza" do local.

Os intermináveis tiroteios no final, com bandidos de terninho e gravata sendo chacinados a rajadas de metralhadora, lembram o que John Woo faria quase uma década depois em filmes como "Alvo Duplo".

Assim, de certa forma, AJUSTE DE CONTAS parece fazer uma ponte entre aqueles policiais mais contidos e realistas dos anos 1970 e as aventuras violentas e exageradas que virariam moda ao longo da década de 80, como "Comando para Matar" e seu massacre de centenas na cena final.

Infelizmente, o grande vilão Christopher Lee escapa de tomar um castigo mais violento no final: Sean apenas estrangula o bandido "um pouquinho" até a chegada da polícia, que o impede de ir além e leva o malvado para a cadeia. E ou Lee é um puta ator, ou Norris estava apertando o pescoço dele muito forte, pois parece que os olhos do velhote vão saltar das órbitas! Seria mítico ver o Drácula tomando um Roundhouse Kick de Chuck, mas é o que temos para hoje...

É uma pena que o SBT e a TV aberta em geral tenham deixado de exibir AJUSTE DE CONTAS (ou "Olho por Olho", como preferirem) há uns bons anos. Porque o lugar certo para essas aventuras canastronas de Chuck Norris é o Domingo Maior, ou a Sessão das Dez.

Hoje, filmes modernos bem inferiores ocuparam o espaço antes reservado ao astro barbudo, que durante anos reinou absoluto nas videolocadoras e sessões de "filmes para macho" das nossas emissoras.

Aliás, AJUSTE DE CONTAS também é uma ausência muito sentida no nosso mercado de DVD, já que a fitinha da Globo Vídeo virou fumaça há mais de uma década!

Lá fora existe uma edição em DVD lançada pela MGM, mas a qualidade de imagem é pavorosa e os caras ainda cortaram 40 segundos do filme, uma ceninha quase inocente em que Norris transa com Maggie Cooper no chuveiro e aparecem os peitinhos da moça (abaixo tem uma foto da cena como está no VHS). Não faço ideia do porquê do corte, mas talvez tenha sido pelo vergonhoso "diálogo de filme pornô" entre o casal:
- Como está a água, meu bem?
- Quente.
- Hmmmm, do jeito que eu gosto!

Se você é daqueles que só conhece Chuck Norris de fama, mas nunca preocupou-se em analisar profundamente a filmografia do ator, este aqui é um bom ponto de partida. Até porque é a aventura que define o estilo caricatural e "super-macho" que ele adotaria a partir de então.

De lambuja, também é uma bela mistura entre trama policial e filme de ação oitentista, com uma contagem absurda de cadáveres e todos aqueles exageros típicos do período.

E convenhamos: não é todo dia MESMO que você vê o Drácula apanhando do Chuck Norris...

Trailer de AJUSTE DE CONTAS

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An Eye for an Eye (1981, EUA)
Direção: Steve Carver
Elenco: Chuck Norris, Christopher Lee, Maggie Cooper,
Mako, Matt Clark, Richard Roundtree, Rosalind Chao,
Terry Kiser e Professor Toru Tanaka.

OCTAGON (1980)

2012-01-07T03:26:00.000-08:00

O "Octógono" (em inglês, "Octagon") é o nome de uma base secreta, encravada em algum local da América Central, onde guerreiros orientais treinam mercenários nas milenares táticas dos assassinos ninjas. Apesar de ser também o título deste filme, o Octógono é tão secreto que ninguém, do começo ao fim da história, se refere ao lugar utilizando tal nomenclatura - e este é o menor dos erros da obra!

OCTAGON (exibido na TV com o apropriado subtítulo "Escola de Assassinos") foi um dos últimos trabalhos da filmografia de Chuck Norris que eu vi, e apenas quando foi relançado em DVD no Brasil pela Spectra Nova. Ironicamente, foi o estrondoso sucesso de bilheteria desta aventura do começo da década de 1980 que transformou Norris definitivamente num dos grandes astros de ação do período.

Confesso que idealizava OCTAGON de uma forma completamente diferente antes de finalmente assisti-lo, por tudo que li e ouvi sobre o filme. Imagine só: ver o grande karateka Chuck em início de carreira numa aventura que lembra o cinema de Hong-Kong, trocando sopapos e voadoras com ninjas, e até pegando numa espada samurai para duelar com o grande vilão - que, num clichê que lembra muito western spaghetti, vem a ser o seu meio-irmão oriental!

Foi, portanto, um decepção descobrir que o grande filme de ação e de ninjas com o qual eu sonhava demora uma eternidade para pegar no tranco: são 103 minutos no total, mas apenas nos 20 minutos finais é que Norris finalmente invade o Octógono e sai matando ninjas a torto e a direito!

Até então, a trama é levada na base do "devagar, quase parando", com uma infinidade de personagens que entram e saem de cena, falam pra caramba no processo, e um Chuck Norris que raramente luta - algo muito parecido com "Os Bons Se Vestem de Negro", outro soporífero trabalho do começo da carreira do astro.

Enfim, confesso que não gostei de OCTAGON na primeira vez que o vi, mas confesso também que o filme cresceu numa recente revisão: sabendo que a pancadaria estava toda no desfecho, tentei avaliar o filme com outros olhos, buscando compreender o porquê de tanto "desenvolvimento de personagens" - ou, mais especificamente, o porquê de tantos personagens em primeiro lugar!

E embora continue achando que a narrativa demore tempo demais para começar a ficar interessante, OCTAGON tem várias qualidades que o colocam um pouco acima da média de mediocridade dos trabalhos iniciais de Chuck - é muito melhor, produzido e dirigido inclusive, do que os três anteriormente analisados: "Comboio de Carga Pesada", "Os Bons Se Vestem de Negro" e "Força Destruidora".

Norris interpreta Scott James, um veterano do Vietnã, lutador aposentado e, secretamente, também um mestre ninja (!!!), já que foi criado como filho adotivo por um grande conhecedor de artes marciais, e treinado desde a infância para ser o melhor lutador do planeta.

Scott passa seus dias malhando na academia com o amigo e também lutador A.J. (o canastrão Art Hindle); nas horas vagas, assiste a shows de ballet (!!!) em teatros chiques, vestindo smoking e tudo mais - e ver Norris de smoking é quase tão esquisito quanto ver Steven Seagal de baby-doll.

Ao final do espetáculo, nosso herói se interessa pela tal dançarina de ballet cuja apresentação foi assistir. Ela se chama Nancy (Kim Lankford), e aceita prontamente o convite do herói para uns drinks.

O casal vai até a casa da moça, mas lá ambos são atacados por ninjas. Nancy é morta e Scott surra todo mundo até o nocaute. Mas não se preocupa em interrogar algum deles para obter informações sobre o porquê do ataque, e portanto os vilões logo desaparecem, deixando para trás um monte de corpos - toda a família de Nancy, que já havia sido exterminada antes de o casal chegar.

O engraçado é que o herói não fica entristecido com a morte da nova namorada (na verdade, a personagem é simplesmente esquecida em menos de 5 minutos); por outro lado, fica encucado com a aparição dos ninjas. De onde teriam vindo? O que querem?

Scott procura um velho amigo chamado McCarn (Lee Van Cleef!), que é caçador de recompensas e "líder de um grupo anti-terrorista" (não tente entender). Ele é o primeiro a comentar sobre uma tal base secreta onde mercenários recebem treinamento ninja para poderem praticar terrorismo e crimes políticos ao redor do mundo.

Ao mesmo tempo, entra em cena Justine (a bela Karen Carlson, numa interpretação medonha), uma milionária que tenta convencer Scott a invadir o Octógono para matar seu líder, o homem responsável pela morte de seu pai.

Aí é que o bicho pega: o líder do Octógono é ninguém menos que Seikura (Tadashi Yamashita, de "American Ninja"), meio-irmão oriental de Scott, que foi treinado nas mesmas artes ninja pelo pai e mestre de ambos, mas deserdado e expulso de casa após uma discussão ainda na adolescência.

Como acontecia com "Os Bons Se Vestem de Negro", a trama parece interessantíssima no papel. O problema é a narrativa titubeante: OCTAGON se arrasta desnecessariamente por mais de uma hora, e neste tempo Norris simplesmente fica perambulando pelo cenário, de um lado a outro, sem fazer muita coisa, e procurando não lutar porque prometeu a si mesmo que a violência não leva a nada.

O roteiro, apesar de ser uma exibição de tudo que é mais brucutu em matéria de cinema de ação, foi escrito por uma mulher (!!!), a também atriz Leigh Chapman, cujos créditos incluem ainda o roteiro do cult movie "Dirty Mary, Crazy Larry" (1974), com Peter Fonda e Susan George.

Leigh trabalha com um argumento original de Paul Aaaron, que havia dirigido Chuck em "Força Destruidora" um ano antes, e talvez fosse o diretor original desse filme aqui também, antes de ser substituído por Eric Karson.

O nome não lhe diz nada? Bem, Karson não é exatamente conhecido por sua vasta filmografia (fez apenas cinco longas e um curta), mas tem outros dois trabalhos que merecem ser conhecidos por fãs de filmes de ação: "Força Oposta / Onze para o Inferno" (1986), com Tom Skerritt, e "Contato Mortal" (1988), com Jean-Claude Van Damme.

Uma das coisas mais diferentes de OCTAGON é incluir uma espécie de "sexto sentido" do herói: uma narração em primeira pessoa que ressoa como eco, para dar a ideia de que o espectador está ouvindo os pensamentos e conflitos internos de Scott.

Só que este recurso é repetido tantas vezes que se torna chato. É como se houvesse uma necessidade imbecil de o herói ficar toda hora explicando o que está pensando para o espectador, falando para si mesmo frases como "Será que vou conseguir matar Seikura?", ou "Eles estão próximos, eu posso sentir", ou ainda "A.J., eles te pegaram! Foi minha culpa...". Às vezes a tal narrativa com eco explica até coisas que o espectador está vendo por conta própria, como se fosse uma descrição para deficientes visuais!

O roteiro também enrola um tempão com o entra-e-sai de personagens que participam da "investigação" do herói sobre a localização do Octógono. Se o próprio A.J., um dos personagens principais, jamais diz a que veio (é apenas o tradicional melhor amigo que só existe para morrer e ser vingado nos filmes de Chuck Norris), o que dizer do caçador de recompensas McCarn? E de todo um grupo de mercenários com quem Scott acaba topando na sua busca pelo Octógono? Ou de um comerciante de casacos-de-pele que financia Seikura e seu grupo? Ou mesmo da tal dançarina morta nos primeiros cinco minutos do filme, cuja curta presença em cena jamais é justificada?

E Scott James, como herói, é um desastre: tenta escapar das brigas e recusa-se a ir atrás de Seikura até ser tarde demais; neste ínterim, todas as pessoas que precisavam da sua proteção já foram mortas pelos vilões, e são pelo menos três pobres vítimas até que o "herói" finalmente levante a bunda da cadeira para ir caçar os ninjas!

Some-se a isso tudo o fato da tal base secreta ser tão secreta quanto o Estádio do Maracanã: praticamente todos os personagens que aparecem em cena conhecem o lugar ou lá estiveram. E quando Scott e A.J., em momentos diferentes, vão até o tal país da América Central (nunca nomeado, mas as filmagens aconteceram no México) para tentar invadir a base, cada um deles descobre a localização do complexo facilmente, bastando para isso conversar com meia dúzia de pessoas na rua! Assim até eu!

Enfim, OCTAGON tem uma tonelada de personagens, acontecimentos e informações inúteis (a longa cena em que Justine flerta com Scott pela primeira vez, envolvendo um carro parado no acostamento, é igualmente descartável). A maior parte do que está no corte final poderia ter ficado na sala de edição, melhorando muito o ritmo do filme - principalmente a já citada visita do herói ao quartel-general de um grupo de mercenários para tentar descobrir a localização da "base secreta" de Seikura.

A boa edição de Dann Cahn até tenta tornar a coisa menos chata, intercalando as cenas songa-mongas em que o herói não faz nada com outras que mostram o treinamento de um novo grupo de recrutas no Octógono (quando finalmente vemos alguma ação e ninjas lutando).

Na verdade, eu jamais recomendaria OCTAGON se não fosse pelos 20 ou 30 minutos finais. É quando entra em cena uma terceira personagem feminina (!!!), a guerrilheira Aura (Carol Bagdasarian), e o herói finalmente resolve invadir o Octógono e matar um montão de ninjas com as próprias mãos e pés, com faquinhas (daquelas escondidas nas luvas) e com uma espada samurai, é claro!

E é quando ele finalmente encara, frente a frente, seu meio-irmão malvado Seikura. Segundo o IMDB, a revista gringa Fighting Stars elegeu esta luta final como a 13ª entre as 25 melhores cenas de luta de todos os tempos.

Não é para tanto, e o ódio entre meio-irmãos que não se veem desde a adolescência não é satisfatoriamente explorado no momento. Ainda assim, a luta é bem filmada, embora rápida e com uma conclusão brochante.

Os grandes momentos de OCTAGON acontecem quando Scott vai enfrentando vários "sub-chefes" do Octógono, como se estivesse num jogo de videogame. Entre eles está um gigantesco ninja mascarado, que se pega com o herói numa feroz luta com espadas, sai (aquelas faquinhas tipo as que a Elektra usa nos quadrinhos) e finalmente com os punhos - tarefa nem um pouco fácil, considerando que o vilão não pára de lutar nem mesmo quando está com o corpo em chamas (uma cena copiada, com o fator trash nas alturas, na aventura turca "Death Warrior")!

O tal ninja mascarado, creditado como Kyo no final (embora seu nome nunca seja citado no filme, como acontece com o próprio Octógono), é interpretado por Richard Norton, aqui em sua estréia no cinema.

Norton foi vilão em vários filmes de pancadaria (como o hilário "Gymkata - O Jogo da Morte"), atuou como dublê de Norris neste e em seus dois filmes seguintes ("Ajuste de Contas" e "Vingança Forçada"), e nos anos 1990 tentou a sorte como protagonista, estrelando várias produções baratas de ação.

E ele deve ter causado uma boa impressão, já que aparece em OCTAGON também num segundo papel, como um dos mercenários daquele grupo invadido por Scott antes de finalmente chegar ao Octógono.

Ah, a cena do ataque à base dos ninjas também inclui um momento muito legal em que o herói precisa atravessar um lago pulando de uma plataforma para outra, e desviando de ninjas que pulam da água para agarrá-lo. Isso me lembrou muito uma fase do velho jogo de fliperama "Shinobi", que eu joguei muito em sua versão para Master System.

Como já havia acontecido nos filmes anteriores, Chuck voltou a trabalhar com a família em OCTAGON: ele e o irmão Aaron Norris coreografaram as lutas, e tanto Aaron quanto o filho do astro, Mike, aparecem em pontas (Mike interpreta Scott aos 18 anos, numa boa escolha, já que ele realmente lembra uma versão jovem de Chuck).

Além de todos os já citados, o elenco tem outras caras conhecidas: Brian Libby (que depois enfrentaria Chuck Norris como uma espécie de clone de Michael Myers em "Fúria Silenciosa") é um dos mercenários que está fazendo o curso intensivo de ninjas no Octógono, e Gerald Okamura um dos instrutores; Ernie Hudson é um lutador amigo de A.J.; Tracey Walter é um agenciador de mercenários, e Brian Tochi (o japa de "A Vingança dos Nerds" e "Loucademia de Polícia" Partes 3 e 4) interpreta Seikura na juventude. Vários deles podiam ter ficado no chão da sala de edição, tal a inutilidade de seus personagens.

Chato e pouco empolgante (embora o final seja bastante movimentado), OCTAGON está entre os muitos filmes fracos da carreira de Norris. Mas, apesar da narrativa lenta e dos óbvios defeitos, não é difícil de entender porque foi um sucesso na época do seu lançamento.

Afinal, foi um dos primeiros filmes norte-americanos a apresentar os guerreiros ninja ao público ocidental (embora eles já tivessem aparecido antes, e brevemente, em outras obras, como "Elite de Assassinos", de Sam Peckinpah, que é de 1975).

Ao longo da década de 80, e até a metade dos anos 1990, ninjas viraram figurinhas carimbadas no cinema de ação ocidental, dando origem a franquias como "American Ninja" e a série de filmes produzidos pela Cannon com Sho Kosugi (são três, sendo que o primeiro deles é "Ninja - A Máquina Assassina", estrelado por Franco Nero!).

Portanto, são motivos de sobra para que todo fã de ninjas e de Chuck Norris queira assistir a OCTAGON. Mas não se sinta culpado se tirar umas sonecas aqui e ali. Porque, sem injustiça, a melhor coisa é a meia hora final, e você não vai perder quase nada se avançar o filme todo até chegar aos finalmentes.

E apesar de ter a chance de demonstrar suas habilidades como "american ninja", OCTAGON definitivamente é um ponto negativo para a masculinidade do astro.

Afinal, ele tem três interesses românticos na trama, mas não vai para o rala-e-rola com duas das garotas - e só come a terceira porque ela se atira pelada em cima dele. Um detalhe vergonhoso que definitivamente foi deixado de fora dos lendários "Chuck Norris Facts"...

PS: Octógono, como todos sabem, também é o formato do ringue das lutas do UFC (Ultimate Fighting Championship, o popular "vale-tudo). Será por causa do filme, ou é apenas uma coincidência?

Trailer de OCTAGON

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The Octagon (1980, EUA)
Direção: Eric Karson
Elenco: Chuck Norris, Karen Carlson, Lee Van Cleef,
Art Hindle, Tadashi Yamashita, Carol Bagdasarian,
Richard Norton e Brian Libby.

FORÇA DESTRUIDORA (1979)

2012-01-06T04:26:00.000-08:00

Uma dupla de policiais da Narcóticos de Los Angeles, que trabalha sob disfarce, descobre o esconderijo de uma fortuna em drogas no depósito de uma loja de departamentos. Infelizmente, eles não vivem tempo suficiente para poder denunciar o flagrante: ambos são mortos na mesma hora, com fulminantes golpes de karatê, por um psicopata com máscara de esqui.

Os outros policiais da equipe ficam desnorteados, principalmente quando mais colegas começam a aparecer mortos e com ossos quebrados a golpes de artes marciais. Afinal, como enfrentar um assassino cujos punhos são armas mortais e eles nem ao menos têm tempo de sacar seus revólveres?

A solução encontrada pelo comandante da equipe é simples e hilária: contratar um especialista na coisa para ensinar os tiras e prepará-los para enfrentar o tal assassino karateka!

Em linhas gerais, este é o enredo risível de FORÇA DESTRUIDORA, uma curiosa mistura de trama policial com artes marciais para aproveitar a febre pelos filmes de karatê que havia atingido o público norte-americano nos anos 1970.

FORÇA DESTRUIDORA também é um veículo bem melhor para Chuck Norris como herói de ação do que seu trabalho anterior, o sonolento "Os Bons Se Vestem de Negro": aqui, Chuck não apenas tem mais oportunidades para demonstrar seus talentos como lutador, mas também interpreta um personagem muito parecido com ele mesmo!

No filme, seu personagem se chama Matt Logan. Mas depois de algum tempo fica muito evidente que Logan é o próprio Norris: um campeão de karatê (como Chuck na vida real) e proprietário e professor numa escola de artes marciais (também como Chuck na vida real). Inclusive acho que os realizadores deveriam ter assumido as semelhanças e deixado Norris como ele mesmo. Já pensou que legal um filme em que a polícia pede a ajuda do astro de cinema Chuck Norris?

(Exatos 30 anos depois, Steven Seagal passou a estrelar um reality show na TV americana chamado "Steven Seagal: Lawman", que mostra exatamente sua colaboração, como especialista em artes marciais, na delegacia de polícia de uma pequena cidade na Louisiana!)

Além de mestre do karatê, Matt Logan é representado no filme como um cara legal, que adotou um jovem negro ex-viciado e que resolve ajudar a polícia mesmo estando no meio dos treinamentos para a final de um importante torneio de artes marciais - compadecido quando uma das agentes da Narcóticos lhe apresenta uma garota "de menor" que se prostitui por umas doses de heroína.

É muito mais fácil engolir Norris num papel desses do que como o caminhoneiro de "Comboio de Carga Pesada" ou o professor de ciências políticas (!!!) de "Os Bons Se Vestem de Negro". Até porque, na vida real, ele tem um amplo trabalho de propaganda anti-drogas.

Aliás, mantendo o bom nível do trabalho anterior do astro, FORÇA DESTRUIDORA também tem produção caprichada e um elenco cheio de caras conhecidas: o interesse romântico de Norris é a policial interpretada pela gracinha Jennifer O'Neill, de "Verão de 42" e "Scanners" (que, pouca gente sabe, nasceu no Rio de Janeiro); o delegado que pede a ajuda do herói é vivido pelo sempre eficiente Clu Gulager ("A Volta dos Mortos-vivos"), e também há pequenas participações de Pepe Serna, G.W. Bailey (o Capitão Harris da série "Loucademia de Polícia") e Charles Cyphers (ator que está em quase todos os filmes de John Carpenter).

O roteiro segue a estrutura das aventuras do lutador mexicano El Santo: a trama começa com o personagem de Norris no ringue, apresentando suas habilidades como lutador; depois mostra o herói sendo recrutado para ajudar a polícia num caso, e finalmente termina com ele outra vez no ringue, dessa vez enfrentando o "grande vilão".

Este é interpretado por Bill "Superfoot" Wallace, um dos mais respeitados campeões de artes marciais da época, o que garante uma luta bem caprichada com Chuck. Talvez Wallace também tivesse se tornado um herói de ação na época se fosse mais bonitão (pronto, eis o meu "Momento Rubens Ewald Filho"); mas, como é bem feio, geralmente só o chamavam para papéis de vilão karateka - ele inclusive lutou contra Jackie Chan em "A Fúria do Protetor", de James Glickenhaus.

O mais surpreendente em FORÇA DESTRUIDORA é o fato de o roteiro ter sido assinado por Ernest Tidyman, falecido autor dos livros do detetive negro Shaft (também roteirista dos filmes com o personagem feitos nos anos 70), e mais conhecido por ter ganhado o Oscar de Melhor Roteiro pelo excelente "Operação França", de William Friedkin, em 1971.

Bem, se você também achou que a presença de Tidyman era garantia de um roteiro de qualidade, pode esquecer: FORÇA DESTRUIDORA é, do começo ao fim, uma ode à estupidez humana. Tudo bem que os roteiros dos posteriores "Braddock" e "Invasão USA" não são exatamente obras-primas, mas este aqui abusa da boa fé do espectador.

Não bastasse a ridícula ideia de policiais procurarem por aulas de karatê ao invés de simplesmente tomar mais cuidado (um revólver continua sendo mais eficiente contra um sujeito desarmado, e karatê não me parece algo que se domine com meia dúzia de aulas!), os personagens vivem cometendo erros imbecis, como os tiras que descobrem o esconderijo das drogas e vão vistoriar o local sem pedir reforço ou pelo menos avisar alguém sobre onde estão indo, para o caso de morrerem no processo (o que acaba acontecendo não uma, mas DUAS VEZES ao longo do filme).

Mais tarde, o jovem parceiro de Logan também vai "checar uma informação" sem avisar ninguém, descobre a identidade dos vilões, mas é morto logo em seguida - sem deixar nenhuma pista sobre onde tinha ido para ajudar o herói ou a polícia nas investigações!

Além disso, o assassino karateka mascarado é praticamente onipresente, como se o sujeito vivesse escondido num cantinho escuro do esconderijo de drogas, só esperando alguém aparecer para poder matar!

Parece até que Tidyman ganhou uma graninha para simplesmente colocar seu nome num roteiro escrito pelo Zé da Padaria, porque é absurdo que um cara possa criar algo como "Operação França" e logo em seguida ser autor de uma aventura tão absurda e mal-desenvolvida!

Um detalhe curioso é o fato de FORÇA DESTRUIDORA ter sido dirigido por Paul Aaron, um sujeito inexperiente (era apenas o seu segundo filme), sem grandes referências em matéria de cinema de ação, mas que se saiu muito melhor que um veterano do gênero, Ted Post, no filme anterior de Norris.

Diz a lenda que Paul foi contratado apenas para fazer algumas alterações no roteiro original (a parte do filho adotivo do herói foi invenção dele), mas acabou conquistando a cadeira de diretor. Depois sumiu sem deixar vestígios, dirigindo mais alguns poucos trabalhos - entre eles um policial com Wings Hauser e a comédia "Maxie", com Glenn Close.

Se como trama policial o filme é risível, pelo menos não nega fogo para quem espera ver Norris em ação. Principalmente pela luta final com Bill Wallace: são dois astros das artes marciais em ação, e em câmera lenta! O confronto já começa violento no ringue onde ocorre a final do torneio de karatê, e termina fora dele, quando o vilão tenta escapar com uma fortuna em heroína.

Novamente, a coreografia das cenas de luta é assinada pelo próprio Chuck e por seu irmão e futuro diretor Aaron Norris, que tem uma pequena participação no filme como assistente do herói na academia. E como nepotismo pouco é bobagem, o filho do astro, Mike Norris, ainda moleque, também faz uma ponta como um entregador de pizza!

É interessante observar como os realizadores fizeram de tudo para transformar o personagem de Matt Logan em uma figura quase sobrenatural: ele não apenas tem uma destreza praticamente sobre-humana, mas também é visto por todos os outros personagens, inclusive os vilões, como um sujeito invencível.

Para isso também contribui o título original ("A Force of One" poderia ser traduzido como "Exército de um Homem Só") e o pôster de cinema, que mostra um mítico Chuck Norris sentado em posição de lótus dentro de um triângulo, e com a seguinte frase: "Ele escuta no silêncio, ele enxerga na escuridão. Ele é o único que pode deter a matança".

Talvez FORÇA DESTRUIDORA pudesse ser um filmaço se tivesse um roteiro melhorzinho, e principalmente com menos tempos-mortos na narrativa.

Do jeito que está, pelo menos já dá uma bela amostra do que Chuck Norris poderia fazer como herói de ação, tanto que todos os seus próximos filmes começaram a ficar mais exagerados e movimentados a partir daqui. E foi com seu trabalho seguinte - "Octagon" - que Norris transformou-se definitivamente em astro.

PS: O velho Guia de Filmes Nova Cultural, que durante anos foi a grande referência para os cinéfilos brasileiros, informou erroneamente que FORÇA DESTRUIDORA seria continuação de "Os Bons Se Vestem de Negro". Na verdade, os dois filmes não têm absolutamente nenhuma relação, e os personagens vividos por Norris até têm nomes diferentes, mas consta que foram lançados pela mesma distribuidora como programa duplo em alguns cinemas norte-americanos, o que pode ter gerado a confusão.

Trailer de FORÇA DESTRUIDORA

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A Force of One (1979, EUA)
Direção: Paul Aaron
Elenco: Chuck Norris, Jennifer O'Neill, Clu Gulager,
Ron O'Neal, Bill Wallace, Eric Laneuville, Pepe Serna,
James Whitmore Jr. e Clint Ritchie.

* A quem interessar possa, esta foi a capinha do filme quando lançado em VHS no Brasil pela Hipervídeo. Recentemente, ele foi relançado em DVD pela Spectra Nova:

OS BONS SE VESTEM DE NEGRO (1978)

2012-01-05T06:34:00.000-08:00

Apenas um ano separa o primeiro filme de Chuck Norris como protagonista, "Comboio de Carga Pesada" (1977), de OS BONS SE VESTEM DE NEGRO (1978), mas o salto de qualidade de uma produção para a outra é impressionante. E se "Comboio..." era uma produção paupérrima que quase ninguém viu, como se explica esse fenômeno?

Bem, vocês conhecem o ditado "Quem tem um amigo, tem um tesouro"? Pois na época, além de batalhar por trabalhos como ator, Norris era proprietário de uma rede de escolas de karatê. E um de seus alunos, vejam só, era um tal de Steve McQueen, que apadrinhou Chuck, incentivou-o a estudar interpretação e abriu algumas portas para que ele virasse um novo herói de ação.

Em entrevistas, Chuck declarou que, nos seus primeiros filmes, tentava seguir o modelo dos policiais de Clint Eastwood. Logo, talvez não seja coincidência que OS BONS SE VESTEM DE NEGRO tenha no comando o veterano Ted Post, que antes havia dirigido o próprio Eastwood em "A Marca da Forca" e "Magnum 44".

Infelizmente, se a promessa do pôster de cinema era de um filme de ação eletrizante, a execução ficou bem longe disso. E o que no papel poderia ser um grande veículo para Norris mostrar suas habilidades como karateka, na tela se resume a uma trama de espionagem bem rasteira, estilo telefilme de sábado à noite, com algumas poucas cenas de pancadaria e perigo entre intermináveis diálogos dos personagens.

A trama começa em Paris no ano de 1973, durante as discussões para definir o fim da Guerra do Vietnã. Ali, o inescrupuloso diplomata norte-americano Conrad Morgan (James Franciscus, dirigido por Post também no ótimo "De Volta ao Planeta dos Macacos") faz um trato com autoridades vietnamitas: em troca de benefícios no cessar-fogo, ele armará um esquema para entregar de bandeja aos comunistas a cabeça de um time de elite da CIA, os "Tigres Negros" (Black Tigers), responsáveis por várias baixas entre o inimigo durante o conflito.

Assim, o pelotão liderado pelo Major John T. Booker (Norris) é enviado a um campo de prisioneiros no Vietnã para supostamente resgatar alguns soldados norte-americanos aprisionados. Mas, chegando lá, caem numa cilada e quase todos são mortos. Depois, os helicópteros que deviam transportar os sobreviventes não aparecem (lembra de "Rambo 2"?), e Booker é obrigado a liderar seus homens restantes pela selva até a fronteira.

Cinco anos se passam e a dívida do ardiloso Morgan com as autoridades vietnamitas continua em aberto. Portanto, assassinos da própria CIA começam a perseguir e matar aqueles soldados que sobreviveram à emboscada de anos atrás, e que agora levam vidas normais em outros empregos.

O herói Booker, quem diria, largou a vida de major do exército para ser professor de ciências políticas numa faculdade (!!!), mas também atua como piloto de automobilismo (!!!) nas horas vagas. E tem um bigode bem vistoso para assinalar a passagem do tempo - o bigodão se transformaria numa espécie de marca registrada do astro junto com seu Roundhouse Kick!

Em uma de suas aulas, ele é procurado pela jornalista Margaret (Anne Archer), que parece saber demais sobre a operação fracassada e também sobre as mortes misteriosas dos soldados que sobreviveram anos antes.

Quando um aliado de Booker na CIA (Lloyd Haynes) confirma os assassinatos de seus antigos parceiros, o herói alia-se a Margaret e parte numa corrida contra o tempo para encontrar os sobreviventes antes que eles sejam silenciados. E, ao mesmo tempo, tenta descobrir quem está por trás do plano - no caso, Morgan, prestes a assumir o poderoso cargo de Secretário de Estado!

Contando resumidamente até parece bem interessante, mas OS BONS SE VESTEM DE NEGRO desperdiça seu potencial por gastar muito tempo com as intermináveis conversas políticas entre Morgan e seus asseclas, e principalmente na investigação de Booker sobre o responsável pela operação fracassada no Vietnã (algo que o espectador já sabe desde a primeira cena).

O resultado é tão brochante que, no final, quando Booker e Morgan finalmente se encontram cara a cara, nem ao menos acontece o duelo entre os dois que todo fã de Chuck Norris estava esperando desde o início do filme.

Pelo contrário, o herói não levanta um único dedo para o vilão, nem ao menos dá um tapinha de leve no sujeito, resolvendo o caso de uma maneira extremamente sem-graça e anti-climática - quando qualquer pessoa em sã consciência gostaria de ver Norris dando seu famoso chute giratório em Franciscus, ou ao menos algo parecido com o tratamento que o Capitão Nascimento deu no político corrupto em "Tropa de Elite 2"!

No restante do filme, a coisa não é muito melhor: basicamente, entre as diversas reuniões de gabinete e diálogos que parecem não ter fim, vemos Chuck Norris viajando de um lado para o outro tentando proteger seus ex-parceiros dos Tigres Negros, mas sempre sem conseguir, porque os assassinos são muito mais eficientes do que ele.

O engraçado é que tanto Booker quanto os assassinos sempre chegam nos alvos mais ou menos na mesma hora, e assim os caras geralmente são mortos segundos depois de o herói cumprimentá-los e alertá-los sobre o perigo!

Post deve ter dirigido o filme no piloto automático, ainda mais considerando que um dos melhores filmes do Dirty Harry, "Magnum 44", foi feito por ele (acho até melhor que o original "Perseguidor Implacável").

Mesmo a cena da emboscada no Vietnã, repleta de tiros, explosões, mortes e algumas voadoras de Norris, é burocrática e sem brilho - com direito a um momento lamentável em que um sujeito em cima de uma árvore toma um tiro, cai e fica NITIDAMENTE pendurado pela corda que prendia o pé do figurante para ele não se estatelar no chão!

A única cena realmente foda de OS BONS SE VESTEM DE NEGRO é aquela em que Booker enfrenta um assassino no aeroporto, após a explosão de um avião num atentado (por sinal, o efeito de sobreposição da explosão no fotograma é de chorar). O embate termina com o sujeito entrando em seu carro e tentando atropelar o herói... que dá uma voadora, atravessa o pára-brisa do carro com as pernas e mata o sujeito instantaneamente!!!

Na época do VHS, a qualidade da imagem era tão ruim que eu jurava que o próprio Chuck Norris tinha realizado a façanha. Revendo o filme com imagem de DVD, fica mais do que na cara que é um dublê. Segundo algumas fontes, trata-se do próprio irmão do astro, Aaron Norris, que depois iria dirigi-lo em vários filmes na década de 1980. Seja lá quem for, é uma acrobacia de tirar o chapéu, tão boa que acabou até no pôster.

(Aaron e Chuck dividem o crédito de coreografia das poucas lutas, e o irmão do astro também aparece rapidamente como um dos soldados da equipe dos Tigres Negros.)

Curioso é que se você assistir o trailer do filme (no final da resenha), vai ficar pensando que é pancadaria do começo ao fim. Não se engane: eles simplesmente pegaram as únicas cenas de ação e colocaram em sequência para tentar vender gato por lebre!

O roteiro de Bruce Cohn e Mark Medoff (nenhum deles têm grandes créditos no gênero) até tem algumas boas ideias, mas infelizmente não sabe aproveitá-las. Peguemos, por exemplo, as ocupações do personagem de Norris pós-Vietnã. Por mais difícil que seja difícil engolir Chuck como professor de ciências políticas numa faculdade (hahaha), isso é apenas uma desculpa para uma ceninha de três minutos em que seu personagem questiona a validade da Guerra do Vietnã.

Agora, por que diabos os roteiristas inventaram que Booker também é piloto de testes de carros de corrida, com direito a uma longa cena do herói "correndo" num autódromo (na verdade apenas a imagem foi acelerada na edição)? Se fosse uma desculpa para ele mostrar seu talento em alguma fantástica perseguição automobilística mais tarde, vá lá; mas não, o hobby do herói nunca se justifica, e esta cena no autódromo fica assim, solta, perdida, só para mostrar que Booker é tão fodão que, além de ex-milico e professor pacifista, também é piloto de carros de corrida!

E para uma história que é uma corrida contra o tempo (o herói correndo para tentar salvar seus parceiros de Vietnã da "queima de arquivo"), é incrível como os roteiristas não conseguem criar situações de tensão ou suspense. Pelo contrário, parece que Chuck Norris está sempre passeando, ao invés de aflito para chegar aos amigos antes que os assassinos enviados por Morgan.

Aí alguém poderá dizer que os filmes de ação dos anos 70 eram assim mesmo, mais lentos, menos barulhentos e fantasiosos. Nem vou entrar nesse mérito, mas é inquestionável o contraste na qualidade de, por exemplo, "Magnum 44", realizado pelo mesmo diretor Post cinco anos antes, e este filme aqui.

Apesar disso, OS BONS SE VESTEM DE NEGRO foi um sucesso nos cinemas, dando moral a Chuck Norris para continuar investindo em aventuras do gênero. Segundo o IMDB, o orçamento ficou na faixa de US$ 1 milhão (mixaria para os padrões atuais), e a bilheteria chegou a mais de 18 milhões de dólares.

Claro que ajuda o fato de esta ser uma produção bem mais decente do que a aventura anterior do astro, com um diretor de verdade no comando (embora Post não esteja em seus melhores dias) e um elenco repleto de caras conhecidas e atores de calibre, como Franciscus, Anne Archer e Dana Andrews.

Também é interessante ressaltar a presença de Soon-Tek Oh interpretando um dos bonzinhos - no caso, um dos Tigres Negros comandados por Booker. Ironicamente, ele e Norris voltariam ao Vietnã alguns anos depois como inimigos: Soon-Tek foi o vilão de "Braddock 2 - O Início da Missão".

Ainda que seja mais trama de espionagem do que filme de ação, OS BONS SE VESTEM DE NEGRO tem pelo menos um mérito além da produção caprichada e da voadora no pára-brisa: é esse fantástico título, que no original é ainda mais foda ("Caras Bonzinhos Vestem Preto"), numa inversão de um daqueles clichês clássicos de que o herói dos filmes sempre usavam roupas brancas enquanto os vilões vestiam trajes pretos.

Inclusive eu sugeriria uma refilmagem contemporânea com o roteiro recauchutado, cortes no bla-bla-bla e uma conclusão mais explosiva. Estrelada, quem sabe, por Jason Statham, que parece ser o Chuck Norris do século 21.

Mas sem câmera tremendo e edição de videoclipe, fazer favor.

Trailer de OS BONS SE VESTEM DE NEGRO

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Good Guys Wear Black (1978, EUA)
Direção: Ted Post
Elenco: Chuck Norris, Anne Archer, James Franciscus,
Lloyd Haynes, Dana Andrews, Lawrence P. Casey,
Soon-Tek Oh e Aaron Norris.

COMBOIO DE CARGA PESADA (1977)

2012-01-04T03:24:00.000-08:00

São pouquíssimos os casos de pessoas que se transformam em lendas ainda em vida, e um desses raríssimos exemplos chama-se Carlos Ray Norris, ou simplesmente Chuck Norris. Outrora um simples ator carrancudo de filmes de ação de baixo orçamento, espinafrado pela crítica e por grande parte do público, Chuck foi promovido a uma celebridade cult com o passar dos anos.

Recapitulemos: além de ser astro de filmes populares como "Invasão USA" e "Braddock - O Super Comando", o barbudão foi ganhando uma aura quase mítica cujo ápice foram os "Chuck Norris Facts", uma divertida piada que virou febre na internet e deu origem a frases como "Papai Noel existia antes de esquecer o presente de Natal de Chuck Norris".

E pensa aqui comigo: além de Chuck Norris, quantos astros de cinema você conhece que já viraram...

...revista em quadrinhos da Marvel com arte de Steve Ditko (!!!) e o próprio nome em letras garrafais na capa? (Repare que não são aventuras de um personagem de Norris, como Braddock por exemplo, mas ELE PRÓPRIO é o personagem do gibi!)

...jogo de videogame batizado com o próprio nome, o "Chuck Norris Superkicks"?

...desenho animado batizado com o próprio nome, o "Chuck Norris Karate Kommandos"? (O único outro exemplo que me lembro é o "Jackie Chan Adventures")

...linha de brinquedos com o próprio nome (ligada ao desenho "Karate Kommandos")?

...série de livros propagando suas façanhas, e imortalizando em papel os famigerados "Chuck Norris Facts"?

Portanto, queridos leitores, Chuck Norris é inquestionavelmente uma lenda viva, doa a quem doer. E em sua homenagem, o FILMES PARA DOIDOS lança uma nova maratona temática de início de ano. Se 2011 começou com resenhas diárias de filmes "direct-to-DVD" de Steven Seagal, 2012 inicia com a MARATONA CHUCK NORRIS: uma semana de textos sobre as primeiras aventuras do mito, antes do sucesso estrondoso de "Braddock - O Super Comando"!

Como todos sabem, Chuck teve seu primeiro papel de destaque no cinema apanhando de Bruce Lee em "O Vôo do Dragão" (1972). Depois foi vilão novamente e apanhou de Don Wong em "Massacre em San Francisco" (1974).

Três anos depois, com COMBOIO DE CARGA PESADA, em 1977, a lenda viva ganhou seu primeiro papel como protagonista, e desde então construiu uma carreira sólida, fazendo praticamente um filme por ano até 1996, quando deixou o cinema de lado para dedicar-se ao seriado de TV "Walker, Texas Ranger".

Preparem-se, pois será uma semana com overdose de testosterona. Eis o calendário de atualizações:
COMBOIO DE CARGA PESADA (Breaker! Breaker!, 1977)
OS BONS SE VESTEM DE NEGRO (Good Guys Wear Black, 1978)
FORÇA DESTRUIDORA (A Force of One, 1979)
OCTAGON (The Octagon, 1980)
AJUSTE DE CONTAS (An Eye for an Eye, 1981)
GOLPE MORTAL (Forced Vengeance, 1982)
MCQUADE, O LOBO SOLITÁRIO (Lone Wolf McQuade, 1983)

Começando, então, por COMBOIO DE CARGA PESADA...

Eu tenho lembranças muito vívidas da primeira vez que vi este filme porque esta foi uma das primeiras fitas que meu pai trouxe para casa, para testar o videocassete da família, recém-comprado no Paraguai - isso entre 1987-88.

Pois o velho ficou tão extasiado que não descansou até encontrar alguém que tinha dois videocassetes em casa (um verdadeiro luxo para a época), para poder gravar uma cópia pirata e reassistir o filme quantas vezes quisesse!

Já para mim, foi um dos primeiros contatos com um filme em VHS e com esse tal de Chuck Norris. Por isso, rever COMBOIO DE CARGA PESADA agora, mais de 20 anos depois de tê-lo assistido pela primeira vez (e finalmente com imagem decente e em widescreen), teve um ar de nostalgia.

E também foi uma surpresa: nas minhas memórias de infância, o filme era muito pior. Revendo-o agora, até achei bem divertido.

COMBOIO DE CARGA PESADA se encaixa em um bizarro subgênero batizado "trucksploitation": na década de 70, sem nenhuma explicação (pelo menos que eu tenha encontrado), começaram a pipocar filmes de ação sobre caminhoneiros valentões enfrentando todo tipo de adversidades no volante de enormes caminhões. Entre os títulos mais famosos estão "Truck Stop Women" (1974), de Mark L. Lester, e "White Line Fever" (1975), de Jonathan Kaplan.

Eu até ia escrever que COMBOIO DE CARGA PESADA era uma tentativa de pegar carona no sucesso de dois famosos trucksploitation do período: "Agarra-me se Puderes", com Burt Reynolds, e "Comboio", de Sam Peckinpah, mas a verdade é que o filme foi realizado no mesmo ano de "Agarra-me...", e "Comboio" saiu só em 1978!

(E sempre é bom lembrar que "Agarra-me se Puderes" foi um sucesso de bilheteria tão grande em 1977 que só ficou atrás de "Star Wars" entre os campeões daquele ano! Portanto é bem possível que a comédia com Burt Reynolds tenha roubado a atenção desse filme de estréia do Chuck.)

Curioso que os caminhões são as estrelas do pôster original de cinema, já que Chuck Norris ainda não era um grande astro (lembre-se: este é o seu primeiro papel como protagonista). Somente anos depois, com a fama do ator, as capinhas de VHS e DVD começaram a utilizar enormes fotos dele em destaque (veja algumas abaixo, assim como a capa do VHS brasileiro lançado pela Poletel).

Também há uma outra curiosidade: COMBOIO DE CARGA PESADA é um dos três filmes de Chuck Norris que Sylvester Stallone "semi-plagiou" posteriormente.

Se "Rambo 2" aproveita cenas e idéias de "Os Bons Se Vestem de Negro" e "Braddock - O Super Comando" (ambos lançados antes), COMBOIO DE CARGA PESADA e "Falcão, O Campeão dos Campeões" têm em comum o personagem principal caminhoneiro e especialista em queda-de-braço! Até mesmo o rival de Chuck na queda-de-braço, um grandalhão careca e bigodudo, é idêntico ao arquiinimigo de Falcão no filme do Stallone, como você pode ver nas fotos abaixo!

Chuck "interpreta" (muita generosidade de minha parte) J. D. Dawes, um caminhoneiro gente boa e mestre em artes marciais (claro...). Nas suas paradas em restaurantes de beira de estrada, entre um frete e outro, ele demonstra sua habilidade disputando quedas-de-braço por apostas.

J.D. tem um irmão mais novo, Billy (Michael Augenstein), que se prepara para sua primeira viagem com carga. Só que ele dá o azar de parar em Texas City, Califórnia, uma cidadezinha no meio do nada governada por um juiz doidão e por policiais corruptos.

Eles costumam extorquir motoristas com pesadas multas por delitos não cometidos, somente para poder confiscar suas cargas. Billy é "julgado" por eles e condenado à prisão sem poder se defender. Como diria Schwarzenegger: "Big mistake".

Nesse ínterim, J.D. fica preocupado com o sumiço do irmão e resolve investigar. Pega sua caminhonete estilosa, com o desenho de uma águia na lataria (ou será um falcão? xiiii...), e segue os passos do desaparecido até Texas City, onde também acaba tendo problemas com a lei local. Claro que o fato de ser mestre em artes marciais ajuda, e logo Falcão... ops!... J.D. estará lutando contra a cidade inteira para libertar Billy. Literalmente.

COMBOIO DE CARGA PESADA foi dirigido por um sujeito chamado Don Hulette, que faleceu em 2008 e nunca teve créditos muito expressivos além desse filme. Na verdade, Hulette era mais conhecido como músico do que como cineasta, e inclusive compôs a trilha para o relançamento de alguns clássicos do cinema mudo, como "O Homem Mosca" e "O Calouro", de Harold Lloyd. Claro que ele também compôs a trilha desse seu filme aqui. Já o roteiro é de Terry Chambers, outro que não tem créditos dignos de menção.

Talvez essa falta de experiência da dupla justifique a bagunça que é o filme em certos momentos, como ao misturar ação e comédia meio sem critério.

Por exemplo, as cenas em que J.D. tenta interagir com a excêntrica população caipira de Texas City antes do pau comer, que são muito divertidas, parecem ter sido a inspiração para o excelente "Reviravolta", de Oliver Stone, produzido exatamente 20 anos depois.

Na conclusão, os amigos motoristas de J.D. aparecem para destruir a cidade com seus caminhões, e eles assim o fazem. Mas o filme termina sem explicações necessárias, como o que aconteceu ao juiz malucão que dominava a cidade: um caminhão invade a sala da sua casa e ele simplesmente some da narrativa, sem que se diga se morreu ou escapou para reconstruir o local.

Por sinal, vale destacar a excelente interpretação do veterano George Murdock como o juiz, no limite entre a insanidade e a crueldade. Segundo o IMDB, Murdock apareceu em mais de 180 trabalhos (entre filmes e seriados), e continua trabalhando!

Outros talentos envolvidos nessa produção de fundo de quintal são Jack Nance (recém-saído de "Eraserhead"), como um amigo malucão de J.D., e Steven Zaillian, que começou como editor aqui e anos depois firmou seu nome como roteirista de blockbusters (entre eles, "A Lista de Schindler", que lhe deu o Oscar de Melhor Roteiro, e o recente "Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres").

Como esse é seu primeiro filme no papel principal, Chuck se esforça e dá o seu melhor na tela. Ainda está na sua fase pré-barba, com cara limpa e cabelinho loiro, e faz um personagem mais falante e simpático do que os carrancudos e silenciosos heróis exterminadores que protagonizou na década de 1980.

Mesmo assim, o roteiro lhe dá várias oportunidades para distribuir "Roundhouse Kicks" (aquele demolidor chute giratório que ele dá em todos os seus filmes), e no final há uma luta muito boa entre J.D. e o delegado corrupto da cidadezinha.

Esta cena (confira o vídeo no final da resenha) tem uma pegada de western spaghetti, com os dois adversários "se estudando" durante um tempão e vários closes e "super-zooms" no rosto inexpressivo de ambos. Depois, a pancadaria rola em câmera lenta, com um belo trabalho de direção e montagem. Sem contar que a ambientação, num curral, permite uma mais do que gratuita analogia entre Chuck Norris e o cavalo selvagem que fica galopando de um lado para o outro...

A coreografia das cenas de luta foi do próprio Norris, e é uma pena que os realizadores não mostraram o herói castigando o juiz também. Afinal, era ele o grande vilão, e não o pobre policial que pagou o pato no lugar do patrão!

É bem marcante o contraste entre COMBOIO DE CARGA PESADA e as obras que tornariam Norris popular, principalmente as aventuras que fez com a Cannon Films nos anos 1980. Se filmes como "Braddock" e "Comando Delta" imortalizaram o astro como o herói que fala pouco e bate (ou atira) muito - e geralmente um herói assexuado, sem muito interesse em pares românticos -, este aqui e todos os outros trabalhos da primeira fase da filmografia de Chuck trazem um montão de diálogos entre as lutas, e até um caso de amor. No caso desse aqui, entre o protagonista e uma das únicas mulheres da cidade, a viúva Arlene (Terry O'Connor), que, por conveniências do roteiro, é filha do juiz malucão!

Tudo considerado, COMBOIO DE CARGA PESADA é até bem melhorzinho do que eu me lembrava e do que as críticas encontradas na internet dizem. E tem um clima cômico que ajuda o espectador a embarcar no absurdo da história (os caipiras da cidadezinha são tão estereotipados que até parece que Chuck Norris invadiu o set de "2.000 Maniacs", do Hershell Gordon Lewis!).

Claro que o ator faria coisas bem melhores logo em seguida, mas para um primeiro filme como protagonista até que não está mal. Principalmente se olharmos os primeiros filmes estrelados por outros astros de ação dos anos 80, tipo Stallone (em "O Garanhão Italiano") e Schwarzenegger (na horrível comédia "Hércules em Nova York").

Comparado a eles, até que Chuck Norris começou com o pé direito. Neste caso, literalmente - e na cara de vários adversários!

PS: Por que diabos o filme ganhou o título "Comboio de Carga Pesada" aqui no Brasil? Só para fazer o link com o "Comboio" do Peckinpah? Afinal, não há exatamente um comboio no filme (mesmo no final, quando os caminhões invadem a cidade, são só quatro ou cinco veículos no total), e tanto faz se a carga é pesada ou não, se é que os caras estão transportando alguma carga. Ah, esses inventores de títulos nacionais e suas ideias malucas...

A luta final de COMBOIO DE CARGA PESADA

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Breaker! Breaker! (1977, EUA)
Direção: Don Hulette
Elenco: Chuck Norris, George Murdock, Terry O'Connor,
Don Gentry, John Di Fusco, Michael Augenstein,
Ron Cedillos e Jack Nance.

O GARANHÃO ITALIANO e REBELDE (1970)

2011-12-21T03:03:00.000-08:00

Vários astros de Hollywood começaram sua carreira toscamente, de George Clooney em "O Retorno dos Tomates Assassinos" e Matthew McConaughey em "O Massacre da Serra Elétrica 4" a Angelina Jolie em "Cyborg 2" e Demi Moore em "Parasite 3-D". Mas poucos tiveram um início de filmografia tão porco quanto nosso querido Sylvester Stallone. Afinal, antes de ser John Rambo, Rocky Balboa, Falcão e Marion Cobretti, nosso querido Stallone estrelou duas verdadeiras bombas atômicas, daquelas de destruir o currículo de qualquer um.

Felizmente para Stallone, pouquíssima gente viu o pornô softcore O GARANHÃO ITALIANO e o drama/thriller REBELDE, ambos de 1970, na época dos seus lançamentos originais, e assim a imagem do futuro astro não foi arranhada. E, refeito das péssimas experiências, ele pôde escolher melhor os futuros trabalhos, fazendo pontinhas em filmes importantes como "Bananas", de Woody Allen, e "Klute, o Passado Condena", de Allan J. Pakula.

Essas participações sedimentaram o caminho de Stallone rumo ao estrelato, que chegaria seis anos depois de suas duas estréias tortas no mundo do cinema: em 1976, o ator escreveu e estrelou "Rocky, Um Lutador", de John G. Avildsen, e o filme foi indicado para 10 Oscars (incluindo o de Melhor Ator!!!), faturando três (Melhor Filme, Diretor e Montagem).

E como sempre acontece quando um ator é alçado ao topo, algum espertalhão subitamente se lembrou daqueles dois filmes esquecidos e trouxe O GARANHÃO ITALIANO e REBELDE de volta à luz da ribalta, numa estratégia que não chegou a macular a carreira de Stallone, mas apenas comprovou como foi difícil o seu trajeto para o estrelato.

Dentro desse espírito, o FILMES PARA DOIDOS encerra o ano de 2011 com essa fantástica Sessão Dupla "Vergonha Alheia de Stallone", para que você possa passar Natal e Réveillon rindo da cara de nosso amigo de boca torta e olhar de peixe morto!

O GARANHÃO ITALIANO (1970)

OK, como eu já escrevi, vários astros começaram por baixo. Porém poucos começaram TÃO por baixo quanto Stallone, que mostrou o pinto, fez caras e bocas e participou de uma orgia no pornô softcore "The Party at Kitty and Stud's", rodado em Nova York, no final de 1969, por um sujeito chamado Morton Lewis.

À época, o cinema comercial adulto ainda não tinha se rendido à putaria explícita - embora já houvessem filminhos pornôs hardcore em 8mm circulando clandestinamente por aí. Isso quer dizer que "The Party at Kitty and Stud's" não chegava às vias de fato, sem mostrar penetrações (aquilo entrando naquilo) ou closes de sexo oral - era tudo "de mentirinha", com os atores se esfregando e fazendo de conta que trepavam.

Consta que Stallone, então com 24 anos, só topou participar do filme porque estava numa pindaíba de dar dó, não tinha dinheiro para pagar o aluguel do apartamento onde vivia e nem para comer. Ele trabalhava como porteiro de cinema, e, nas últimas semanas antes das filmagens, estava dormindo em jaulas vazias de zoológico e terminais rodoviários para economizar grana!

Numa entrevista à revista Playboy em 1978, o astro confessou que só tinha duas alternativas para conseguir grana naquela época: fazer o filme ou assaltar alguém. Estupidamente, ele optou pela primeira alternativa, e ganhou 200 dólares por dois dias de gravações! O filme inteiro, rodado em 16mm, teria custado apenas 5 mil dólares.

No roteiro do também produtor (e provavelmente parente do diretor) Milton Lewis, o jovem Stallone interpreta Stud, palavra inglesa para "Garanhão". Ele vive com a maluquinha Kitty (Henrietta Holm), e ora transa com ela, ora a espanca com seu cinto.

Certo dia, Stud coloca um aviso num mural convidando pessoas desinibidas para a "Festa na Casa de Kitty e Stud" anunciada no título original. Dois casais (um hetero e outro formado por lésbicas) aparecem no apartamento, e desenrola-se uma grande suruba. The end. Genial, não?

"The Party at Kitty and Stud's" foi exibido em alguns poucos cinemas e logo saiu de cartaz direto para o esquecimento. Isso até Stallone ficar em alta com o sucesso de "Rocky" em 1976. Dois anos depois, em 78, a diretora de filmes adultos Gail Palmer (de "Hot Summer in the City") adquiriu os direitos sobre a obra e fez uma nova montagem, relançando-a nos cinemas na versão até hoje existente, rebatizada O GARANHÃO ITALIANO, numa referência ao apelido de Rocky Balboa em "Rocky".

Como a versão original não existe mais, fica difícil saber se o filme já era sem pé nem cabeça originalmente ou se ficou assim por culpa da reedição de Gail Palmer (que dá mais destaque à figura de Stallone e corta, bem, todo o resto!).

Espertinha, e tentando faturar em cima do novo astro, Gail montou uma nova sequência inicial com cenas de Stallone correndo e brincando na neve (provavelmente outtakes, cenas dos bastidores da filmagem de "The Party at Kitty and Stud's"), e incluiu uma nova trilha sonora que parodia a música de "Rocky".

A primeira transa entre Stud e Kitty também foi dublada pela própria Gail, que, como se fosse a "voz do pensamento" de Henrietta Holm, dispara frases "eróticas" clichezentas como "Stud's body really turns me on".

(Vale destacar que Gail aparece "in persona" no hilário trailer do relançamento de O GARANHÃO ITALIANO. Ela está numa moviola, em pleno processo de remontagem do filme, e enganosamente declara que se trata de uma obra X-Rated, com "fortíssimo conteúdo sexual". O trailer pode ser assistido no final dessa resenha. E reparem como a Gail era uma gracinha!)

Pois do jeito que ficou após a remontagem, O GARANHÃO ITALIANO é simplesmente incompreensível. Stud e Kitty transam, e depois o rapaz aparece conferindo os músculos no espelho enquanto duas garotas nuas "brincam" na cama (!!!). Tudo parece ser apenas fruto da imaginação do protagonista, pois no momento seguinte ele sai do quarto e não tem mais ninguém na cama - ou então é montagem ruim mesmo.

Mais tarde, Stud caminha pelo parque e testemunha uma garota (Janet Banzet, em participação-relâmpago) abrindo o casaco e revelando o corpo completamente nu. Ele volta para o apartamento de Kitty em estado de choque e, num acesso de fúria, dá um murro no vidro da janela, ficando com um corte na mão. Sem cerimônia, Kitty começa a lamber e chupar o sangue que sai do ferimento, em cena digna de um filme do Sady Baby!

(Só para constar: a tal moça exibicionista do parque devia ter papel de mais destaque na edição original, já que ela também aparece no início do filme, novamente sem maiores justificativas!)

Kitty faz um curativo na mão de Stud, e isso deixa Stud excitado. A moça se ajoelha para fazer sexo oral (off-screen) no rapaz, e ele a adverte: "Tenha cuidado. Não vá me morder, como da outra vez". Mas ela morde só de pirraça, e Stud responde enchendo Kitty de safanões e cintadas, numa cena de pancadaria quase interminável.

Finalmente, começa a festa no apartamento de Kitty e Stud. Um casal de lésbicas (uma negra e uma branca) rola pelo chão, observado por Stallone completamente pelado, na única cena em que é possível ver seu pinto "sem censura". Logo, ele e Kitty também se entregam à suruba.

Enquanto isso, no quarto, um outro casal transa enquanto o homem come uma banana (!!!) e comenta sobre uma atriz contratada para filmar uma cena pornográfica com um cavalo. Não tente entender.

À época do relançamento de "The Party at Kitty and Stud's" como O GARANHÃO ITALIANO, devido à publicidade e às fofocas, teve início a lenda urbana de que este filme de estréia de Sylvester Stallone seria um pornô hardcore, com o futuro Rambo passando a vara geral na mulherada.

Na verdade não é bem assim, da mesma forma como nossa querida Xuxa Meneghel nunca fez pornô (o famigerado "Amor Estranho Amor" é apenas um dramalhão com cenas de sexo softcore, e não putaria da pesada, como o povão acredita até hoje).

Não existe uma única cena explícita em O GARANHÃO ITALIANO, e inclusive as cenas de sexo são poucas, curtas e limitam-se aos atores e atrizes simulando rala-e-rola e orgasmo (mas nem mesmo o "money shot" da ejaculação, uma exigência do pornô explícito, aparece).

Na maior parte do tempo, o que vemos são closes nas genitálias das meninas (super-cabeludas, como era moda na época), e intermináveis dancinhas com as atrizes peladas ao invés de fodas. Na cena final, que é um convite à brochada, todo o elenco do filme se reúne na sala da casa para dançar numa rodinha (sem malícia!), pelados e de mãos dadas!!!

Assim, Stallone nunca faz nada realmente hardcore, e inclusive percebe-se claramente que ele não está muito, hã, estimulado em suas duas cenas de sexo, ostentando um pinto que cai de um lado para o outro como maria-mole. Podia até ter mudado seu nome artístico para "Sylvester Stamollone".

Outro detalhe que ajudou a sedimentar a lenda urbana sobre o "pornô de Stallone" é uma versão X-Rated de O GARANHÃO ITALIANO que circulou de forma pirata nos anos 80. Atualmente, só restou uma cópia dublada em alemão dessa versão.

Mas logo cinéfilos descobriram que o negócio não passa de uma picaretagem das brabas: cenas do filme do Stallone foram remontadas com inserts explícitos de um pornozão hardcore, "White Fire" (1976), de Roger Colmont. Dessa forma, parece que Stallone está metendo de verdade, mas os closes dos pintos e pererecas pertencem a outros atores e atrizes!

Os enxertos ficam evidentes quando o lençol sobre a cama passa do liso (nas cenas originais com Stallone) para listrado (nos closes explícitos), como você pode ver nas imagens abaixo. Ah, picaretas descuidados...

A lenda urbana do "pornô de Stallone" foi oficialmente desmentida em 2007, quando a revista norte-americana AVN (Adult Video News) examinou uma das únicas cópias existentes da montagem original de "The Party At Kitty And Stud's", guardada a sete chaves por um colecionador, concluindo que não há um único fotograma de sexo explícito na obra.

Ou seja, Stallone jamais molhou o biscoito pra valer diante da câmera. Pelo menos não enquanto ela estava ligada...

No Brasil, o filme foi lançado na época do VHS pela distribuidora PBV, com uma hilária capinha (reprodução ao lado) que anunciava: "Antes de Rambo... Antes de Rocky...".

Há alguns anos, saiu um DVD piratex com as versões soft e hard (aquela picaretagem alemã com enxertos X-Rated).

Embora seja ruim de doer como cinema, e principalmente como cinema erótico, O GARANHÃO ITALIANO sobrevive graças à curiosidade mórbida de ver um grande astro hollywoodiano pagando um micão tenebroso.

Naquela mesma entrevista à Playboy em 1978, Stallone contou que os realizadores da obra pediram dinheiro para não relançá-la, na época do sucesso de "Rocky", e que ele negou por achar que o filme era tão ruim que não valia nem dois centavos, quanto mais o dinheirão que os chantagistas pediam para sumir com a evidência do seu passado negro.

Uma prova de humildade de Stallone, que, ao contrário da nossa Rainha dos Baixinhos, optou por não proibir nem censurar essa página vergonhosa da sua biografia.

E olha que ele está muito pior que a Xuxa, sem convencer nas cenas de sexo - algo que não evoluiu com a idade, vide sua trepada lamentável com Sharon Stone em "O Especialista"!

Mas há um motivo para dar uma chance a O GARANHÃO ITALIANO - além do motivo óbvio de rir da cara de moleque e do pinto mole do Stallone, claro.

É Henrietta Holm (acima), a parceira de rala-e-rola do astro, uma gracinha de beleza simples e imperfeições hoje inexistentes nas atrizes pornôs, que são todas siliconadas e operadas até ficarem iguais a bonecas infláveis. Segundo o IMDB, este é o seu único filme.

Taí: se Stallone for macho mesmo, ele vai convidar Henrietta Holm para aparecer em "Os Mercenários 3"!

Como curiosidade, John G. Avildsen, que dirigiu Stallone em "Rocky", também começou sua carreira no cinema pornográfico, dirigindo, ele sim, filmes com sexo explícito, como "Cry Uncle", de 1971.

PS: O anúncio de página inteira sobre o relançamento de O GARANHÃO ITALIANO nos cinemas, abaixo, foi uma colaboração do cinéfilo Hugo Malavolta. Repare na enganosa informação de que o filme é "X-Rated". Alô, Procon?

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REBELDE (1970)

Se tudo indicava que a carreira de Stallone iria ralo abaixo após "The Party At Kitty And Stud's", até que o ator conseguiu emprego rapidinho logo en seguida, e como protagonista deste obscuro drama/thriller sobre hippies preocupados com a participação dos Estados Unidos na famigerada Guerra do Vietnã.

No final dos anos 1960, o conflito no Continente Asiático estava no auge, bem como os protestos da juventude norte-americana pedindo o fim da guerra e do envio de soldados para o Vietnã (o que só aconteceria algum tempo depois, em 1975).

Assim, em 1970, um sujeito sem nenhum crédito anterior chamado Robert Allen Schnitzer resolveu fazer um "filme-denúncia" sobre as manifestações anti-Vietnã, aproveitando a onda de thrillers políticos da época. Ele mesmo escreveu o roteiro do que viria a ser REBELDE, ao lado de Larry Beinhart (anos depois, Beinhart escreveria o livro "American Hero", que deu origem à genial sátira política "Mera Coincidência").

REBELDE se passa em outubro de 1969 e conta a história de um grupo de jovens hippies politicamente engajados. Eles vêm cometendo atos de terrorismo contra o governo, exigindo a retirada das tropas americanas do Vietnã. Um dos "terroristas do bem" é o jovem Jerry Savage (Stallone), que anda pelo filme como um zumbi, usando roupas terríveis e um chapéu que deve ter roubado de algum mendigo.

Embora tenham cometido alguns atentados a bomba, os "rebeldes" são pacifistas, atingindo sempre edifícios do governo quando eles estão vazios, para não machucar ninguém. Por isso, um maligno agente do FBI resolve cortar o mal pela raiz: infiltra no grupo um agente duplo, Tommy (Tony Page), que incentiva os colegas a realizar um ataque mais violento - mera desculpa para que os homens do governo possam cair matando em cima dos jovens.

O alvo é uma aparentemente pacífica empresa de produtos de metal que, por baixo dos panos, fabrica jaulas que servirão como armadilha para aprisionar vietcongues lá do outro lado do mundo. Enquanto Jerry quer apenas divulgar os contratos à imprensa e expor o segredo sujo, o traidor Tommy convence todos a bombardearem o edifício da empresa, e deixa o FBI de sobreaviso sobre a hora e o local do atentado.

Paralelamente, Jerry apaixona-se por uma jovem riponga que vive no meio do mato e vai à cidade de vez em quando para vender suas bijuterias feitas à mão. Ela se chama Laurie (Rebecca Grimes), e não concorda com a maneira violenta como Jerry e seu grupo tentam trazer a paz.

Lendo assim pode até parecer interessante, mas na verdade REBELDE é um exercício de paciência para qualquer espectador. Mal-filmado, mal-atuado e mal-interpretado (principalmente por Stallone pós-pornô softcore), o filme nunca consegue prender a atenção do espectador, e passar dos primeiros 15 minutos já é uma prova de fogo - eu mesmo só aguentei até o final passando para a frente com o FF.

A história, embora aparentemente simples, é narrada de maneira tão caótica que você só começa a entender os personagens e suas motivações perto do final.

Tanto que uma versão recentemente lançada em DVD na gringa ganhou absurdas legendas explicativas sobre "freeze-frames", algo que NÃO fazia parte do filme originalmente, explicando quem são os personagens e suas motivações, e até letreiros no início e no final apresentando o protagonista e contando o que aconteceu com ele após a conclusão!!!

Como já havia acontecido com "The Party At Kitty And Stud's", REBELDE também foi reeditado e relançado anos depois para aproveitar a fama de Stallone com "Rocky".

O filme chegou originalmente aos cinemas com o título "No Place to Hide", e era voltado ao público hippie. Foi um fracasso comercial. No começo dos anos 1980, quando Stallone já era um astro, o diretor Schnitzer resolveu fazer uma nova versão, reintitulada "Rebel" e com um gigantesco "Estrelando Sylvester Stallone" nos créditos iniciais (antes ele aparecia sem destaque junto com os outros atores).

Abaixo você pode ver dois cartazes de cinema distintos do filme: o primeiro, da época do lançamento, não destaca o nome de ninguém, já que Stallone ainda era um completo desconhecido; o segundo já estampa o rosto do astro e seu nome em letras garrafais, maior que o próprio título do filme!!!

Segundo o IMDB, não sobreviveu nenhuma cópia da versão "No Place to Hide" (exibida em alguns lugares com o título alternativo "No Place to RUN"), apenas essa remontagem intitulada "Rebel", que inclui mais cenas com Stallone, mais cenas com os agentes do FBI para acentuar o lado "conspiratório" da trama e menos baboseira "bicho-grilo" do que a versão anterior.

REBELDE foi lançado no Brasil nos primórdios do VHS pela Hipervídeo, que nem se deu ao trabalho de traduzir o título - saiu como "Rebel" mesmo. Mais recentemente, ganhou um relançamento em DVD com o título em português pela NBO.

Esse disco é um daqueles produtos barateiros para venda em balaios de ofertas, e a qualidade da imagem é abaixo da crítica: embora uma legenda sem-vergonha no início (foto acima) informe que a distribuidora buscou a melhor cópia possível, o que temos é um VHS-Rip dos mais grosseiros, em tela cheia, embora existam versões melhores e em widescreen lançadas lá fora. Ou seja, o "produto nacional" não vale nem os 5 ou 10 reais geralmente cobrados por aí.

Veja abaixo uma comparação entre a versão fuleira em tela cheia lançada no Brasil e a versão original encontrada lá fora - perceba que uma personagem INTEIRA é cortada do enquadramento em fullscreen, perdendo o espaço em cena para... um abajur!!!

Por sinal, com a fama de Stallone, REBELDE ganhou capinhas absurdas pelo mundo afora, como essas abaixo, que dão uma ideia completamente equivocada sobre o que é o filme, usando inclusive imagens e fotografias de outros filmes do astro (como "Condenação Brutal" e "Rambo - Programado para Matar"). Fico imaginando a cara de quem locou/comprou alguma dessas fitas pensando que era um novo filme de ação do Stallone...

Se O GARANHÃO ITALIANO hoje funciona menos como filme erótico e mais como comédia, o mesmo aconteceu com REBELDE, que já era ruim e envelheceu mal pra caramba.

Tente segurar o riso, por exemplo, na cena em que a hippie maluquinha Estelle (Vickie Lancaster, em seu único filme) seduz o personagem de Stallone fazendo uma tosquíssima dança-do-ventre, vestindo apenas calcinha e sutiã, e a câmera dá closes constrangedores da pança da menina balançando para cima e para baixo!

Tente segurar o riso, também, na patética cena em que a mesma Estelle conta a Jerry uma história supostamente triste sobre como abortou e guardou o feto morto dentro de uma garrafa durante uma semana (!!!). A reação de Stallone à narração da história, com cara de paisagem como se estivesse escutando uma piada de português pela décima vez, é hilária.

Tente segurar o riso, PRINCIPALMENTE, durante as discussões entre a "bicho-grilo" Laurie e o revoltado Stallone. Ela diz frases filosóficas como "Não podemos forçar o mundo a mudar, apenas amor pode trazer mudanças", ou "Eu rezo pela paz todos os dias", e ele responde com tiradas hilárias como "Você não pode rezar pela paz, tem que pagar por ela. Qualquer preço!".

Existe ainda uma ridícula e desnecessária discussão sobre hambúrgueres entre figurantes numa lanchonete (trinta e poucos anos antes de Tarantino colocar o mesmo tema em discussão em "Pulp Fiction"), e um personagem do tipo "negrão revoltado" que é tão clichê que chega a ser ofensivo - ele passa o filme todo berrando frases como "I don't want no more black blood in no more wall!!!".

REBELDE parece tanto uma comédia que, em 1990, uns sujeitos sem-noção resolveram transformá-lo em uma: pegaram os negativos do filme, redublaram tudo, filmaram umas cenas adicionais e relançaram com o título "A Man Called... Rainbo" (no Brasil, saiu em VHS apenas como "Rainbo"), uma hilária sátira a "Rambo" realizado por David Casci.

Surpreendentemente, essa versão cômica acabou fazendo mais sucesso que a montagem original. Chegou a ganhar prêmios de melhor filme e melhor comédia em festivais de cinema, e, diz a lenda, o próprio Stallone abençoou e aprovou a tiração de sarro.

(O curioso é que não há nenhuma explicação sobre o fato de "Rainbo" ser uma remontagem satírica de REBELDE no filme ou na capinha do VHS nacional. Quando eu vi esse negócio, ainda moleque, fiquei pensando em como Stallone foi corajoso para estrelar uma comédia tão tosca, até descobrir que era apenas um trabalho antigo reeditado e redublado!)

E se rir da cara de cabaço de Stallone é o principal motivo para suportar REBELDE hoje, também há certo interesse pelo fator documental da coisa, já que o diretor Schnitzer usou impressionantes cenas reais da Guerra do Vietnã e de protestos anti-conflito, além de notícias no rádio sobre o Festival de Woodstock e um discurso de Martin Luther King.

Assim, a obra tornou-se mais um retrato fiel daquela época turbulenta (já que foi filmado EXATAMENTE na época!) do que um filme decente ou interessante. O "pornô" do Stallone ainda é bem mais divertido.

PS: Esta é a última postagem do FILMES PARA DOIDOS em 2011. Portanto, embora eu não seja muito fã das festas de final de ano, deixo registrados os meus sinceros desejos de Feliz Natal e Próspero 2012 para todos os leitores do blog! Espero reencontrá-los por aqui no ano que vem, sempre ansioso por seus comentários, sugestões e críticas. Até lá!!!

Trailer de O GARANHÃO ITALIANO

Trailer de REBELDE (sem som)

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The Party at Kitty and Stud's / Italian Stallion
(1970, EUA)
Direção: Morton Lewis
Elenco: Sylvester Stallone, Henrietta Holm,
Jodi Van Prang, Nicholas Warren, Frank Micelli,
Barbara Strom e Janet Banzet.

No Place to Hide / Rebel (1970, EUA)
Direção: Robert Allen Schnitzer
Elenco: Stallone, Tony Page, Rebecca Grimes,
Vickie Lancaster, Dennis Tate, Barbara Lee Govan,
Roy White e Henry G. Sanders.

BOA VS. PYTHON (2004)

2011-12-17T09:27:00.000-08:00

Existe um subgênero pavorosamente ruim surgido nos anos 90 e que atingiu o ápice da mediocridade neste nosso novo século: os filmes com animais gigantes assassinos toscamente produzidos por computação gráfica, geralmente produções paupérrimas realizadas para a TV a cabo. E como volta-e-meia eu gosto de analisar filmes REALMENTE RUINS aqui no FILMES PARA DOIDOS, hoje vamos colocar em discussão um deles.

Trata-se de BOA VS. PYTHON, mistura de aventura e horror produzida pelo Sci-Fi Channel (atualmente "SyFy") com a mixaria de US$ 1.200.000, e rodada na Bulgária para economizar. Como a maioria desses novos filmes com bichos monstruosos (pode colocar "Sharktopus" no mesmo balaio), esse aqui também comete o erro mortal de se levar a sério demais, gastando um precioso tempo para "contar história" ao invés de investir no duelo prometido pelo título ou no gore (reduzido ao mínimo).

O pior é que qualquer besta-quadrada veria potencial na história de duas cobras gigantes que saem na porrada enquanto brincam para ver quem devora mais o elenco humano. Roger Corman e Charles Band fariam miséria lá nos anos 80, e o resultado certamente seria muito mais divertido, inconsequente e sanguinolento.

Infelizmente, as bestas-quadradas que escreveram, produziram e dirigiram BOA VS. PYTHON não parecem ter visto esse potencial. Afinal, sabe-se lá por que motivo, resolveram levar o projeto mais a sério do que deveriam.

O resultado é uma enfadonha trama onde as duas cobras, verdadeira razão de ser de um filme chamado BOA VS. PYTHON, não passam de meras coadjuvantes, e ainda por cima produzidas naquele já tradicional CGI de fundo de quintal (de maneira que você até fica feliz enquanto as tosquíssimas cobras NÃO aparecem!!!).

BOA VS. PYTHON é uma espécie de continuação/cruzamento de outras produções com cobras gigantes feitas anos antes pelo mesmo Sci-Fi Channel: a série "Python" (com dois filmes, o primeiro dirigido por Richard Clabaugh em 2000 e o segundo por L.A. McConnell em 2002) e o filme "Terror em Alcatraz", assinado por Phillip J. Roth em 2002, que traz uma gigantesca cobra jibóia ("boa", em inglês) como vilã.

Inclusive o roteiro aqui faz citações explícitas a estes três filmes, como quando um agente da CIA informa que as operações da agência com cobras gigantes foram suspensas na Rússia (conforme foi visto no horrendo "Python 2").

A trama deste confronto de titãs é absurda, ridícula e inverossímil, o que novamente me faz questionar por que motivo, razão e circunstância não virou algo assumidamente divertido na linha de "Serpentes a Bordo": Broddick (Adam Kendrick) é um milionário entediado e amante de caçadas, que resolve "importar" uma gigantesca cobra python mutante de 25 metros de comprimento para realizar um safári particular com seu grupo de amigos.

Detalhe: embora o ricaço tenha grana suficiente para comprar o tal monstrengo, e embora possua seu próprio avião (com o nome dele escrito na fuselagem e tudo mais), o sujeito precisa alugar os serviços de uma transportadora (!!!) para levar o contêiner com a python até o local da caçada - o que, claro, vai acabar mal.

A serpente foge do contêiner, devora os homens responsáveis pelo transporte e se esgueira pela tubulação de água e esgoto. Como o caminhão onde a cobra era transportada acabou explodindo no processo de fuga do réptil, a CIA entra em cena para investigar a possível ligação com algum atentado da Al-Qaeda (pós-11 de setembro, sabe como é...). E não demora para o agente Sharpe (Kirk B.R. Woller) concluir que uma serpente gigante está à solta.

É aí que a trama começa a ficar ainda mais improvável: Sharpe e a especialista em animais marinhos (hein?) Monica, que vem a ser uma loira gostosa e siliconada (Jaime Bergman, infelizmente vestida o tempo inteiro), descobrem que existe outra serpente gigante nas redondezas, uma imensa jibóia-vermelha de 20 metros criada por um especialista em cobras, o dr. Emmett (David Hewlett, que teve tempos melhores em "Scanners 2" e "Cubo", e é a cara do Bono Vox).

O cientista, acredite se quiser, mantém a cobrona trancada numa salinha apertada de seu laboratório (!!!), e deixou-a gigante para "pesquisar a cura para os venenos das serpentes", depois que sua irmã foi morta por uma cobra em Buenos Aires (!!!). Por que uma cobra de 20 metros ajudaria na descoberta da cura dos venenos das serpentes é algo que foge à minha compreensão. Por outro lado, também não consigo entender como é que esse pessoal consegue criar cobras mutantes gigantescas com tanta facilidade, mas vamos em frente...

O plano de Sharpe e Monica é fantástico de tão implausível: colocar sensores de movimento, câmeras e até GPS na jibóia de Emmett (epa, nada de maliciar!), e depois soltá-la nos esgotos da cidade para caçar a python fugitiva.

O plano seria fantástico se as duas cobras não começassem a devorar todo o elenco humano antes de propriamente saírem no pau entre elas - o que acontece apenas na conclusão, depois que quase todos os personagens já foram comidos ou partidos no meio. Paralelamente, Broddick (o milionário fã de caçadas, lembra?) convida os melhores caçadores do mundo para participar do safári e caçar a python.

BOA VS. PYTHON tem algumas coisas bem legais, como o início que faz um paralelo do combate das cobras com uma exibição de luta livre, mas esses elementos são desperdiçados porque a narrativa abre um espaço gigantesco para a "investigação" do paradeiro dos monstros e para as explicações científicas, ao invés de concentrar-se na sangueira e na matança.

Há três situações distintas no roteiro de Chase Parker e Sam Wells (cobras matando geral, cobra versus cobra e caçadores excêntricos versus cobra), mas filme e roteiro desperdiçam as três, sem trabalhar satisfatoriamente nenhuma delas.

A qualidade do texto da dupla é de chorar, ainda mais quando eles tentam dar profundidade aos personagens (o pobre dr. Emmett que perdeu a irmã em Buenos Aires, a especialista em vida marinha que aprendeu, com os golfinhos, a respirar por longos minutos debaixo d’água...). Até mesmo frases com alto potencial cult-trash (do tipo "Die you slithering piece of shit!", gritada por um sujeito que tenta torrar a gigantesca jibóia usando um lança-chamas!) acabam perdidas num conjunto medíocre.

E se o roteiro já é ruim, todas as cenas com potencial ainda são lamentavelmente estragadas pelo cineasta de primeira viagem David Flores (editor de "Python 2" e "Terror em Alcatraz", que depois dirigiria "Pânico no Lago 2").

O ponto alto da película é a cena de sexo entre dois jovens no banco de trás de um carro; eis que a python ataca no auge de uma sessão de sexo oral que o garoto fazia na moça, devora o garanhão e enfia a própria língua na garota, que vai à loucura sem perceber a diferença entre a língua humana e a língua descomunal do réptil (!!!).

O problema é que a cena foi filmada de maneira tímida e rápida, e a pobre mocinha nem mesmo aparece nua - há uma cena de sexo interrompido por cobras muito mais interessante em "Serpentes a Bordo", com direito a cobra (o bicho) abocanhando o peito siliconado da garota). Nas mãos de um cineasta menos cagão, o sexo oral com a cobra gigante poderia ter rendido algo tão escroto quanto a cena da cabeça decepada em "Reanimator"...

Outra furada gigantesca está na conclusão: quando a jibóia e a python finalmente se encontram face a face (???) numa festa rave, onde também está o exército atrás dos monstrengos, qualquer cineasta digno desse nome faria miséria. Imagine as serpentes devorando a rapaziada, sangue e membros decepados espalhados por toda a parte, tiros e explosões a rodo, o som tecno rolando no fundo, luzes piscando, etc etc...

Mas o que faz David Flores? Primeiro evacua rapidamente o recinto para que as duas serpentes possam brigar sozinhas (!!!), depois corta imediatamente (e de maneira absurda) para uma estação de metrô completamente deserta, sem qualquer explicação! Como escrevi lá em cima, a contagem de cadáveres é mínima e a violência acontece quase sempre off-screen.

É uma pena, considerando que o filme tenta ser apelativo às vezes (como ao mostrar a gostosa Angel Boris Reed completamente pelada em um demorado banho de banheira, e na já citada cena de sexo oral com uma python de 25 metros), mas na maior parte do tempo é quase inocente.

Os ataques das cobras praticamente não são mostrados, e todos sabemos que esse tipo de tralha só funciona com sangue e tripas - um bom exemplo recente é o divertidíssimo e infinitamente superior "Frankenfish", de Mark A.Z. Dippé, realizado no mesmo ano.

No fim, o espectador fica se sentindo um bocó, porque o título e a capinha (as duas serpentes lutando no meio da cidade enquanto um helicóptero dispara mísseis contra elas, algo que NÃO acontece no filme) anunciam um confronto trash de dimensões épicas, mas na verdade as duas serpentes raramente aparecem, raramente se encontram e raramente lutam - e, quando o fazem, é sempre em lugares fechados, nunca no meio da cidade, como mostra o cartaz.

Por isso, BOA VS. PYTHON tem um lugar de honra numa longa galeria de tranqueiras que inclui outras bombas atômicas semelhantes, como "Sharktopus" e "Mega Shark Vs. Giant Octopus" (e, como esses citados, têm um trailer onde já são mostradas as únicas cenas boas). Todos eles são uma bela evidência de que fazer filmes ruins é muito fácil; fazer bons filmes ruins, entretanto, é bem mais complicado...

Trailer de BOA VS. PYTHON

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Boa Vs. Python (2004, EUA)
Direção: David Flores
Elenco: David Hewlett, Jaime Bergman, Kirk B.R. Woller,
Adam Kendrick, Angel Boris Reed, Marianne Stanicheva,
Griff Furst e George R. Sheffey.

TRANCERS - O EXTERMINADOR DO SÉCULO 23 (1985)

2011-12-09T03:46:00.000-08:00

(Eu tinha essa resenha pronta desde 2008, e estava esperando por uma oportunidade para publicá-la no site Boca do Inferno. Na época, ainda não havia criado o FILMES PARA DOIDOS. Hoje acho que a resenha se encaixa muito mais aqui do que no site. E vai especialmente para o leitor Daniel, que pediu uma análise do filme em comentários passados.)

Ele se chama Deth, Jack Deth, e é um policial durão do século 23. Nesse futuro distante, policiais são chamados de "troopers" e a Califórnia foi devastada por um imenso terremoto ocorrido em 2065, ficando parcialmente submersa. Deth vive em "Lost Angeles", que é o que restou de Los Angeles, e um de seus hobbys é mergulhar nas ruínas da cidade para recuperar artefatos como a placa de trânsito indicando a antiga Sunset Boulevard. Apesar de viver no século 23, ele é um policial à moda antiga, que lembra os detetives dos contos policiais de Raymond Chandler, ou dos filmes noir da década de 1950. Não por acaso, anda sempre com um sobretudo quase arrastando no chão, fuma muito e adora fazer a velha e boa narração em off - quase como um primo pobre de outro detetive futurista, o Richard Deckard interpretado por Harrison Ford "Blade Runner - O Caçador de Andróides".

Sim, amiguinhos, Jack Deth é um personagem tão "cool" quanto o Ash interpretado por Bruce Campbell na série "Evil Dead", ou o Snake Plissken de Kurt Russell nos filmes "Fuga de Nova York" e "Fuga de Los Angeles".

Mas infelizmente, para a maior parte da civilização, o nome "Jack Deth" não significa nada. O que é uma pena, pois o filme em que o personagem fez sua estréia no mundo da cultura pop, TRANCERS, é um clássico e divertidíssimo filme B, daqueles que conseguem ser criativos e originais mesmo chupando ideias de uma infinidade de outras produções.

No Brasil, o filme foi exibido nos cinemas e na TV com um título bizarro, "O Exterminador do Século 23", que será ignorado a partir de agora. E se por aqui a obra é praticamente desconhecida, lá fora tornou-se um verdadeiro sucesso underground - até astros como Sylvester Stallone viram e falaram maravilhas na época - e deu origem a uma franquia atualmente no sexto episódio!

TRANCERS foi produzido e dirigido por Charles Band em 1985. Caso você ainda não tenha ligado o nome à pessoa, Band era o cabeça das extintas produtoras Empire Pictures e Full Moon, e através delas realizou inventivos filmes com orçamento quase zero, mas muita criatividade - entre eles, clássicos como "Reanimator" e "Bonecos da Morte". Quando Empire e Full Moon foram à falência - em parte devido à quantidade enorme de filmes lançados, cada vez mais baratos e ruins -, Band criou a Shadow Entertainment, com a qual atualmente produz obras com uma merreca de orçamento, direto para o mercado de DVD.

Em TRANCERS, encontramos características habituais do trabalho de Band, como o orçamento baixíssimo (400 mil dólares!) e a produção apressada (foi filmado em apenas uma semana). Isso se reflete em efeitos baratos e tempo de duração reduzido (o filme tem apenas 74 minutos).

Entretanto, o diretor-produtor sai-se muito bem ao contornar a falta de recursos com muita criatividade, tendo em mãos um roteiro divertido e cheio de boas ideias assinado por dois jovens, Danny Bilson e Paul DeMeo. A dupla mistura referências alopradas, colocando na mesma trama futuro e presente, viagens no tempo, zumbis, traquitanas estilo James Bond e um policial durão e engraçadinho. E sabe o que é mais curioso? A mistura funciona perfeitamente!

A história começa no século 23, quando nosso herói Jack Deth (interpretado de maneira brilhante por um ranzinza Tim Thomerson) apresenta-se ao espectador na típica narração em off de detetive noir.

Deth explica que é um policial do futuro envolvido numa longa caçada a um supervilão fanático chamado Martin Whistler (Michael Stefani). Whistler, que todos imaginam estar morto, criou uma legião de asseclas chamados "Trancers", que, nas palavras do herói, são um cruzamento entre mutantes e zumbis.

(O curioso é que o espectador jamais fica sabendo o que, exatamente, são os Trancers. Neste primeiro filme, não passam de pessoas de mente fraca subjugadas pelos poderes psíquicos de Whistler; embora tenham a aparência de seres humanos normais, os Trancers são uma espécie de zumbis/demônios/mutantes disfarçados de humanos, que, quando mostram a verdadeira face, ficam com a pele amarelada e o rosto deformado, e se desintegram automaticamente quando mortos. Nas sequências, entretanto, a origem dos Trancers foi sendo frequentemente alterada conforme a vontade do freguês: na Parte 3, por exemplo, ficamos sabendo que eles surgiram de uma experiência militar realizada em 2005; já nas Partes 4 e 5, eles são apresentados como vampiros mutantes!)

Continuando sua narração em off, Deth conta que sua esposa foi morta na luta contra os Trancers, e por isso ele iniciou uma cruzada para exterminar todos os remanescentes da seita de Whistler. Sua primeira parada é em uma cafeteria, onde o herói desconfia que um caminhoneiro bebendo café é um Trancer disfarçado; na verdade, é a velha garçonete negra quem se revela, atacando Deth até ser morta com disparos de sua estilosa arma laser.

Cansado de ser quase morto pelos vilões a todo momento, o policial resolve desistir da caçada e entrega o distintivo (tem clichê maior?) ao seu superior, o xarope tenente McNulty (o engraçado Art La Fleur, que praticamente repetiria o papel no posterior "Stallone Cobra").

Porém, após um mergulho nas ruínas de "Lost Angeles", Deth é procurado por McNulty, que lhe encarrega de uma missão especial: perseguir e prender seu arquiinimigo Whistler, que, ao contrário do que se imaginava, está bem vivo e tem um plano maquiavélico para eliminar o Conselho que governa a Califórnia.

Só que a luta entre Deth e Whistler não será no século 23, mas sim no "passado", no caso, 1985, no século 20 (que era o "presente" na época de produção do filme, vale lembrar). Isso porque, de uma forma nunca totalmente explicada pelo roteiro, Whistler viajou de volta para 1985 e, num plano à la "O Exterminador do Futuro", começou a matar os antepassados dos membros do Conselho. Eram três originalmente, mas um deles já foi desintegrado graças à bagunça que o vilão fez no passado.

Com medo de também desaparecerem da história, os dois governantes que ainda restaram resolvem enviar Jack Deth de volta ao passado para proteger seus antepassados e, ao mesmo tempo, aprisionar o vilão.

O detalhe mais interessante do roteiro é que o pessoal do século 23 pode enviar objetos mecânicos para o passado, mas não tecido vivo. Assim, para voltar no tempo, Whistler e Deth utilizam uma droga que envia a consciência de ambos do futuro ao passado, onde elas irão habitar o corpo de um antepassado que viveu naquele período.

Dessa forma, os corpos futuristas de herói e vilão permanecem no futuro, numa espécie de coma, enquanto suas mentes são transferidas para novos corpos no ano de 1985! Não é uma doideira?

Sim, é. Porém também abre a brecha para discutirmos três furos grosseiros de roteiro:

1-) Se as viagens no tempo têm o poder de alterar o futuro, como é que as pessoas do futuro ainda têm consciência das coisas, considerando que o passado foi alterado? No caso, ao matar o antepassado de um dos membros do Conselho, Whistler faz com que o sujeito seja apagado da história. Mas, se o futuro foi reescrito a partir do crime (cometido três séculos antes), ninguém no novo futuro alternativo deveria se lembrar que assassinado existia e foi desintegrado, já que, na prática, ele nunca existiu. Confuso? Mas não é - e a trilogia "De Volta para o Futuro" abordou melhor estas mudanças passado-presente-futuro.

2-) Por que Whistler viajou dois séculos para o passado ao invés de voltar, tipo, apenas uns 50 ou 100 anos? Imagine a quantidade de alterações na história que o vilão deve ter provocado ao eliminar pessoas com dois séculos de diferença!

3-) Se qualquer pessoa poderia voltar no tempo ocupando o corpo de seus antepassados, por que é que os próprios membros do Conselho não retornaram nos corpos de seus antepassados para poderem fugir e se esconder de Whistler, ou mesmo procurar o vilão para matá-lo, eliminando a necessidade de Jack Deth voltar ao passado e ter todo o trabalho de procurar os tais antepassados dos membros do Conselho, que ele sequer conhecia ou sabia onde moravam?

OK, teorias de viagem no tempo à parte, sempre é bom lembrar de que estamos falando de um filme B produzido e dirigido por Charles Band, então não podemos esperar muita lógica!Prosseguindo...

Como o pessoal do século 23 precisa retornar ao passado "invadindo" o corpo de algum antepassado sanguíneo, Deth volta no tempo e assume o corpo de um jornalista mulherengo chamado Phil (interpretado pelo mesmo Tim Thomerson). Whistler, por sua vez, tem mais sorte: seu antepassado dos anos 80, chamado Weisling, é um respeitado chefe de polícia, o que lhe permite agir com toda a tranquilidade a aprontar o que bem entender.

Esse tipo curioso de viagem no tempo torna a missão do herói ainda mais complicada: ele não pode simplesmente matar Whistler no passado com um tiro, pois não estaria matando o vilão, e sim o inocente Weisling, um cara honesto, que tem esposa e filhos. Por isso, a missão de Deth é injetar no corpo atual de Whistler uma droga que fará a consciência do vilão voltar ao futuro, onde poderá ser julgado e aprisionado. Mas é claro que não será fácil. Até porque Whistler já criou uma legião de Trancers nos anos 80!

E como pepino pouco é bobagem, Deth ainda encarna no seu antepassado Phil na manhã seguinte a uma noite de sexo do cara com uma gatinha chamada Lena (interpretada por Helen Hunt, antes da fama e antes do Oscar de Melhor Atriz por "Melhor é Impossível"). Perdido numa época que não conhece e numa cidade que não conhece (lembre-se: Los Angeles está submersa no futuro em que Deth vive), o herói precisa convencer Lena a ajudá-lo.

E durante sua aventura, entre duelos com os vilões, tiroteios e perseguições em motocicletas, Deth ainda tem a chance de usar um fantástico brinquedinho do futuro: o "relógio de congelar segundos", que dá ao herói o poder de congelar o tempo durante 10 segundos - um artifício simplesmente genial utilizado duas vezes ao longo do filme, com direito a efeito que parece uma versão pré-histórica do "bullet time" de "Matrix"!

TRANCERS é um filme curto e grosso: se o tempo reduzido de duração deixa aquela gostinho de "quero mais", pois não há um número suficiente de situações perigosas entre Deth e Whistler, por outro lado o desenvolvimento é sempre a mil por hora - o filme nunca perde o pique ou fica chato.

Eu só lamento que o roteiro não tenha explorado mais as dificuldades de adaptação do futurístico e brutamontes Jack Deth na Los Angeles dos anos 80, o que certamente renderia boas piadas (ao pedir ajuda para Lena, o herói chega a confidenciar: "Eu sou de outro tempo e outro mundo, nem sei o que vocês comem no almoço!").

Um dos raros momentos em que o filme apresenta a dificuldade de adaptação do herói é engraçadíssimo: Lena leva Jack a um inferninho repleto de punks, onde a banda está detonando uma versão pauleira de "Jingle Bells". Apavorado com a música, com os cabelos espetados e com os figurinos do pessoal do lugar, o herói resmunga: "Parece que estou cercado de Trancers!".

Outro momento impagável é aquele em que Jack assiste na TV a um episódio do seriado "Petter Gunn" (uma produção dos anos 50 sobre policiais e gângsters. Encasquetado, Deth reclama: "Mas que espécie de nome é 'Peter Gunn'?". Lena responde: "E que espécie de nome é 'Jack Deth'?". (Não que alguém chamada "Helen Hunt" possa falar muito...)

Para uma produção de 400 mil dólares, chama a atenção também o número de nomes conhecidos envolvidos na produção: a edição é de Ted Nicolaou, que no ano seguinte se tornaria um cineasta habitual da Empire/Full Moon, realizando filmes como "A Visão do Terror" e a franquia "Subspecies", e um dos produtores executivos é Peter Manoogian, outro que se transformaria em cineasta dentro da própria Full Moon, para quem assinou "Brinquedos Diabólicos". Já os efeitos especiais são assinados por John Carl Buechler, colaborador habitual da Empire/Full Moon, mas que é popularmente reconhecido como diretor de "Sexta-feira 13 Parte 7".

Mas o nome mais conhecido está creditado com um singelo "assistente do departamento de arte": trata-se de Frank Darabont, hoje um nome conhecido em Hollywood, onde dirigiu filmes como "O Nevoeiro" e "Um Sonho de Liberdade"!

Se TRANCERS virou cult, certamente não foi por acaso. Entre os grandes acertos estão a caracterização de Tim Thomerson como Jack Deth (no grande papel da sua carreira; sem ele, o filme perderia metade da graça), o roteiro inspiradíssimo da dupla DeMeo/Bilson (que, também em parceria, escreveriam o ótimo "Rocketeer" alguns anos depois) e a trilha original de Phil Davies e Mark Ryder, que conseguiram uma daquelas raras músicas-temas que fazem você lembrar na hora do filme para a qual ela foi composta.

E com o sucesso do original, não demorou para Band tentar faturar em cima. Durante uma década, a série "Trancers" foi a sua galinha dos ovos de ouro: ele produziu cinco continuações entre 1991 e 2002, progressivamente piores e mais baratas, e até alguns gibis com adaptações dos filmes para os quadrinhos. Inclusive acho que só não há mais porque os orçamentos ficaram tão baixos que Band não conseguia nem pagar mais o cachê de Tim Thomerson ("Trancers 6", de 2002, já não tem mais o astro no elenco!).

O próprio Band fez uma auto-crítica em entrevista recente, alegando que só gosta dos dois primeiros (que ele dirigiu): "Fizemos 'Trancers' demais, e o que era bom nos primeiros nós não conseguimos mais recapturar". Na mesma entrevista, ele lembrou que só se envolveu com TRANCERS porque um dos roteiristas, Danny Bilson, havia trabalhado como assistente de cameraman em "Ghoulies" (outra produção de Band) e lhe entregou uma cópia do roteiro.

Como é comum no Brasil, algumas dessas sequências saíram em vídeo com títulos diferentes, gerando grande confusão. Se o original, que nunca chegou às nossas locadoras, tinha o nome de "O Exterminador do Século 23", o segundo filme saiu como "O Tira do Futuro", o terceiro como "Trancers 3 - A Luta pela Sobrevivência" (e imagine o pobre sujeito locando essa fita e procurando inutilmente pelos dois outros "Trancers" nas prateleiras da locadora!), e o quarto como "Fome de Sangue"!!!

Recentemente, descobriu-se que havia uma continuação direta e não-oficial de TRANCERS, produzida em formato de curta-metragem em 1987: novamente com direção de Band e roteiro da dupla DeMeo/Bilson, esse curta tem Tim Thomerson, Helen Hunt e Art LaFleur, e era uma das atrações de uma coletânea chamada "Pulse Pounders". Com a falência da Empire Pictures, a tal coletânea nunca foi oficialmente lançada, e hoje é considerada perdida. Uma pena, pois "Pulse Pounders" incluía outros dois curtas que muita gente daria um braço para ver: "Dungeonmaster 2" e "The Evil Clergyman", uma adaptação de H.P. Lovecraft de Dennis Paoli ("Reanimator") estrelada por Jeffrey Combs, Barbara Crampton e David Warner!!!

É curioso constatar que hoje, com mais tecnologia e recursos à disposição, é muito difícil topar com um filme barato tão divertido e original quanto TRANCERS, em que as boas ideias ficam acima dos efeitos especiais e do orçamento milionário.

Eu inclusive sugiro uma sessão tripla com as três primeiras aventuras da série, as únicas que valem a pena, e que são um belo testamento do legado das extintas Empire/Full Moon ao universo das produções baratas.

As duas empresas também produziriam outras franquias mais populares, como "Puppet Master" e "Subspecies", antes de falir, mas TRANCERS continua mantendo um charme todo especial e nunca mais igualado - embora Band tenha tentado produzir "pseudo-Trancers" posteriores, como "Dollman", também com Tim Thomerson.

Trailer de TRANCERS

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Trancers (1985, EUA)
Direção: Charles Band
Elenco: Tim Thomerson, Helen Hunt, Michael
Stefani, Art LaFleur, Telma Hopkins, Richard Herd,
Anne Seymour e Biff Manard.

"Trancers" em quadrinhos!

2011-12-08T12:12:00.001-08:00

ROBOT HOLOCAUST (1986)

2011-12-06T05:57:00.000-08:00

- Ok Larry, nosso primeiro filme, "Ligadas pelo Desejo", foi um sucesso e um grande estúdio quer produzir o próximo. Você tem alguma ideia?
- Na verdade não, Andy. Gastei toda a minha criatividade escrevendo "Ligadas pelo Desejo" e agora só consigo pensar na minha cirurgia de mudança de sexo.
- Então por que nós não reaproveitamos a trama de algum filme toscão que ninguém viu e vendemos ao mundo como algo visionário?
- Genial, cara! Lembra de um lixo chamado "Robot Holocaust", cuja fita eu comprei numa promoção da Blockbuster? Pois eu acho que podemos tirar algo interessante desse negócio...

Dificilmente a gênese de "Matrix" (1999) foi assim, e talvez os irmãos Andy e Larry (atualmente Lana, pós-mudança de sexo) Wachowski nunca tenham assistido ROBOT HOLOCAUST em suas vidas.

Mas é muito engraçado rever hoje esse lixo atômico da Era "Direct-to-Video" e perceber "coincidências" muito suspeitas entre os dois filmes - sem contar, é claro, que um custou 63 milhões de dólares, e o outro parece ter sido produzido com menos de um salário mínimo.

ROBOT HOLOCAUST é tão ruim, mas tão ruim, que tem um charme todo especial - um "Filme para Doidos" em sua mais pura essência. Chegou a ser exibido na TV brasileira, no extinto Cine Trash, com um título enganoso ("Mutantes Carnívoros"!!!), por causa de uma única cena. Mas nunca chegou a ganhar lançamento oficial em VHS ou DVD, nem passou pelos cinemas brasileiros na época (e olha que em 1986 passava cada porqueira nos cinemas brasileiros...).

A origem dessa tralha é muito divertida: em 1986 (portanto 13 anos ANTES de "Matrix"), aquelas aventuras pós-apocalípticas baratas realizadas pelos italianos, como "1990 - Os Guerreiros do Bronx" e "O Guerreiro do Mundo Perdido", estavam fazendo muito sucesso nos cinemas de bairro dos Estados Unidos. Assim, o produtor norte-americano Charles Band, que não era bobo nem nada, resolveu fazer o caminho inverso: produzir uma aventura pós-apocalíptica barata 100% ianque para depois exportá-la para a Itália, onde o subgênero fazia muito sucesso!

(Ou, em outras palavras, dar aos italianos a chance de provar o gostinho do próprio remédio; nesse caso, uma aventura pós-apocalíptica tosca como as que os estúdios da Itália mandavam para os Estados Unidos!)

Não existem fontes para relatar se a estratégia deu certo, mas ROBOT HOLOCAUST chegou a ser exibido nos cinemas italianos (com o título "I Robot Conquistano il Mondo"), embora tenha sido lançado direto em vídeo no resto do mundo, inclusive no país em que foi produzido.

E com justiça, já que o filme é um trashão dos mais constrangedores - mas, ao mesmo tempo, bastante divertido em todas as suas falhas. Até o próprio Ed Wood teria vergonha de assinar esse negócio (e talvez isso explique porque Band tirou seu nome dos créditos)!

ROBOT HOLOCAUST começa com uma colagem de cenas do "fim da civilização" (na verdade, uns prédios semi-demolidos na periferia de Nova York e um único esqueleto atirado no chão). Sobre essas cenas, uma narração pessimista anuncia: "A última cidade permanece de pé. Foi só o que restou da civilização de New Terra (!!!). A sociedade foi destruída durante a Rebelião dos Robôs de 2033, quando bilhões de robôs se voltaram contra seus mestres. O caos resultou num vazamento radioativo, muito mais mortal que qualquer explosão atômica. E o mundo caiu de joelhos diante do... HOLOCAUSTO DOS ROBÔS!".

(Ainda aqui? Então vamos em frente!)

Pois nesse mundo pós-apocalíptico pobretão rebatizado New Terra, os poucos seres humanos sobreviventes são dominados por robôs e governados por uma entidade maligna chamada "The Dark One". O vilão controla a humanidade porque tem poder sobre o oxigênio contaminado do planeta: enquanto as pessoas lhe obedecem, ele mantém o ar purificado; ao menor sinal de revolta, desliga os filtros e todo mundo começa a sufocar com o ar contaminado!

Mas e por que Dark One não mata logo todos os humanos de uma vez, desligando seu maravilhoso purificador de oxigênio? Ahá: é que aqui, como em "Matrix", os robôs usam as pessoas para gerar a energia necessária para manter sua fortaleza, uma usina de força que, na verdade, não passa de uma fábrica antiga e abandonada.

Não bastasse tudo isso, Dark One também promove lutas de gladiadores entre os sobreviventes (!!!), fazendo com que se matem entre si. Belo mundo para se viver, não?

Felizmente, o reinado das máquinas está perto do fim. Eis que surge na última cidade humana um guerreiro errante chamado Neo (!!!), "interpretado" por Norris Culf no primeiro dos três trabalhos da sua "filmografia".

Neo tem poderes telepáticos e é imune ao gás venenoso da atmosfera, logo não pode ser escravizado pelos robôs. Ele pretende destruir Dark One e seu séquito de autômatos, e para isso se une a uma trupe de esfarrapados de fazer inveja ao Branceleone: tem Klyton, robô chato que copia C3PO (J. Buzz Von Ornsteiner); Deeja (Nadine Hartstein), filha de um cientista raptado por Dark One; e dois sobreviventes do fim do mundo que não viverão mais muito tempo, portanto é inútil querer lembrar seus nomes.

No início de sua jornada até a fortaleza das máquinas, nossa Aliança Rebelde (pffff!) passa por uma floresta (???) e tem um encontro nada amistoso com uma tribo de Amazonas (???). Sua rainha, Nyla (Jennifer Delora), aprisiona homens para fins reprodutivos e arranca suas línguas para que não possam ficar de lero-lero (e eu que sempre pensei que as mulheres fossem a "parte falante" do casal).

Após rápida batalha, Nyla é vencida e junta-se ao incrível exército de Brancaleo... ops... Neo. Com eles também parte Kai (Andrew Howarth), o último homem preso e abusado pelas Amazonas, e que certamente deve ter ficado bem contente de abandonar a rotina de escravo sexual de belas garotas para juntar-se a um grupo de heróis fuleiros!

A jornada da trupe até os domínios de Dark One será repleta de perigos, incluindo o ataque de mutantes e a visita a uma caverna onde vivem gigantescos vermes que saem das paredes - na verdade fantoches de braço inteiro, mas ainda assim essa é a MELHOR PARTE DO FILME!

Mais adiante, já na usina de força, enfrentarão uma terrível aranha gigante (por causa do orçamento reduzido, foi possível mostrar apenas uma única pata da bicha!!!) e, finalmente, os robôs malvados, entre eles Torque (Rick Gianasi, o "Sgt. Kabukiman N.Y.P.D." da Troma!) e a gata Valaria (Angelika Jager, primeiro e último filme), robô que inexplicavelmente tem a forma de uma loira vagaba! Além, é claro, do próprio Dark One.

"Não temos dinheiro para uma aranha gigante inteira!

ROBOT HOLOCAUST foi escrito e dirigido por Tim Kincaid (nome de batismo: Tim Gambiani). Pela pobreza e pelo estilo, o que parece é que estamos vendo as cenas "entre trepadas" de algum daqueles antigos filmes pornôs com historinha. Até atores e atrizes têm jeitão de hardcore - a única diferença é que eles nunca trepam!

A explicação para isso pode estar na filmografia pregressa de Kincaid: entre 1976 e 1985, ele realmente dirigiu X-Rated - no caso, pornôs gays! -, usando os pseudônimos Joe Gage e Mac Larson. Entre os títulos, "Oil Rig" e "Closed Set" 1 e 2.

A partir de 1986, com o WIP "Bad Girls Dormitory" e este ROBOT HOLOCAUST, Kincaid ganhou certa notoriedade como diretor de produções extremamente baratas e ruins - num nível muito abaixo de outros caras do terceiro escalão da época, como Fred Olen Ray e Jim Wynorski.

Outros "clássicos" assinados por ele, e lançados em vídeo no Brasil pela extinta Top Tape, são "Mutant Hunt - O Exterminador de Humanóides" e "Breeders - A Ameaça de Destruição". Quem já viu qualquer um deles, sabe bem o que esperar de ROBOT HOLOCAUST...

Em primeiro lugar, é preciso ressaltar que a pobreza da produção é tão grande que o diretor chega ao cúmulo de usar desenhos para representar o exterior da fortaleza do vilão (sem nem ao menos tentar disfarçar). E para um mundo que foi dominado por "bilhões de robôs", segundo a narração do início, é até engraçado o fato de os heróis enfrentarem todo tipo de ameaça (Amazonas, mutantes, vermes carnívoros, aranhas gigantes...), MENOS robôs!!!

Vai ver que as roupas de robôs eram muito caras para a mixaria que o filme deve ter custado. Seja como for, tudo o que vemos de "robótico" num filme chamado ROBOT HOLOCAUST são Klyton e Torque, e ambos não passam de atores usando máscaras inexpressivas que não mexem nem os olhos; há ainda dois robozinhos secundários que surgem numa ceninha de cinco minutos, e Valaria, em forma humana durante a maior parte do filme, até ficar com metade do rosto cibernético exposto à la "O Exterminador do Futuro"!

Os cenários, então, são de chorar. Se na introdução Kincaid usou umas casas demolidas e/ou em construção para simular o apocalipse, o restante da aventura se passa num único lugar, a tal fábrica abandonada que é o covil de Dark One e seu reduzidíssimo exército robótico (fico me perguntando onde estarão os bilhões de outros robôs que se revoltaram contra a humanidade...).

E em algumas poucas cenas, quando vemos os heróis caminhando pela "paisagem desolada" do futuro pós-apocalíptico, os atores estão simplesmente zanzando por um parque, sem a menor vergonha na cara, enquanto a câmera fica na altura do chão para esconder o movimento de pessoas e o tráfego de automóveis nas redondezas - só não consegue esconder os edifícios intactos no horizonte, mas aí já é outro problema!

Dê só uma sacada nesse still de divulgação abaixo para ter uma ideia de como é a coisa, embora a fotografia faça o filme parecer bem melhor do que realmente é...

Num filme chamado ROBOT HOLOCAUST, também seria correto esperar por emocionantes duelos entre humanos e robôs, certo? Errado! Como já disse, temos míseros quatro robôs em cena (cinco, contando com a "quase humana" Valaria), e apenas dois deles fazem uso de armas laser (!!!). Assim, na maior parte do tempo, o que vemos são heróis e vilões robóticos lutando com... ESPADAS!!!

Exato: estamos no futuro, os vilões são robôs tecnologicamente evoluídos (em teoria), mas todo mundo usa espadas para lutar, como se fossem bárbaros saídos de alguma cópia barata de "Conan"! E vamos combinar que é bem questionável a eficácia do uso de armas brancas contra adversários mecânicos e metálicos...

(Vale ressaltar que Klyton, o chatíssimo robô "do bem", tem uma arma laser, mas raramente a utiliza. Afinal, se o fizesse, o restante do grupo não precisaria utilizar suas espadas contra mutantes, vermes e outros robôs, e aí o filme ficaria ainda mais curto do que os seus parcos setenta e poucos minutos.)

Já o roteiro do próprio Kincaid tem mais furos que a fachada de uma residência iraquiana. No começo do filme, o herói Neo usa telepatia para conversar com Klyton, e sabe-se lá como é que poderes mentais atuam num cérebro eletrônico. O mesmo Klyton mais tarde aparece dormindo - não desativado nem desligado, mas deitado e dormindo mesmo, só faltou roncar! Ah, também tem uma cena em que Neo sufoca um robô usando uma corrente. Opa, peraí: como você pode sufocar um negócio que nem respira? Bem, considerando que eles também dormem...

Mais: nunca é explicado o motivo para Dark One, uma máquina que liderou uma rebelião de robôs, ter como braço direito um andróide em forma de mulher (e vestida com roupitchas de perua!). E o que dizer de um cérebro eletrônico inteligente e desenvolvido o suficiente para dominar o mundo, mas que cria um aparato de auto-destruição na sua própria fortaleza que é acionado por... uma manivela?!? Assim ele não tem como desativá-lo por conta própria, e seu esconderijo só não vai para os ares porque um outro personagem esbarra acidentalmente na tal manivela (!!!) e cancela a auto-destruição quando restam apenas 10 segundos antes da explosão!

Também há muitos outros motivos para rir e fazer piada em ROBOT HOLOCAUST, como os diálogos expositivos criados apenas para tentar corrigir furos de roteiro ("Vocês também aprenderam a suportar o ar contaminado, certo?"), ou o narrador que permanece fazendo comentários redundantes até o final. Ou ainda o dispositivo que Deeja usa para respirar, que fica atrás da sua orelha (deve ser facílimo respirar com aquele cabelão por cima do aparato, não é?).

Ou seja, o filme é tão ruim que acabou ganhando certo culto ainda nos tempos do VHS, e este culto se intensificou - claro! - com a internet. Hoje você encontra sites com análises gigantescas dessa tralha (mais gigantescas do que essa minha, inclusive), e até homenagens à péssima atriz que interpreta Valaria, Angelika Jager, que sumiu do mapa depois desse negócio (ela tem um sotaque estranho, alemão ou francês).

Agora, curioso mesmo é analisar os créditos de ROBOT HOLOCAUST. Tudo bem que a maioria dos "atores" não foi muito longe, mas há exceções como J. Buzz Von Ornsteiner, que "atuou" escondido debaixo da roupa do robô Klyton. Pois após mais alguns filmes ruins, Von Ornsteiner abandonou o cinema e transformou-se numa autoridade em Psicologia (!!!), com direito a participação regular em programas de TV nos Estados Unidos.

E o que dizer do sujeito responsável pelos ridículos cenários pintados do filme, como o quartel-general do vilão? Acredite se quiser, mas trata-se de um tal de Andrew Kevin Walker - que anos depois abandonaria o cine-trash para virar roteirista de "Seven", "Oito Milímetros" e, mais recentemente, "O Lobisomem"!!!

O diretor-roteirista teve menos sorte: após mais alguns anos insistindo em filmes baratos de horror e ficção científica direct-to-video, em 2001 ele voltou ao mercado do pornô gay, onde continua firme (sem malícia!) até hoje, e ainda usando o pseudônimo Joe Gage.

Será que Tim Kincaid gostou de "Matrix" e enxergou as mesmas "coincidências" entre seu filme bagaceiro e aquela superprodução milionária? Boa pergunta, e acho que ninguém teve a boa vontade de entrevistá-lo sobre o caso ainda. Seria engraçado.

Mas além do herói com superpoderes chamado Neo, dos robôs que dominaram o mundo, da atmosfera contaminada, do uso de pessoas para criação de energia e da resistência na última cidade humana, ROBOT HOLOCAUST tem outros dois pontos em comum com a obra dos Irmãos Wachowski (agora Irmão e "Irmã").

O primeiro é a imagem de um ser humano usado como se fosse uma "bateria" por Dark One, preso num casulo bem parecido com aqueles em que os prisioneiros ficam em "Matrix".

O segundo, e mais interessante, é a "Câmara dos Prazeres" utilizada por Valaria em determinada cena do filme. Tá, a cena é gratuitíssima e mera desculpa para mostrar os peitos da atriz, mas o caso é que as máquinas têm essa câmara onde podem entrar para satisfazer seus "prazeres ocultos", entrando num universo de realidade virtual onde tudo é lindo e maravilhoso, bem diferente daquele mundo pós-apocalíptico em que vivem.

Ora, mas na essência não soa como uma versão pré-histórica da própria Matrix?

São muitos elementos em comum, mas as coincidências entre ROBOT HOLOCAUST e "Matrix" ficam só nesses elementos parecidos. Pois é óbvio que a aventura dos Wachowski é muito melhor em todos os sentidos (e aqui estou falando do "Matrix" original, pois as duas sequências são umas bombas atômicas!).

De qualquer forma, porcarias como essa do Tim Kincaid tem pelo menos uma qualidade além do fator trash e das gargalhadas que proporcionam: depois que você vê um longa-metragem pós-apocalíptico rodado por mixaria em pleno centro de Nova York, sem que sequer tenham sido produzidos cenários ou figurinos decentes, dá a maior vontade de fazer o seu próprio filme pós-apocalíptico caseiro!

E essa mágica "do it yourself" é algo que "Matrix", por exemplo, não tem. Porque você precisa de 100 milhões de dólares para fazer algo como "Matrix", mas definitivamente não precisa de mais do que mil reais para rodar algo semelhante a ROBOT HOLOCAUST.

Portanto, divirta-se com as aventuras de Neo e sua trupe de esfarrapados, com os robôs que vestem fantasias de carnaval, e aprenda com Kincaid como fazer um filme inteiro dentro de uma única fábrica em ruínas. Daí para bolar a sua própria aventura estrelada pelos amigos é só um pulinho!

PS: Não se espante se perceber uma qualidade absurda na trilha sonora do filme, qualidade esta que é inexistente em todos os outros departamentos da obra. Acontece que o produtor Charles Band "emprestou" para os realizadores músicas de um velho filme que produziu, "Laserblast - Alienígenas na Terra" (1978), compostas por Richard Band e Joel Goldsmith.

Monstros-fantoches + mutantes!

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Robot Holocaust (1986, EUA)
Direção: Tim Kincaid
Elenco: Norris Culf, Nadine Hartstein, J. Buzz Von
Ornsteiner, Jennifer Delora, Andrew Howarth,
Angelika Jager e Rick Gianasi.